Это моя очередная публикация, призванная развеять миф о том, что современное искусство находится в упадке, и что достойных внимания художников сейчас нет. Уж и не знаю почему этот миф так устойчив. Оснований для такого вывода, по-моему, нет никаких. И сегодня я в очередной раз постараюсь это доказать
Итак, давайте отправимся в путешествие по бескрайнему морю визуальных образов, созданных современными творческими людьми, среди которых множество славных имен, достойных самого пристального внимания.
Именно с такими настоящими мастерами своего дела, которых по счастью весьма много, я время от времени и знакомлю ценителей качественного изобразительного контента на своем блоге (предыдущие подобные публикации можно найти по ссылкам под этой статьей).
Сегодня я вновь продолжу начатое дело.
Итак, хочу снова рассказать об очень достойных художниках, которые по счастью встретились в свое время на моем пути.
Стив Хэнкс.
Я уже как-то рассказывал в одной из своих предыдущих публикаций об этом замечательном художнике, часть работ которого мне посчастливилось много лет назад видеть «вживую». И признаюсь – они меня покорили, хотя я много чего видел и мне есть с чем сравнить.
Сегодня хочу продолжить начатое повествование об этом прекрасном мастере акварели, который смог создать свой собственный солнечно-светлый стиль, который сам художник называл «эмоциональным реализмом».
Передать игру света очень трудно, и у многих даже очень хороших художников это так и не получается. А вот у Хэнкса это получается просто здорово!
Художник очень осознанно относился к тому, как солнечный свет раскрывает форму, и считал его очень важным элементом своих картин. Он говорил, что рисует свет, жизнь и любовь. И глядя на его работы ты убеждаешься, что это действительно так.
Акварели Стива Хэнкса это гораздо больше, чем просто милые изображения женщин и детей. «Все искусство - это бегство туда, где вы хотите быть, или чувство, которое вы хотите испытать, - говорил Хэнкс. - Люди видят разные вещи в моих картинах, потому что у всех нас разное прошлое и разные чувства».
Большую часть своих работ Стив Хэнкс посвятил женским образам. «Женщины занимают особую нишу в моей жизни. Они проявляют больше способностей к рассказыванию историй. В них больше волшебства», - говорил он.
Я уже говорил, что на большинстве картин Стива Хэнкса героев окружает свет, который пронизывает всё пространство. И это своего рода визитная карточка мастера. «Солнечный свет — одна из моих любимых «моделей». Я восхищен тем, как он проникает сквозь объекты, как наполняет комнату светом. Чаще получается, что мои работы говорят о солнце больше, чем о чем-либо другом», — признавался художник.
Среди огромного художественного наследства художника я особенно хочу выделить работу, которую приведу ниже. Мне кажется, что это просто чудо что за акварель, не фото, а именно акварель. Ее уровень таков, что она очень широко копируется по всему миру. Увы, подлинное ее изображение в реале мне так и не удалось увидеть, поэтому привожу только постер. Впрочем, и по нему можно вполне понять уровень мастерства этого признанного мастера акварели, входящего по мнению ведущих специалистов в десятку лучших мастеров-акварелистов планеты.
К великому сожалению, Стив Хэнкс покинул наш мир в 2015 году на 66 году жизни, но его волшебные акварели будут еще долго дарить зрителям покой и положительные эмоции.
«Я пытался быть ответственным и оставить позитивный след в мире, - говорил Хэнкс. - Я надеюсь, что моя работа приносит комфорт, удовольствие и понимание жизни людей».
Спасибо тебе, Стив, что ты был в этом мире и оставил после себя такую красоту…
А дальше несколько наших незаурядных соотечественников.
Владимир Куш.
Это один из самых известным в мире русских художников. Популярность его такова, что он смог себе позволить открыть аж 4 галереи по всему миру. В одной из них мне посчастливилось побывать. Два этажа, 14 залов и огромное количество запоминающихся и очень интересных картин и скульптур. Есть о чем рассказать и что показать.
Но сначала небольшое вступление и пояснение.
Тот, кто видел работы этого художника, наверняка заметил, что на его полотнах преобладают нежные приглушенные оттенки, будто подсвеченные изнутри загадочным и теплым сиянием. Это его особенный стиль, очень узнаваемый и мне импонирующий. Надеюсь, что и всем остальным зрителям тоже. По крайней мере, хочется надеяться, что многим такая стилистика придется по душе – ведь в наше суетное и непростое время совсем не лишне немного расслабления и тепла.
Насыщенные краски, слегка размытые линии и визуальные образы на картинах Куша создают волшебный мир мечты и одновременно реальности, но не суровой и мрачной, а скорее раздумчивой. Это основательно отличает этого художника от мрака подсознательных образов большинства сюрреалистов. Именно такая мрачность и отталкивает меня от многих из них. А мир Куша своей теплотой и добротой, наоборот, притягивает.
Мне очень импонирует метафоричность творчества Владимира Куша. Метафора - это средство коммуникации, с помощью которого мы живем. Прежде всего, метафора направлена на чувства и воспоминания зрителя о том, что уже знакомо, но что благодаря работам Куша складывается в новые сочетания, давая совершенно неожиданные эффекты и ассоциации. Это как складывание мозаики из известных изображений, которые в новом сочетании открывают новые истории и образуют новые взаимосвязи.
Глядя на картины художника, многие замечают сходство с одним из самых известных сюрреалистов прошлого века Сальвадором Дали. Однако сам Куш считает (я с ним совершенно согласен и как зритель и как художник), что сравнивают, в основном, те люди, которые не очень хорошо разбираются в изобразительном искусстве. Поэтому его это задевает. «Возьмите любую картину Дали и поставьте мою рядом с ней — вы увидите, что они совсем не похожи» - утверждает художник. И он прав.
Да, аналогии с картинами Дали иногда видны. Но можно ли говорить, что и мыслит Владимир Куш как Дали? Вовсе нет. мм Так что похожий почерк не значит повторение текста. И если человек развивает, дополняет свое видение, свою фантазию к основному направлению, то разве это плагиат?
А еще мне кажется, что работы Дали при всей их виртуозности все-таки тянут куда-то в мрак. А работы Куша светлы и будят воображение. «Воображение важнее знаний. Знание имеет свои ограничения, в то время как воображение не имеет границ» - так говорил Альберт Эйнштейн.
К тому же элемент неожиданности на картинах Владимира Куша заставляет зрителя встряхнуться, побуждает создавать новые ассоциации между ранее несвязанными образами, причем речь не идет об открытии чего-то нового, а именно о соединении прошлых, уже знакомых образов в единое целое, непохожее на ранее виденное. То есть, проводя аналогии со строительством – из старых знакомых кирпичей создается новое здание, до этого ранее не создававшееся.
Именно этим Куш и интересен. Он побуждает к состворчеству, к развитию фантазии и нахождению новых образов и новых связей между знакомыми к данному моменту предметами и понятиями.
Сегодня я познакомлю всех еще с несколькими работами этого художника, который, как это говорится в наше время меня «зацепил». А это не так легко сделать – я видел работы тысяч художников в сотнях музеев и галерей, и могу заверить – таких интересных и узнаваемых художников в мире не так уж много.
Итак, картины Владимира Куша с некоторыми размышлениями по поводу их и ассоциациями, которые они вызывают.
Картина «Любовь моряка».
Вот какие пояснения к картине дал сам художник. Ну и я добавил к этому свои 7 копеек. 😉
Роза — символ любви, красоты и весны, который в изобразительном искусстве ассоциируется с женским началом.
Например, в греческой мифологии роза расцвела вместе с Афродитой, греческой богиней любви, родившейся из морской пены. Это событие нашло отражение в известных картинах Сандро Боттичелли «Аллегория весны» и «Рождение Венеры».
В этой картине несущийся вперед корабль означает решимость, настойчивость, символизирует мужскую стихию.
Колышущаяся на ветру занавеска словно ласкает и поддерживает розу, ее взгляд в открытые окна подчеркивают эмоциональную «связь» между розой и ее возлюбленным.
И еще их обоих объединяет то, что устремляются они в одну сторону, в неведомое путешествие по океану любви…
Картина «Круиз Золушки».
Обувь – атрибут пешего путешественника. Лодки – атрибут мореплавателя. В этой картине используется метафора или «переход» от путешественника по суше к путешественнику по морю. «Хождение за три моря» — так называется книга, написанная в форме дневника русским купцом Афанасием Никитиным, путешествовавшим в Индию за четверть века до Васко да Гамы. Заметьте, не плавание, а хождение.
Воображение художника вдохновила история Золушки, потерявшей туфельку на балу. Принц нашел туфельку, и в конце концов она вышла за него замуж. Позже счастливая пара включила туфельку в фамильный герб.
Океанский лайнер на картине плывет по морям, словно скользит по танцполу. Можно представить, что это корабль, предназначенный для веселых круизов, смеха и счастливых моментов. Каждая палуба оборудована танцплощадками и концертными залами, где на протяжении всего плавания регулярно проходят пышные «балы Золушки».
А еще круизный лайнер символизирует отказ от обыденности повседневной жизни и полет к океанам веселья.
Картина «Романс для Джульетты».
Картина ведет нас в два волшебных романтических мира. Узкие улочки, спускающиеся к морю, дома с красной черепичной крышей, балкон и стоящая на нем девушка в белом платье… Художник изображает настоящий итальянский город эпохи Возрождения, по всей видимостиаввс , Верону – родной город шекспировской Джульетты.
Но кроме этого мы обращаем наш взгляд на гитару, стоящую на переднем плане, и другой мир вступает в свои права – причудливый романтический мир с оттенком легкой иронии. Как в «странных сказках» Гофмана, вещь превращается в живое существо (вспомните его «Щелкунчика»), не теряя при этом своих качеств как вещь. Мы видим музыкальный инструмент, опоясывающий себя ремнем, красный цвет которого перекликается с красными сказками о крышах. Ее гриф принимает гротескную форму молодого человека в профиль.
Деталь картины «Романс для Джульетты».
Художник словно бы говорит нам: подождите немного – очень скоро гитара начинает играть, касаясь струн корпуса... и зазвучит романс о любви...
В общем, красиво, неожиданно и как всегда у Куша интересно.
И еще об одном нашем художнике сегодня пойдет речь.
Михаил Хохлачев (Michael Cheval).
И опять все та же история сравнивания одного художника с другим. Все с тем же Сальвадором Дали. Почему-то у многих сразу возникает это сравнение как только они видят необычные и сложные картины.
Скажу так: в отличие от Дали картины Хохлачева это не продукт сновидческих или иллюзорных озарений, а четко выверенные, продуманные до мелочей загадки для ума. А еще они излучают свет и не производят того мрачно-тяжелого ощущения, которые свойственны сюрреалистам.
Полотна Хохлачева будоражат фантазию абсурдными мифическими сюжетами с множеством прорисованных мельчайших деталей. Они представляют из себя некую игру фантазии, где все части тщательно отобраны, чтобы создать цельный литературный сюжет. К тому же они яркие, красочные, в них есть что-то от праздника и карнавала.
Художник как бы загадывает загадку, которую должен разгадать зритель. А для этого зачастую использует как образы из арсенала мировой культуры с ярко выписанными типажами из стилистики прошлых эпох, так и очевидные намёки на элементы современной жизни и быта. А иногда на его картинах встречаются также пародии и парафразы на известные полотна старых мастеров.
А еще его картины сочные, разноцветные и очень напоминают карнавал. Эта карнавальность подчёркивается и ярким колоритом самих полотен, нарочитым сопоставлением ярких тонов с присущим им эффектом глянца, несколько нарочито и специально неестественного, однако столь гладкого и красивого, что в реальность происходящего трудно не поверить.
Понять значение изображений этого художника можно как чувствами, погрузившись в атмосферу картин, так и логикой, находя тайный смысл в многочисленных символах. Главное в его картинах – это полёт фантазии, игра воображения, путешествие в сказочный мир иллюзий.
Его работы мне нравятся тем, что отвлекают от серой повседневности и проблем, которых в современном мире слишком много и которые мешают радоваться прекрасному. Именно такой спасительной возможностью сделать передышку в перенасыщенной проблемами и суетой жизни и обладают картины этого художника. За что ему большое спасибо.
Что же касается зашифрованного в его картинах смысла (а сам художник не скрывает того, что его картины – это, прежде всего, зашифрованная история), то этот смысл открывается не сразу, сначала из самого названия, а потом уже после собственного размышления о спрятанных в картинах намеках на их суть.
Кстати, очень советую всем прочитать прошлые комментарии моего подписчика Игоря Рубцова под подобными публикациями - они очень интересны и глубоки. И это заставляет меня по-новому взглянуть на описываемые им изображения. Я вообще люблю людей умнее меня – у них всегда есть чему поучиться. Большое Игорю Рубцову спасибо за такую возможность.
Итак, отправляемся в путешествие по мирам Михаила Хохлачева. Кстати на заставке (превью) этой статьи я поместил его картину, которая, как мне кажется, не требует никаких пояснений.
Ну а дальше другие его работы.
Картина «Вдохновение вслепую (слепое вдохновение)»
Позволю себе поразмышлять над сутью этой работы. И буду исходить из названия и тех деталей, разбросанных по картине, которые могут позволить раскрыть смысл этого названия.
Предупреждаю сразу – это всего лишь одна из трактовок увиденного на картине и она ни в коем случае не претендует на истину в последней инстанции.
Итак, размышления по поводу увиденного.
