Галерея Боргезе (Galleria Borghese) — это один из самых утончённых музеев мира, жемчужина Рима, где искусство и история переплетаются в удивительной гармонии. Расположенная в пышном парке Виллы Боргезе, она представляет собой не просто собрание шедевров, а настоящий храм красоты, созданный с любовью и страстью к искусству.
Основанная кардиналом Шипионе Боргезе, эта галерея стала воплощением его тонкого вкуса и одержимости коллекционированием. Боргезе был не просто меценатом — он был страстным поклонником Караваджо, Рафаэля, Тициана, Бернини и других великих мастеров, чьи работы он собирал с невероятным рвением, иногда не гнушаясь интриг и махинаций.
1. "Больной Вакх"
Это произведение Караваджо оказалось среди картин, конфискованных в 1607 году у Джузеппе Чезари, известного как кавалер д'Арпино. Его обвиняли в незаконном хранении огнестрельного оружия по распоряжению налоговых служб папы Павла V. Чтобы избежать дальнейших преследований, художник был вынужден передать свою коллекцию живописи в собственность Апостольской палаты. Впоследствии Папа передал эти произведения своему племяннику, кардиналу Шипионе Боргезе.
На картине изображён юноша с традиционными атрибутами Вакха — бога виноделия и веселья. Его фигура представлена в необычном ракурсе, слегка развёрнутом к зрителю, а в руке он держит кисть зелёного винограда, оттеняющую его бледное, болезненное лицо. Реалистичная манера исполнения подчёркивает контраст между свежестью плодов и физическим состоянием героя.
Существует мнение, что картина является автопортретом её автора. Это предположение основано на факте госпитализации художника в римскую больницу Оспедале-делла-Консолатационе в тот же период, когда была создана работа. Именно поэтому произведение также называют "Автопортрет в образе Вакха".
2. "Любовь Небесная и Любовь Земная"
На картине Тициана две женщины с похожими чертами лица сидят на резном римском саркофаге, который занимает центральное место в композиции. Саркофаг напоминает фонтан, украшенный барельефами; на нём изображён герб Никколо Аурелио, секретаря Венецианского совета десяти, по случаю бракосочетания которого, как считается, была заказана эта работа.
По одной из версий, предложенной Чарльзом Хоупом, утверждается, что на картине изображена невеста в белом платье, сидящая рядом с Купидоном, а также богиня Венера. Однако другие искусствоведы, пытавшиеся расшифровать иконографию произведения, предложили множество различных интерпретаций. Несмотря на некоторое согласие по отдельным аспектам, многие вопросы, касающиеся смысла картины и идентичности её центральных фигур, остаются неясными.
Среди теорий, обсуждаемых учёными, была версия, что это изображение Полии и Венеры — персонажей из знаменитого романа Франческо Колонны "Гипнэротомахия Полифила", изданного в 1499 году. В других предположениях рассматривается, что картина может быть аллегорией любви или плодородия. Также можно увидеть связь с платоновской философией, оказавшей значительное влияние на искусство эпохи Возрождения. В этом контексте работа может быть интерпретирована как символ христианских и языческих идеалов красоты или как отражение небесного и земного.
3. "Положение во гроб"
Семья Бальони долгое время властвовала над Перуджей и её окрестностями, объединяя в себе как политическую мощь, так и военное искусство кондотьеров — предводителей наёмных войск. Однако 3 июля 1500 года в их роду разразилась кровавая трагедия: молодой Грифонетто Бальони, поддержанный группой недовольных родственников, организовал заговор против собственной семьи. Пока родичи спали, заговорщики ворвались в их дома, устроив жестокую расправу.
Но судьба сыграла с Грифонетто злую шутку. По свидетельству хрониста Матараццо, его мать, Аталанта Бальони, отказалась дать сыну убежище после совершённого им преступления. Когда он попытался укрыться в городе, его путь пересёкся с Джаном Паоло Бальони — главой семьи, который сумел спастись той ночью, бежав через крышу. Грифонетто не успел избежать возмездия: Джан Паоло и его сторонники расправились с ним на глазах у Аталанты, которая, осознав свою ошибку, бросилась на помощь, но прибыла слишком поздно.
Годы спустя, терзаемая утратой, Аталанта заказала Рафаэлю алтарный образ в память о сыне. Так в семейной часовне церкви Сан-Франческо-аль-Прато появился один из самых проникновенных религиозных шедевров эпохи Возрождения. Сцена запечатлевает момент между снятием Христа с креста и погребением: справа мы видим Голгофу — место казни, а слева — пещеру, где предстоит покоиться телу.
