Музей Пинакотека Брера (Pinacoteca di Brera) — один из самых известных художественных музеев Италии. Он расположен в одноимённом историческом квартале Брера в Милане. Этот музей занимает выдающееся место в мировой художественной культуре и представляет богатое собрание искусства и живописи.
Основанный в 1809 году Наполеоном Бонапартом, музей Пинакотека Брера собрал в своих стенах множество произведений искусства из религиозных, мифологических и исторических сюжетов. Коллекция музея включает работы знаменитых мастеров итальянской живописи, в том числе Тициана, Тинторетто, Рафаэля, Караваджо, Андреа Мантеньи и многих других. Особое внимание уделено итальянским живописцам эпохи Ренессанса и барокко. Музей является настоящим сокровищницей произведений искусства, воплощающих в себе талант и мастерство знаменитых художников.
1. "Плохое предчувствие"
Джироламо Индуно и его брат Доменико, художники и последователи Гарибальди, были ведущими представителями жанровой живописи, использующей личные и домашние образы для привлечения необразованных слоев к искусству.
В скромной комнате, сидя на кровати, девушка созерцает портрет своего возлюбленного, патриота, участвующего в войне, о чем свидетельствуют бюст Гарибальди и картина "Поцелуй" художника Франческо Айеца.
2. "Поцелуй"
Это произведение стало одним из символов Пинакотеки и, возможно, самой широко распространенной итальянской картиной XIX века. Она была создана с целью символизировать любовь к родине и жажду жизни со стороны молодой нации, возникшей из Второй Итальянской войны за независимость и которая возлагала большие надежды на своих новых правителей.
"Поцелуй" обрёл немедленный и громкий успех как из-за своих патриотических ценностей, так и из-за средневековой тематики, характерной для романтического вкуса того времени. Публика была в восторге от смелого поцелуя, но также признала патриотическое послание, заключенное в цветах: красные чулки, зеленый лацкан на пальто и голубое-белое платье напоминали о флагах Италии и Франции.
3. "Пир в доме Симона фарисея"
Веронезе создал множество картин с банкетами и сценами из Евангелий. Возможно, Мария Магдалина помазывает ноги Христу на крайней левой части картины, но вся сцена имеет светское настроение, свою обстановку и костюмы XVI века.
На самом деле художник показывает нам жизнь своего времени, изображая её очень живо и анекдотично: слуги суетятся, собаки сражаются с кошкой за кусочки еды, слуга справа украдкой берёт вино со стола, а пьяного выводят из зала для приёма пищи.
4. "Ужин в Эммаусе"
Караваджо создал картину "Ужин в Эммаусе" между 1605 и 1606 годами, вероятно, находясь на владениях фамилии Колонна в Пальяно, куда он бежал из Рима после ссоры с Рануччо Томассони и перед окончательным уходом из города из-за обвинения в убийстве. Ему удалось продать картину посредством Оттавио Кости маркизу Патрици и она оставалась у этой аристократической семьи в их палаццо в Риме ещё в 1939 году, когда её приобрели для Пинакотеки посредством Ассоциации друзей Бреры.
Таким образом, её авторство подтверждено не только историей происхождения, но и рефлектографическим и рентгеновским анализом, выявившим другую начальную версию под ней, что доказывает, что это не копия. Изображение стола с накрытым на него ковром является типичным приёмом для Караваджо, который он использовал и в первой версии этой темы, которую художник изобразил ранее на картине, находящейся сейчас в Национальной галерее в Лондоне.
По сравнению с предыдущей версией, на этой картине более ярко выражена интимность, цветовая палитра более умеренная, но с драматическим, почти театральным обращением к свету, подчеркивающему священный характер момента.
5. "Вид на бухту Сан-Марко"
"Вид на бухту Сан-Марко" попал в Бреру в 1828 году вместе с "Видом Гранд-Канала в сторону Пунта-делла-Догана от Кампо-Сант'Иво". Эти сюжеты были особенно любимы художником, и он неоднократно создавал их, меняя угол и обширность обзора. Две версии в Брере датируются примерно 1740-1745 годами, то есть годами, непосредственно предшествующими поездке Каналетто в Англию. Венеция, рассматриваемая как символ богатства и спокойствия, была увековечена в великолепии своих дворцов и церквей, выходящих к воде, пропитанных вечной атмосферой.
Многочисленные имеющиеся рисунки, часто являющиеся всего лишь набросками, подсказывают, что художник делал заметки на свежем воздухе и лишь затем, в покое своей студии, перерабатывал их с помощью линеек и циркулей, чтобы улучшить точность изображения.
6. "Оплакивание мёртвого Христа"
Композиция картины производит большое эмоциональное воздействие: тело Христа очень близко к точке зрения наблюдателя, который, взглянув на него, погружается в центр драмы. Более того, каждая деталь усиливается чёткостью линий, которые заставляют взгляд задерживаться на самых ужасающих деталях: на затвердевших суставах, а также на ранах.
Это произведение — абсолютный пик творчества Мантеньи. Выразительная сила, строгая сдержанность и мастерское владение иллюзией перспективы сделали его одним из наиболее известных символов итальянского Возрождения.
7. "Нахождение тела Святого Марка"
Томмазо Рангоне, "великий страж" Скуола Гранде ди Сан-Марко, заказал Тинторетто (Якопо Робусти) в 1562 году выполнить цикл, изображающий эпизоды, связанные со Святым Марком, который художник завершил к 1566 году. Этот цикл больших полотен, одним из которых является картина "Нахождение тела Святого Марка" в Пинакотеке Брера, рассказывает не только о жизни святого, но и о чудесах, которые, как утверждается, он совершил.
На этой картине изображён момент, когда венецианцы занимаются извлечением тел из гробниц в поисках тела Святого Марка, а святой является им и строго приказывает остановиться, потому что его тело уже было извлечено из гробницы, стоящей в конце комнаты, и лежит у их ног.
8. "Павел упрекает раскаявшегося Петра"
Главной темой произведения является эпизод из Библии, а именно момент, описанный в Послании к Галатам, когда апостол Павел упрекает апостола Петра. Этот эпизод символизирует конфликт и недопонимание внутри христианской общины. Павел ругает Петра за его поступок, что создаёт напряженную и драматическую атмосферу.
Картина является примером художественного стиля Рени, который переходил от классицизма, вдохновленного творчеством семьи Карраччи, к натурализму, влиянию Караваджо. Это сочетание различных художественных подходов придает произведению интерес и глубину.
9. "Обручение Девы Марии"
Картина представляет собой начальный этап в творчестве художника, когда его стиль еще отражал влияние мастерской Пьетро Перуджино. Произведения Перуджино, такие как фреска "Передача ключей св. Петру" в Сикстинской капелле Ватикана и "Обручение Марии" из Музея изящных искусств г. Кан, оказали значительное влияние на иконографию и композицию картины Рафаэля.
На переднем плане картины представлена свадебная церемония. Иосиф протягивает Марии обручальное кольцо, держа в другой руке расцветший посох, символ его избранности. Рядом отвергнутый жених разбивает свой посох. Интересно, что согласно христианскому преданию, Иосиф был избран чудесным знамением — из его посоха вылетела голубка и села ему на голову.
Картина также символично показывает проход через храм, где свет проникает сквозь него, символизируя Божье благословение брака Марии и Иосифа. Этот момент отражает соединение человеческого и божественного мира во Христе, что делает картину богатой символически.
10. "Портрет Моиса Кислинга"
Картина изначально принадлежала Поль Гийому, художественному критику, дилеру и открывателю Модильяни, который был одним из первых коллекционеров его произведений. Она попала в Италию после невероятного успеха на выставке произведений художника на Биеннале в Венеции в 1930 году и была приобретена галереей Il Milione в Милане. После войны она вошла в коллекцию Эмилио Джези.
Модильяни окончательно переехал в Париж в 1909 году, где вступил в культурное сообщество, связанное с именем Гийома Аполлинера. Большую часть своих работ, в основном портреты, он создал между 1915 и 1918 годами, чаще всего изображая своих богемных друзей. Среди них Портрет Моиса Кислинга, польского художника еврейского происхождения и своего близкого друга.
11. "Христос у столба"
Браманте получил образование в Урбино, центре математических исследований, где использование перспективы было разработано как форма контролируемой организации живописного пространства. Переехав в Милан, он развил эти исследования, стремясь к визуальным и иллюзионистическим эффектам, предназначенным для возбуждения эмоций наблюдателя.
Попав на двор Людовико Иль Моро, Браманте работал архитектором в церкви Санта-Мария-прессо-Сан-Сатиро, где нехватка физического пространства для размещения апсиды привела его к созданию фальшивого свода, имитирующего пространственное расширение стен церкви: эта же идея пространства, созданного с помощью трюка, составляет основную тему картины в Брере, где несколько композиционных приемов — скульптурное тело, занимающее передний план, окно, столб, выходящий за физические границы картины — подразумевают наличие большой комнаты, в которой мучается Христос.
12. "Святой Рох посещает больных чумой"
Эта картина, созданная как экс-вото (жертвенное дарение) для избавления от бушевавшей чумы в Виченце в 1575 году, посвящена святому, известному защитнику от эпидемий.
Он изображен в соответствии с традицией, в пилигримском наряде с плащом, широкополой шляпой, посохом и ракушкой, оказывая помощь находящимся вокруг него, страдающим от чумы. Картина свидетельствует о том, что Бассано подписался под зрелым стилем Тициана и Тинторетто, в то время как здания на заднем плане напоминают архитектуру Палладио.
13. "Проповедь святого Марка в Александрии"
Это огромное полотно украшало приемную комнату Скуола Гранде ди Сан-Марко в Венеции. Оно было заказано Джентиле Беллини в 1504 году, но осталось незавершенным после смерти художника в 1507 году. Неизвестно на какой стадии находилась картина, но её завершил брат Джентиле, Джованни, по просьбе Джентиле в завещании.
Атрибуция различных частей произведения каждому художнику до сих пор остаётся предметом дискуссии среди учёных; однако наиболее распространённое мнение приписывает Джентиле определение основных линий сцены, на которой элементы венецианской архитектуры накладываются на структуры явно средиземноморского и восточного происхождения (например, обелиски и минареты мечети). Эти элементы, должно быть, были хорошо знакомы художнику, который был направлен работать к Мехмеду II в Константинополе в 1497 году. С другой стороны, Джованни, вероятно, был ответственен за выразительные портреты членов братства в группе слева.
14. "Поклонение волхвов"
Это произведение искусства, автором которого является Антонио Аллегри, известный также как Антонио да Корреджо, поступило в Бреру с атрибуцией Скарселлино, происходило из коллекции, которую кардинал Чезаре Монти оставил архиепископии Милана в 1650 году.
Бернард Беренсон приписал его Корреджо, и обычно считается, что это одна из ранних картин художника, написанная между 1515 и 1518 годами: сложность композиции и искусственные позы фигур отражают интерес Корреджо к работам так называемых прото-маньеристов в Эмилии, примеры которых можно увидеть в Пинакотеке.
15. "Последние мгновения дожа Марина Фальеро на лестнице дель Пьомбо"
Это последняя историческая картина, созданная Айецом, который, осознав необходимость отказаться от подобной политически нацеленной работы, передал свои черты фигуре Марина Фальеро, дожа, приговоренного к казни за заговор против патрициев с целью установления династического господства в Венеции.
Картина вызвала похвалу на международных выставках в Мюнхене и Вене, и публика поняла её символическое послание, намекающее на разочарование многих итальянских интеллектуалов после достижения страной единства.
***
Спасибо, что уделили время для прочтения нашей статьи! Мы надеемся, что Вы нашли её интересной и полезной. Ваше внимание и поддержка значат для нас очень много. Вы можете поддержать развитие канала по ссылке:
Если Вы ещё не подписаны на наш канал, то подпишитесь, чтобы не пропускать новые публикации.
Мы также приглашаем Вас ознакомиться с другими статьями:
#милан #искусство #музеи #картины #тициан #модильяни #рафаэль #каналетто #караваджо #айец