На картине два творческих человека: она - балерина, а он - художник. Они живут под одной крышей. Как они поддерживают друг друга и как достигают гармонии в отношениях? Вопрос не праздный. Иногда в отношениях доминирующая личность подавляет и заставляет подчиняться другую личность, но тогда в такой атмосфере творчество невозможно. Идеальный золотой баланс основывается на доверии, прощении, компромиссе, понимании и любви.
Такого равновесия отношений очень трудно достичь, если не закрывать глаза на недостатки и просчеты того, кто рядом. Наверное, поэтому художник и повязал себе глаза, чтобы не критиковать то, что делает его спутница.
Художник поддерживает балерину, чтобы она могла сохранить баланс на самых кончиках пальцев ног и одновременно писать картину. Помогая друг другу, они достигают гармонии.
На заднем плане мы видим богато украшенное окно собора (возможно там проходило их бракосочетание). Лица людей на заднем плане – это, скорее всего, критики, и один из них смеется. Впрочем, пара не обращает на это внимание и продолжает заниматься творчеством.
В мольберт встроено что-то наподобие конфорки у плиты для приготовления пищи. И даже висит половник. Так что быт тут переплетается с творчеством. И обе эти части не противопоставлены, а вполне уживаются друг с другом, друг друга дополняя как герои картины.
Открытые и опустошенные тюбики краски на полу заставляют задуматься о том, каким образом палитра с краской превратилась в готовящиеся на сковородке яйца - наверно, потому, что краска из яиц, называемая яичная темпера, широко использовалась художниками до изобретения масляных красок в эпоху Возрождения, кстати, она применяется некоторыми художниками и по сей день.
Впрочем, это только одна из трактовок изображенного на картине. Сила этой картины (как и всех остальных картин Михаила Хохлачева) в том, что каждый зритель может предложить свою версию происходящего, возможно намного интереснее моей. И именно в этой многовариантности трактовок изображаемого и есть причина притягательности картин этого художника.
А еще они очень красочные, что тоже радует зрителей.
Картина «Вызывайте доктора».
Картина сделана в нетипичной для Хохлачева манере: она малолюдна и бедна деталями, в ней нет ни любимых им венецианских персонажей, ни итальянских красот.
На мой взгляд, эта работа на злобу дня - тревога и никакого юмора.
Какие у меня мысли относительно этой картины?
Врач (судя по чумной маске) тащит тяжелую тележку. В одиночестве. Один. Сам. А в тележке – бюсты знаменитых людей. По-видимому, это обломки снесенных памятников (что очень распространено сейчас в США), которые куда-то увозят. Возможно на свалку истории. Но можно ли зачеркнуть, забыть свою историю, не смахивает ли это на умопомешательство? Не из-за этого ли и название у картины «Вызывайте доктора»? Может быть, только психиатр и сможет вылечить эту болезнь современного западного общества? Ведь те, кто забывает свою историю – обречены повторить ее снова. Впрочем, это уже не наши, а их проблемы...
Что я могу сказать… Картины Михаила Хохлачева – это невероятный коктейль сюрреализма и абсурда, втягивающий зрителя в увлекательнейшую игру, где царит нереальная реальность. И, приглашая публику в свою игру, Майкл искренне рад, когда его понимают и принимают.
Его картины часто сравнивают с паззлами, которые зритель пытается собирать воедино в общую композицию, тем самым выстраивая цепочку происходящих событий и разгадывая загадки мастера.
Вот такие художники работали и работают в наше время. И мне кажется, что их творчество – отличное доказательство того, что ни о каком упадке современного искусства говорить не приходится. Просто каждый видит то, что у него внутри и ищет то, что ему созвучно.
На том позволю себе закончить. И постараюсь в следующих публикациях подтвердить тезис, что с современным искусством всё не так уж и плохо. И даже порой очень хорошо.
Я отчетливо понимаю, что не все согласятся с моей оценкой вышеназванных художников. И это нормально. У каждого на всё может быть свое мнение. По этому поводу очень хорошо сказал Репин, с мнением которого просто трудно спорить.
Так что если что-то кому-то непонятно, то тут я уже бессилен помочь. Да и времени на бесконечные бесплодные дискуссии, увы, нет.
Ну, вот пока и всё на сегодня.
Надеюсь, что вы прочитали эту публикацию с пользой для себя.
Приглашаю вас на свой канал, где есть много всего полезного для души, сердца и ума. Уверен – там вы найдете себе что-нибудь по вкусу и не зря потратите время.
На этом смею закончить и откланяться.
Подписывайтесь на мой канал, ставьте лайки, оставляйте комментарии и заглядывайте на огонек. А я приложу все усилия, чтобы на моем канале было интересно.
Ссылки на предыдущие публикации о незаурядных современных художниках:
