Год выдался на загляденье, рок-музыка как жанр была на подъёме, её лучшие представители – в самой расцвете своих творческих сил и идей, а посему добротная музыкальная продукция выдавалась практически ежемесячно. У многих меломанов эта «золотая эпоха» – самое любимое время. Конечно, предпочтения у всех свои, однако, пройти мимо достоинств продукции, маркированной «сделано в 1976-м» довольно сложно.
Величайшие легенды классического рока выпустили в этот год знаковые пластинки, определившие их карьеру. Наиболее заметные представлены мною ниже. Я продолжу ранжировать вышедшие в этот год релизы по дате их появления на свет. Предыдущие части здесь:
Rainbow «Rising», лейбл «Oyster»
Трудно в нашей стране отыскать меломана, который бы не любил и нежно не лелеял этот эпический альбом Rainbow, появившийся на свет 17 мая. После выхода в 1975-м дебютника «Ritchie Blackmore’s Rainbow» гитарист Ричи Блэкмор уволил всех участников группы, кроме вокалиста и автора текстов Ронни Джеймса Дио. В новый состав вошли басист Джимми Бэйн, клавишник Тони Кэри и барабанщик Кози Пауэлл, которого Ричи приметил ещё в 1972 году на его последнем концерте в составе Jeff Beck Group.
Запись проходила в мюнхенской студии «Musicland» с продюсером Мартином Бёрчем при помощи «старой знакомой» – передвижной студии The Rolling Stones. Альбом был создан за 10 дней: большинство композиций записали за 2-3 дубля, а трек «A Light in the Black» – с первой попытки. Благодаря этому релиз получился в определённой степени импровизационным. Свой скромный вклад в создание альбома внёс Кэри, придумавший оригинальное вступление к открывающей композиции «Tarot Woman» и выдавший виртуозное соло в ураганной «A Light In The Black». Основной материал представили Блэкмор и Дио.
В записи трека «Stargazer» участвовал Мюнхенский филармонический оркестр, что добавило композиции эпичности. Этот «магнум опус» не только этого альбома, но и всего творческого наследия группы стоит выделить особо. В «Stargazer» всё гармонично – блэкморовский рифф оказывает просто гипнотическое воздействие, страстный вокал Дио усиливает этот эффект, а звучание мюнхенского филармонического оркестра придает композиции особую изюминку. Гитарное соло после второго куплета, сыгранное во фригийском ладу, в 2022-м году вошло в первую десятку рейтинга «75 величайших гитарных соло всех времён» по версии слушателей британской радиостанции «Planet Rock».
Ураганная «А Light In The Black» – восемь минут классического прото-трэша (и спид-метала) – завершает самый короткий, но одновременно самый мощный и энергичный альбом Rainbow. В отличие от дебютной пластинки, здесь сформировалась предтеча пауэр-метала. Не зря же многие будущие экстремальные металлисты отметили, что этот альбом – «от начала и до конца – хэви-метал, без баллад, без поп-музыки, пожалуй, первый подобный альбом».
Блэкмор и Дио были на пике их творческих сил, как следствие этого «Rising» запечатлел неоклассические метал-изыскания гитариста в самом амбициозном виде и освоение певцом фэнтезийной лирики – образец того, чем он займётся после этого, продолжая исследовать фантастические темы и создавать яркие запоминающиеся образы и сюжеты. Симптоматично, что Дио называл эту работу «любительской» по качеству, тогда как Бэйн, Кэри и Пауэлл считали альбом крупным достижением и одной из своих лучших работ. Блэкмор же оценил «Rising» как свой любимый альбом Rainbow, а «Stargazer» – одним из его величайших музыкальных достижений, хотя и не был полностью удовлетворен его финальным миксом.
В Штатах пластинка показала скромные коммерческие результаты и была в чартах лишь на 48-позиции, в Британии повыше – под №11. В 2002 году альбом занял 22-е место в рейтинге «100 лучших рок-альбомов всех времён» по версии журнала «Classic Rock».