4. "Даная"
Картина была заказана герцогом Мантуанским, Федерико II Гонзагой, как часть серии, посвящённой мифологической любви Юпитера. Вероятно, она предназначалась для Зала Овидия в Палаццо Те в Мантуе.
На полотне изображена греческая мифологическая героиня Даная, дочь царя Акрисия из Аргоса, которой явился Зевс (Юпитер) в виде золотого дождя. Купидон собирает золотые капли с простыней, символизируя союз, который привёл к рождению Персея. Справа внизу два амура проверяют прочность любви, используя пробный камень, намекая на то, что ценность золота может осквернить истинные чувства. Через окно картины видна резиденция Федерико II Гонзага в Мармироло, неподалёку от Мантуи.
5. "Дама с единорогом"
Впервые эта картина была упомянута в 1760 году под названием "Святая Екатерина Александрийская" и приписывалась кисти Пьетро Перуджино. Однако в ходе реставрации 1934–1936 годов теория искусствоведа Роберто Лонги подтвердилась: изображение молодой дамы было создано Рафаэлем. Следующая реставрация в 1959 году стала поворотным моментом в истории изучения живописи с помощью рентгенографии. Оказалось, что изначально на руках девушки была не мифическое существо, а собака — традиционный символ супружеской верности. Скорее всего, портрет заказывали к свадьбе, но на поздних этапах работы или уже после её завершения композицию изменили, заменив пса на единорога. Несмотря на это открытие, реставраторы решили оставить единорога нетронутым, так как состояние картины было не самым лучшим.
Личность изображённой дамы до сих пор остаётся загадкой. Одна из гипотез связывает её с Маддаленой Строцци, женой флорентийского банкира Аньоло Дони: считается, что Рафаэль делал наброски именно её портрета. Другая версия предполагает, что моделью могла быть Юлия Фарнезе — знаменитая любовница папы Александра VI Борджиа, поскольку гербом семьи Фарнезе как раз был единорог.
Любопытная деталь — отсутствие колец на пальцах девушки, что крайне необычно для эпохи Возрождения. Портреты женщин того времени часто писались к свадьбе, и изображение обручального кольца считалось обязательным. Однако здесь на её руках оказывается крошечный единорог — символ девственности. Средневековые легенды утверждали, что это мифическое существо может подчиниться только чистой девушке.
6. "Давид c головой Голиафа"
Согласно свидетельству Джованни Пьетро Беллори, биографу многих итальянских художников и теоретику искусства, это полотно было создано специально для кардинала Шипионе Боргезе. Голова Голиафа, изображённая на картине, предположительно является автопортретом самого Караваджо. Дополнительным подтверждением подлинности этой версии служит документ 1613 года, в котором упоминается оплата рамы для произведения с аналогичными размерами. Кроме того, в поэме Шипионе Франкуччи Имолы, написанной в том же 1613 году, содержится описание этой картины, которая уже тогда находилась в коллекции Галереи Боргезе.
Образ Давида далёк от традиционного триумфатора: его лицо полно сомнений, смесь жалости и отвращения порождает необычную психологическую связь между ним и побеждённым врагом. Этот эффект усиливается ещё и тем, что Караваджо придал лицу Голиафа собственные черты. Давид же, по некоторым предположениям, был написан с натуры его любимого ученика, Мао Салини, которого называли il suo Caravaggino ("его маленький Караваджо"). Кроме того, сцена несёт в себе и традиционные религиозные аллюзии: в христианской иконографии Давид символизирует Христа, Голиаф — Сатану, а их противостояние — победу добра над злом.
7. "Сусанна и старцы"
История Сусанны и старцев, изложенная в книге пророка Даниила, стала популярным сюжетом для художников, особенно венецианцев XVI века и представителей школы Карраччи, предоставляя уникальную возможность для изображения женской наготы. Это была первая работа Рубенса, посвящённая теме Сусанны. Он написал её в Риме, и картина была приобретена галереей Боргезе раньше, чем другие произведения художника в этом музее. На изображении тело женщины выхвачено ярким светом из темноты, когда она поворачивается лицом к двум старцам, неожиданно появившимся за её спиной.
Сусанна, молодая замужняя еврейка, жила в Вавилоне во время первого изгнания еврейского народа. Старейшины, подглядывающие за ней во время купания, восхищаются её красотой и пытаются соблазнить её. Однако, отвергнув их ухаживания, она оказывается обвинённой в прелюбодеянии. Благодаря вмешательству пророка Даниила, она избежала казни.
На картине Сусанна изображена в белой ткани, символизирующей её чистоту и добродетель, так как она не совершила того преступления, в котором её обвиняют старейшины. Её лицо отражает шок и смятение от того, что её застали во время купания, и явное чувство страха, поскольку она не знает, что старцы собираются с ней сделать.
8. "Тайная вечеря"
В XVI веке, особенно в Венеции, многие изображения "Тайной вечери" отходили от строгой композиции, как это было в версии Леонардо да Винчи, придавая персонажам большую динамичность и изображая их в повседневной одежде с босыми ногами. Бассано стал одним из первых художников, использовавших такую иконографию.
В отличие от строгой композиции и плавной линии расположения двенадцати апостолов в знаменитой работе да Винчи, произведение Бассано представляет более хаотичную сцену. Это произведение в определённой степени демонстрирует реалистичное изображение обычных людей, близкое к образу рыбаков. Однако важно отметить, что главной целью картины не является создание единой композиции. "Тайная вечеря" Бассано показывает его стремление к маньеризму в итальянской живописи, а также влияние современных гравюр Альбрехта Дюрера и картин Рафаэля. Это особенно видно в ярко выраженных эмоциях персонажей и в динамичных, стилизованных позах фигур.
9. "Охота Дианы"
"Охота Дианы" была написана Доменико Зампьери в 1616–1617 годах по заказу кардинала Пьетро Альдобрандини. Однако картина стала собственностью кардинала Шипионе Боргезе, который забрал её силой из мастерской художника.
Действие картины происходит в мирном царстве нимф, под властью Дианы — богини охоты, в идиллической, светлой Аркадии. Согласно мифу, Диана, в ярости от того, что охотник Актеон увидел её купающейся, превращает его в оленя, и он становится жертвой своих собственных собак. Одна из нимф, погружённая в воду, смотрит прямо. Такое взаимодействие — попытка преодолеть ограничения между пространством картины и зрителем, характерная для искусства барокко. Сюжет картины вдохновлён отрывком из "Энеиды" Вергилия, в котором описывается состязание в стрельбе из лука между друзьями Энея.
10. "Венера и Амур"
Около 20 вариаций данной композиции были созданы Кранахом и его мастерской. На этих произведениях фигуры изображены в различных позах, а детали отличаются друг от друга. Однако качество работы, представленной в Галерее Боргезе выше, чем у многих других картин на эту тему. Это одна из первых мифологических картин художника и первая в Германии, на которой изображены обнажённые Венера и Амур.
Интерес к мифологическим темам, часто использовавшимся как повод для изображения обнажённой натуры, мог быть связан с распространением гуманистической моды того времени. Однако строгое чувство приличия, присущее Кранаху, побудило его дополнить произведение нравоучительным латинским двустишием: "Отвергни похоть Амура, иначе Венера завладеет твоей ослеплённой душой".
Миф о том, как Купидон, ужаленный пчелой, пытается найти утешение у Венеры после неудачной попытки украсть соты, является частью эллинистической традиции и стал основой стихотворения Феокрита ("Идиллия", XIX), цитируемого в правом верхнем углу картины.
11. "Пишущий cвятой Иероним"
На картине изображён святой Иероним, один из наиболее часто встречающихся персонажей в религиозном искусстве. Она была написана Караваджо для кардинала Шипионе Боргезе. Работа была выполнена быстро, что отразилось в некоторых неровностях, особенно в изображении бороды, книг и плаща. Ключевыми особенностями произведения являются иллюзорное изображение натюрморта на столе и яркость красного плаща, который обвивает седовласую фигуру святого. На этом полотне Иероним изображён не как кающийся грешник, а как учёный, поглощённый изучением священных текстов.
Иероним сосредоточенно читает и комментирует священные писания, одновременно противопоставляя мирскую суету вечным истинам. Стареющий святой, напряжённо сосредоточившись, протягивает руку к чернильнице, расположенной на другом конце стола, и в то же время указывает на череп — символ смерти, который будто наблюдает за его борьбой с ней.
В то время как протестанты стремились перевести Библию на местные языки, чтобы каждый верующий мог ознакомиться с Божьим Словом, католики защищали использование латинской версии Писания, созданной святым Иеронимом в конце IV века. Иероним стал мощным союзником в борьбе с еретиками, которые оспаривали культ святых, ограничивали использование латыни и осуждали папство, называя его "блудницей Вавилона".
12. "Аполлон и Дафна"
Миф об Аполлоне и Дафне рассказывает о том, как бог Аполлон, после того как он победил Купидона в стрельбе из лука, насмешливо заявил, что его стрелы сильнее и точнее, чем стрелы любви. В ответ Купидон выстрелил в Аполлона стрелой любви, а в нимфу Дафну — стрелой антипатии. Под воздействием стрелы любви Аполлон влюбился в Дафну, а она, в свою очередь, отвергла его чувства.
Дафна, пытаясь убежать от преследующего её Аполлона, просила помощи у своего отца, бога реки Пенея. В ответ на мольбы Пеней превратил её в лавровое дерево. Аполлон, увидев её превращение, горько скорбел, но в итоге сделал лавровое дерево своим символом, повязав его листья на голову. Аполлон, бог поэзии, изображён здесь с лирой в руках, он облачён в зелёную мантию, края которой украшены изысканной золотой нитью, гармонирующей с его лавровой короной.
13. "Святой Доминик"
Святой Доминик изображён в рясе доминиканского ордена, которая выделяется на тёмном фоне благодаря мягкому сиянию, окружающему фигуру. Над его головой виднеется тонкое кольцо нимба. Тициан, знаменитый венецианский художник эпохи Высокого Возрождения, умело передаёт внутренний мир человека.
Белая туника, чёрный плащ и нейтральный фон создают сдержанную палитру, которая позволяет сосредоточиться на выразительном лице. Тёмные глаза святого, устремлённые вдаль, отражают его отрешённость от мира, в то время как рука, указывающая на небеса, символизирует непокорённую энергию проповедника, которая пронизывает всю его фигуру.
14. "Товий и ангел"
Картина была передана в коллекцию Боргезе в 1911 году, но первоначально её авторство приписали Тициану, который значительно повлиял на творчество Джованни Джироламо Савольдо. Здесь запечатлена встреча главного героя с ангелом перед ловлей рыбы в реке Тигр. Савольдо использует схожие цвета для их одежд: насыщенные оттенки красного и белого, которые контрастируют с тёмными деревьями на заднем плане.
Савольдо глубоко исследовал влияние природы на изображение человеческой фигуры, драпировки и листвы, освещённых светом, а также на восприятие цветов, видимых на расстоянии, используя техники, которым его научил Леонардо. Одной из отличительных черт его творчества стал серебристый свет, который выделяет его работы среди других венецианских художников, таких как Тициан, а также Лоренцо Лотто.
15. "Иоанн Креcтитель"
Иоанн Креститель провёл свою жизнь в Иудейской пустыне, между Иерусалимом и Мёртвым морем. Он крестил Иисуса в Иордане, а позже был убит Иродом Антипой, когда осудил царя за его поведение. В христианском искусстве Иоанн часто изображался с чашей, крестом из тростника, верблюжьей шкурой и ягнёнком. Святой Иоанн Креститель был одним из самых любимых персонажей Караваджо, и эта картина — яркий пример его позднего творчества, написанная в 1610 году. На ней Иоанн изображён в более молодом возрасте, чем на других произведениях, с простым выражением лица и задумчивым взглядом, что придаёт ему образ пастушка в момент отдыха. На картине видна красная драпировка, добавляющая контрастности композиции.
С раннего Ренессанса Иоанн часто предстаёт перед художниками не как взрослый мужчина, а как молодой человек. Его поза полна раздумий, и выражение лица наполнено печалью, что не развеивается ни светом, мягко освещающим фигуру, ни яркой тканью. Караваджо, который начинал с создания светлых и радостных образов, с каждым годом всё больше углублялся в трагизм бытия, и эта картина является кульминацией его творческой эволюции, отражающей его жизненный путь.
***
Спасибо, что уделили время для прочтения нашей статьи! Мы надеемся, что Вы нашли её интересной и полезной. Ваше внимание и поддержка значат для нас очень много. Вы можете поддержать развитие канала и получить доступ к эксклюзивным материалам, оформив Премиум:
Если Вы ещё не подписаны на наш канал, то подпишитесь, чтобы не пропускать новые публикации.
Мы также приглашаем Вас ознакомиться с другими статьями:
#картины #художники #боргезе #караваджо #тициан #кранах #искусство #рубенс #рафаэль #рим