Uriah Heep «High and Mighty», лейблы «Warner Bros.» и «Bronze»
«High and Mighty», девятый студийный альбом (последний с участием вокалиста Дэвида Байрона) обожаемых у нас «Хипов», вышел 18 мая. Он действительно вызвал довольно бурные обсуждения: многие фанаты и критики восприняли его прохладно. Указывали, что релиз страдает от отсутствия фокуса: в нём соседствуют очень разные по настроению и стилю песни, и из-за этого работа в целом кажется разрозненной. А главная претензия состояла в том, что группа отошла от своего фирменного стиля – сплава прогрессивного рока и хард-рока с фэнтезийными текстами. Uriah Heep стали звучать более прямолинейно и мейнстримно. Некоторые рецензенты отмечали, что в отдельных треках группа «заигрывала» с поп-элементами, и это не слишком сочеталось с их хард-роковым звучанием.
Запись производили с декабря 1975-го по март 1976-го в лондонской «Roundhouse Recording Studios». Накануне, 8 декабря, от передозировки умер бывший член команды – Гэри Тэйн, и это не могло ни наложиться над общую атмосферу студийной работы. Особенно чувствительно воспринял это известие Кен Хенсли. Тем не менее, он высоко оценил это работу, не смотря ни на что. Взаимоотношения в группе в это время были уже не самые лучшие. Хенсли и Байрон на тот момент определенно «словили звезду», со всеми характерными для этого замашками, что отразилось даже в названии альбома – в качестве фразеологизма оно означает «высокомерный и надменный».
Кен Хенсли отмечал: «Я считаю, что на «High And Mighty» попало немало моих лучших песен за всю карьеру... Дэвид, как и все мы, чувствовал, что с группой что-то не так – ведь мы уже, честно говоря, покатились под уклон, вот он и уволил Джерри Брона... Так что мне пришлось продюсировать все записи, и я остался очень доволен результатом. А поскольку все пьесы альбома написаны мной, то я просто рассматриваю «High And Mighty» как свой сольный альбом, но записанный в составе Uriah Heep».
Действительно, весь материал для записи предоставит в этот раз исключительно Хенсли, лишь пару песен ему помогал создавать Джон Уэттон. Более того – он же помогал ему и в аранжировках альбома, может поэтому по звучанию эта запись совершенно выпадет из привычной фанатам стилистической обоймы сочетания хард- и прогрессив-рока, столь характерной прежде для Uriah Heep.
По сути, это действительно и был сольник Хенсли, сделанный с помощью друзей из группы. Во время записи альбома он выступил ещё в качестве мультиинструменталиста, самолично записав партии на десяти музыкальных инструментах. И настоящим пиршеством для гурманов саунда была здесь песнь «Weep in Silence», в которой Хенсли не доверил Боксу даже гитарное арпеджио, а сам выдал такое проникновенное и красивое соло – с упоительными вибрато на бэндах, деликатное и нежное – что заставило заткнуться всех скептиков, завистников и злопыхателей.
Альбом завершил один этап в истории Uriah Heep и невольно предвосхитил новые, более коммерческие эксперименты группы в последующие годы. А в чартах он был невысоко: на 55-й строчке в Британии и 161-й – в Штатах.
Blue Öyster Cult «Agents of Fortune», лейбл «Columbia»
Четвёртый студийник хватких нью-йоркцев из Blue Öyster Cult выпустили в свободное плавание 21 мая. «Agents of Fortune» оказался единственным альбом в дискографии группы, который имеет по крайней мере одно ведущее вокальное исполнение каждого оригинального участника коллектива. Это был также их единственный релиз, который не включал песни, написанные Эриком Блумом. В записи активнее зазвучали клавишные Аллена Лайнера (он соавтор «True Confessions» и «Morning Final»). Также в создании текстов опять поучаствовала его подруга Патти Смит.
Многие отмечают, что альбом стал прорывом для группы. Он сохранил мрачную, загадочную атмосферу прошлых работ, но при этом стал разнообразнее и доступнее для радио. Тем, кто ценил в ранних работах группы более тяжёлый, брутальный звук, смена курса могла показаться разочарованием. Главный хит и вершина альбома – композиция «(Don't Fear) The Reaper», написанная и спетая ведущим гитаристом Баком Дхармой. В ней есть и запоминающийся гитарный рифф, и тревожное соло, и глубокая лирика о том, что не стоит бояться смерти. Песня является самым высоким успехом Blue Öyster Cult в чарте, достигнув № 7 в «Cash Box». Отмечу и «E.T.I. (Extra Terrestrial Intelligence)» за цепляющий рифф, запоминающийся припев, отличную вокальную партию и мощное соло.
В целом на этом альбоме группа отошла от избытка «крипто-интеллектуальных» витиеватостей в сторону более цельных и разнообразных тем. Правда, из-за экспериментов релиз местами теряет целостность: отдельные треки звучат так, будто их записали разные коллективы. В итоге «Agents of Fortune» стал самым коммерчески успешным диском группы: получил «платиновый» статус и поднялся на 29-ю строчку в «Billboard 200». Он остаётся обязательной для прослушивания классикой рока.
UFO «No Heavy Petting», лейбл «Chrysalis»
«No Heavy Petting» – пятый студийный альбом английской рок-группы UFO, выпущенный в мае. В нём участвовал новый участник – клавишник Дэнни Пейронель. Материал спешно записали на фоне активного гастрольного графика, из-за чего в некоторых треках чувствуется нехватка глубины. Это была первая запись UFO с полноценным клавишником, и их первая в качестве группы из пяти человек. Пейронель был соавтором нескольких треков, но пребывал в составе только для этого альбома. Это последний релиз в трилогии альбомов UFO, спродюсированных Лео Лайонсом, басистом Ten Years After. Название «No Heavy Petting» было правилом, размещенным во многих общественных банях в Англии в 70-х и 80-х годах: такие там были нравы.
Диск собрал разноречивые отклики: кто-то увидел в нём важный шаг вперёд, а другие считают его самым слабым из классических альбомов группы 70-х. По сравнению с предыдущим альбомом «Force It» (1975) UFO стали звучать увереннее и взрослее. Продюсер Лео Лайонс сумел запечатлеть группу яркой и живой: с энергичным исполнением, обильными басами и «расплавленными» гитарами. Как всегда очень хороши изобретательный гитарист Михаэль Шенкер и харизматичный вокалист Фил Могг.
Альбом не повторил успеха предшественника: в американском «Billboard 200» он поднялся лишь до 169-й позиции, а в британских чартах вообще не попал в топ. Басист Пит Уэй предполагал, что причина в недостаточной ротации на радио. И это не смотря на то, что здесь наличествовал один из ярких хитов – баллада «Belladonna», с успехом перепетая у нас Александром Барыкиным.
Резюмирую: «No Heavy Petting» – важный этап в эволюции UFO. Здесь группа уже нащупала путь к своему классическому звучанию (которое полностью раскрылось в «Lights Out» и «Obsession»), но ещё не достигла пика. Если вам нравится ранний хард-рок UFO, вы цените вклад клавишников в рок-звучание и являетесь почитателем таланта Михаэля Шенкера, альбом точно стоит послушать.
Steely Dan «The Royal Scam», лейбл «ABC»
Многие называют альбом «The Royal Scam», вышедший в мае, переходным. С одной стороны, Steely Dan сохраняют свою фирменную смесь джаза и рока, с другой – здесь больше искажённых гитар, более напряжённой, «нервной» атмосферы и экзотических, джазовых аранжировок, чем в предыдущих работах. Это шаг в сторону более сложного, насыщенного звучания, которое позже разовьётся в таких релизах, как «Aja». Преобладает музыкальная плотность – обилие инструментальных партий: гитарные соло (особенно Ларри Карлтона), духовые, сложные аранжировки. Иногда, техническая сторона (инженерная работа, наложения) местами даже затмевает мелодию. Выделяются отдельные треки: «Kid Charlemagne», «Sign In Stranger», «Haitian Divorce» (с характерным «говорящим» звуком гитары через ток-бокс), «The Royal Scam» (финальная песня, которую многие считают кульминацией альбома).
В текстах песен этого альбома на первый план выходит цинизм авторов (Дональда Фейгена и Уолтера Беккера). Здесь герои – люди в сложных, часто аморальных ситуациях: создатель «кислоты» («Kid Charlemagne»), преступник в противостоянии с полицией («Don't Take Me Alive»), клептоман («Green Earrings»), ревнивый муж («Everything You Did»). При этом очень много сарказма, чёрного юмора и загадочных аллюзий (реальные события, литературные отсылки).
Некоторые рецензенты считают, что на этом альбоме у группы стало меньше ярких хитов по сравнению с предыдущими работами. Встречаются замечания о чрезмерной сложности, «музыкальном самолюбовании», из-за чего музыка может показаться перегруженной или трудной для восприятия с первого прослушивания. В целом же «The Royal Scam» часто воспринимают как важный этап в эволюции Steely Dan: группа усложняет звук, делает тексты мрачнее и ироничнее, активно использует студийные возможности. Но из-за этой самой сложности альбом и вызывает полярные реакции. В британских чартах альбом был на 11-й строчке, в американских – на 15-й и был сертифицирован как «платиновый».
Jeff Beck «Wired», лейбл «Epic»
Второй сольник британского гитариста Джеффа Бека был выпущен тоже в мае. «Wired» – это шаг в сторону электронной музыки: Бек активно использует синтезаторы и другие электронные звуки, органично соединяя их с гитарой. Это стало важной вехой в его карьере и в развитии жанра. Оцените какие тогда были времена: чисто инструментальный альбом достиг 16-го места в «Billboard 200» и был сертифицирован RIAA как «платиновый». В Британии он был 38-м, зато в Японии – 7-м.
В записи участвовали сильные музыканты: Макс Миддлтон (клавинет, «Fender Rhodes»), Нарада Майкл Уолден (ударные), Уилбур Баскомб (бас), Ян Хаммер (клавишные). Отмечу как их партии дополняют Бека: энергичные ударные Уолдена задают драйв, а синтезаторы и клавишные Хаммера добавляют альбому характерное для эпохи звучание фьюжн. Поскольку сам Бек не написал ни одной композиции для альбома (он опирался на материал коллег, в том числе Уолдена), некоторые считают, что пластинка получилась менее цельной, чем предшественник «Blow by Blow» (1975).
Может показаться, что альбом словно собран из отдельных сильных частей, а не представляет собой единое целое. Тем ни менее, нельзя не отметить виртуозность, напор и умение гитариста работать с разными стилями – от фанка до блюза. Это один из ключевых релизов в истории фьюжн. В 2022 году журнал «Classic Rock» включил «Wired» в список обязательных к прослушиванию джаз-рок-альбомов.
Jefferson Starship «Spitfire», лейбл «Grunt»
Первые четыре альбома группы Jefferson Starship были связаны общей идеей: каждый отражал один из четырёх основных элементов, и третий – «Spitfire», вышедший в июне 1976-го, был «огнём». В целом, релиз продолжил этап эклектичного стилистического разнообразия наряду с отполированным, высоко коммерческим звучанием, с участием всех участников группы, которые характеризовали и предыдущий очень успешный альбом «Red Octopus» (вода).
Зачем было что-то менять, если такое востребованно. В записи участвовали все семь основных участников группы, плюс восемь сторонних авторов. Пол Кантнер продолжал писать сложные, порой с налётом политики, песни. Грейс Слик добавляла свои характерные, местами загадочные композиции. Марти Балин вносил вклад романтическими балладами. Даже барабанщик Джон Барбата получил авторство и исполнил ведущий вокал в песне «Big City». А соло-гитарист Крейг Чакико, басист Пит Сирс и клавишник Дэвид Фрайберг связывали эти разные стили в единое целое.
Чакико помнит запись альбома как период, когда единство группы было на рекордно высоком уровне, хотя Грейс позже вспоминала, что Сирсу не было позволено вносить в альбом свои более длинные и более прогрессив-роковые песни. Так что не всё было идеалистически радужно. На фоне вокальной химии Марти Балина и Грейс Слик, а также инструментальной виртуозности тексты и общая атмосфера альбома были слишком размыты. Былые психоделические эксперименты уступили место радиоформатному софт-року и поп-балладам, не хватало чувства опасности и сырой энергии 60-х, взамен которым слушателю предлагается высочайший уровень комфорта и мелодизма.
«Spitfire» быстро масштабировался в чартах, достигнув пика на 3-й позиции в «Billboard 200» в течение шести недель подряд и получил платиновую сертификацию RIAA. Помимо стерео выходили и квадрафонические миксы. В итоге этот релиз стал важной вехой: он заложил основу для того глянцевого звучания, которое в 80-х окончательно трансформировало группу в поп-проект Starship.
Chicago «Chicago X», лейбл «Columbia»
Восьмой студийный альбом «Чикагцев» был записан на «Caribou Ranch» в Колорадо и выпущен 14 июня под названием «Chicago X». Это был первый релиз группы, получивший «платиновый» сертификат, он номинировался на премию «Грэмми» как «Альбом года». Главная идея «Chicago X» – смещение фокуса. Если в ранних альбомах группа делала упор на масштабные джаз-рок-эксперименты с длинными импровизациями, то здесь она сместила акцент в сторону песенного мастерства, мелодичности и доступности для широкой аудитории. Многие видят в этом поворот: именно с «Chicago X» мягкий, балладный стиль (во многом благодаря Питеру Сетере) начал вытеснять более жёсткий и изобретательный джаз-рок ранних лет. Для части фанатов это стало сигналом «опопсения», но именно такой подход принёс группе огромный коммерческий успех и вывел её на международный уровень.
Аранжировщик Джимми Хаскелл добавил мягкие струнные партии, которые особенно ярко прозвучали в балладах. Также в записи поучаствовал бразильский перкуссионист Лаудир де Оливейра – он добавил латиноамериканский колорит. Некоторые участники группы (например, Роберт Ламм) позже отмечали, что успех баллад изменил творческую динамику: лейбл стал активнее запрашивать именно такой звук, и это отчасти отодвинуло на второй план более экспериментальные идеи.
По сравнению с ранними работами в «Chicago X» чуть меньше композиционной глубины и музыкальной мощи, зато больше радио ориентированности. «If You Leave Me Now» была безусловным хитом. Эта баллада Питера Сетера с роскошными струнными аранжировками и эмоциональным вокалом резко контрастировала с ранними хитами вроде «25 or 6 to 4». Она стала первым синглом Chicago, занявшим первое место в чартах США, и получила две премии «Грэмми». Композиция Роберта Ламма «Another Rainy Day in New York City» – лёгкая, с «городским» настроением – тоже стала хитом. Я бы выделил ещё несколько треков, которые хорошо показывают разные грани альбома: «Once or Twice» Терри Кэта – мощное открытие: здесь мелодичные припевы удачно сочетаются с инструментальной мощью и гитарной игрой автора, а также «Skin Tight» Джеймса Панкоу, демонстрирующую, как группа умело соединила влияние ритм-энд-блюза со сложной работой духовых.
Диск стал коммерческим успехом: он вошёл в топ-10 чарта «Billboard 200» в США и стал первым альбомом группы, попавшим в чарты Великобритании.
Rod Stewart «A Night On The Town», лейблы «Riva» и «Warner Bros.»
«A Night on the Town» – это не театральное ревю, а студийный альбом Рода Стюарта (седьмой в дискографии), вышедший 18 июня. Обложка альбома отсылает к картине Пьера-Огюста Ренуара «Бал в Мулен де ла Галетт», причём, сам Стюарт вставлен в центр композиции в костюме той эпохи. Это дополнительно подчёркивает идею «ночи в городе», погружения в эту атмосферу. И во всём релизе в целом действительно есть театральность, драматизм и чёткая структура, из-за чего его часто воспринимают как цельное музыкальное повествование. Его записывали в разных американских студиях, и в сессиях принял участие обширный отряд музыкантов (под тридцать), известный как The Garage Band, включая гитаристов Джо Уолша и Стива Коппера, клавишников Барри Беккета и Дэвида Форстера, басиста Дональда «Дака» Данна, барабанщиков Роджера Хокинса и Эла Джексона-младшего. Продюсером опять выступил Том Дауд.
Альбом сознательно разделён на две части: «Slow Side» (медленная) и «Fast Side» (энергичная). Это создаёт эффект ночного путешествия: сначала лиричные, интимные истории, затем – более ритмичные, рок-ориентированные треки. Стюарт мастерски сочетает разные стили: фолк, соул, рок и оркестровый поп. В одной части альбома – душевные баллады, в другой – энергичные рок-композиции, где он отдаёт дань своим прошлым проектам (например, «Faces»). В текстах есть и романтика, и глубокие, даже болезненные истории на табуированные темы.
Род не только пишет сам, но и выбирает чужие песни, придавая им своё звучание, – «Pretty Flamingo» Манфреда Манна, «Big Bayou» Гиба Гилбо, «The Wild Side of Life» Хэнка Томпсона. Кавер-версия песни Кэт Стивенс «The First Cut Is the Deepest» также имела успех и с тех пор стала одной из фирменных песен Стюарта. А его спорная композиция «Tonight's the Night» была хитом № 1 и запрещалась к эфиру некоторыми радиостанциями из-за очень очевидной лирики о сексе. Сам же альбом возглавил чарты в Британии, Канаде, Австралии и в ряде европейских стран, а также занял 2-ю позицию в американском списке «Billboard 200».
The Alan Parsons Project «Tales of Mystery and Imagination», лейблы «Charisma» и «20th Century»
А вот и дебютный концепт группы The Alan Parsons Project, состоявшийся в 25 июня 1976-го. Если альбом может опередить своё время, то первый релиз команды Алана Парсонса, безусловно, воплощает этот парадокс. Замысел основных авторов «Проекта» Алана Парсонса и Эрика Вулфсона базировался на творчестве американского писателя и поэта Эдгара Аллана По – рассказов («Падение дома Ашеров», «Сердце-обличитель», «Бочонок амонтильядо») и поэзии («Ворон»). Они не просто положили тексты на музыку, а переосмыслили темы страха, безумия, загробного мира, ловушки, тщеславия. Это, конечно, не возникло в вакууме. Были уже ветераны рок-оперы – The Who, и в то время мысль основывать концептуальный альбом на научно-фантастическом романе не была чем-то новым.
Идея заключалась в том, чтобы соединить поп-рок-мелодии с симфоническими, прог-элементами, получив масштабное, «кинематографичное» звучание. При этом авторы сознательно сделали ставку на «проектный» подход: вместо жёстко фиксированного состава группы эта двоица привлекала разных сессионных музыкантов под каждую задачу, как в кино. Это позволило гибко реализовывать сложные идеи.
Музыканты, представленные на альбоме, включают вокалистов Артура Брауна из The Crazy World of Arthur Brown на «The Tell Tale Heart», Джона Майлза на «The Cask of Amontillado» и «(The System of) Dr. Tarr and Professor Fether» и Терри Сильвестра из The Hollies на «To One in Paradise». Полный состав групп Ambrosia и Pilot играет на записи вместе с клавишником Фрэнсисом Монкманом из Curved Air. Парсонс, имевший за плечами работу над «Abbey Road» и «The Dark Side of the Moon», продемонстрировал, что студия – это не просто место записи, а полноценный творческий инструмент. Он активно для создания нужной атмосферы использовал передовые на тот момент технологии – вокодер, звуковые эффекты, сложную обработку.
Помимо музыки тщательно продумано и оформление пластинки. Обложка альбома была сделана именитой студией «Hipgnosis». Буклет (прикрепленный к внутренней части) состоял из фотографий, связанных с песнями, и рисунков, которые исследуют записанного на пленку человека, когда он мечется в своем ограниченном мире и стремится разгадать себя.
В итоге «Tales of Mystery and Imagination» слушается как связная «аудиокнига» или саундтрек к триллеру. Несмотря на мрачные темы, музыка не всегда погружает в беспросветный ужас – иногда она звучит довольно живо, напоминая музыкальные постановки в стиле Эндрю Ллойда Уэббера. Правда, материал в целом местами был «рваный»: после ярких треков может последовать более вялый или, наоборот, слишком затянутый фрагмент. В частности, длинную (более 16 минут) инструментальную сюиту «The Fall of the House of Usher» часть критиков считает самым слабым звеном из-за отсутствия текста, хотя именно в ней удаётся передать ту самую мрачную, пугающую атмосферу По.
В итоге шедевральный «Tales of Mystery and Imagination» стал важной вехой: он задал вектор для будущих релизов The Alan Parsons Project и вошёл в историю как один из ярких примеров концептуального арт-рока, где литература, музыка и звукорежиссура слились в единое целое.
Продолжение следует.
☑ Если понравилась статья, не стесняйтесь ставить лайк и делать комментарии!
➤ Чтобы не пропустить новое, подписывайтесь на канал
☢️ Другие статьи этой тематики: