Это был период, когда жанр был на подъёме, и добротная продукция выдавалась ежемесячно. При упоминание лучших рок-музыкальных произведений этого года перехватывает дыхание и хочется зажмуриться от счастья. Конечно, у любого меломана со стажем здесь свои предпочтения, однако, практически каждый любитель рока легко согласится с высокими достоинствами многочисленной альбомной коллекции этой «золотой эпохи».
Величайшие легенды классического рока выпустили в этот год знаковые пластинки, определившие их карьеру. Наиболее заметные представлены мною ниже. Я продолжу ранжировать вышедшие в этот год релизы по дате их появления на свет. Предыдущие материалы здесь:
Led Zeppelin «Presence», лейбл «Swan Song»
Led Zeppelin 31 марта выпустили свой седьмой студийный альбом «Presence» – самую жёстко колючую и вычурно «сухую» по звучанию работу группы. Это был безупречно электрогитарный, эталонный хард, густо замешанный на блюзе. Начав над ним работать в Малибу на «SIR Studio», они в цейтноте за 18 дней записали его в Мюнхенской «Musicland Studios», корпя порой по 18-20 часов в сутки. Это было самое быстрое время записи, достигнутое группой со времени их дебютного альбома.
Роберт Плант находился в инвалидной коляске после автоаварии на греческом острове Родос, и, учитывая это, Джимми Пейдж взял на себя всю ответственность за завершение альбома, доминируя в треках разными гитарными трюками. Они с Плантом написали шесть из семи композиций, и только «Royal Orleans» была коллективной работой всей четвёрки. Это объясняется тем, что большинство песен были написаны в Малибу, где только Пейдж изначально присоединился к выздоравливающему Роберту. Как он прокомментировал позже:
«Это – отражение пика наших эмоций. Здесь нет акустических песен, ничего клавишного, ничего мягкого... Это было особенно изнурительно, потому что никто больше не приносил песенных идей. Пришлось мне придумывать все эти риффы: именно поэтому «Presence» насыщен такой гитарной тяжестью. Но я никого не виню. Мы все находились в унынии… Наше настроение идеально подытоживал текст Tea For One».
Многие, кстати, сравнивают «Tea For One» с «Since I’ve Been Loving You». Что ж, многие блюзы напоминают друг друга мелодически, а вот ритмика и акценты здесь другие. Зато шедевральность «Achilles Last Stand» не подвергается сомнению – сложные, переплетенные секции с несколькими наложенными гитарными партиями, с улавливаемыми марокканскими мотивами, вокалом Планта в стиле скэт и атакующими барабанами «Бонзо». А Джон Пол Джонс впервые задействовал восьмиструнную бас-гитару.
В целом альбом знаменовал возвращение к хард-року только на новом уровне сложности. Резкий характер семи его композиций не смог найти отклик у фанатов, уже привыкших к разнообразию и экспериментальному звучанию их предыдущих работ. Тем не менее, пластинка имела коммерческий успех, достигнув вершин британских и американских альбомных чартов и стала «трижды платиновой» в США.
Советские «Цеппелиноманы» приняли его тоже по-разному. Кто-то заслушивался этим последним великим гитарным альбомом группы, несшим заключительные свидетельства гениальности «Маленького Джимми Пи со Товарищи», другие же напрочь отторгали его, выделяя лишь две-три песни. Время всё расставит по местам, и сегодня те, «кто возносил хулу, заблаговествовали», причисляя эту работу к лучшим хард-роковым пластинкам эпохи.
Joe Walsh «You Can't Argue with a Sick Mind», лейбл «ABC»
Концертная запись, вышедшая в марте, стала третьим сольным альбомом американского мультиинструменталиста и вокалиста. «You Can't Argue with a Sick Mind» был записан в прямом эфире незадолго до того, как Джо Уолш присоединился к группе Eagles. На момент записи музыкант уже принял приглашение к ним перейти в качестве замены Берни Лидона. Альбом был записан, чтобы выполнить контрактные обязательства перед лейблом «ABC». Запись сделана 26 ноября 1975 года в Гражданском зале Санта-Моники в рамках шоу Дона Киршнера «Рок-концерт». В концерте участвовали будущие коллеги Уолша по Eagles: Гленн Фрэй, Дон Хенли и Дон Фелдер, которые присоединились к исполнению песни «Help Me Through the Night». Релиз был выпущен в марте и стал последним для лейбла «ABC».
Это была запись, сделанная в период, когда Уолш экспериментировал с расширенным составом (три барабанщика, два клавишника и другие музыканты), что отличалось от его предыдущих трио-формаций. Отмечают, что альбом мог бы быть длиннее или выпущен в двойном формате, так как в концерте исполнялись и другие интересные песни: «Welcome to the Club», «Mother Says», а также каверы на «Get Back» The Beatles и «Gimme Some Lovin’» Спенсера Дэвиса. Также упоминается, что некоторые треки растянуты, чтобы дать больше пространства для гитарных партий Уолша. «You Can’t Argue with a Sick Mind» остаётся значимой работой в дискографии Джо Уолша, демонстрирующей его концертные навыки и переход к новому этапу карьеры.
Van Der Graaf Generator «Still Life», лейблы «Charisma», «Mercury»
Релиз «Still Life», вышедший 16 апреля, считается одним из ключевых у Van Der Graaf Generator и часто упоминается среди их лучших работ. Это третий альбом, созданный после воссоединения группы в 1975 году (и шестой в общей дискографии), и он стал результатом особенно плодотворного периода в истории коллектива. Диск отличается более меланхоличным настроением по сравнению с предыдущими альбомами группы. Тёмные и агрессивные тенденции здесь смягчены, что особенно заметно в треках «Pilgrims» и «My Room». При этом альбом сохраняет уникальный стиль Van Der Graaf Generator – сочетание прогрессивного рока, джазовых и блюзовых элементов, а также мрачной лирики.
Музыка построена вокруг вокального стиля Питера Хэммилла, который сочетает в себе эмоциональность, разнообразие (от скорбного и интроспективного до «извращённой деменции») и умение подстраиваться под настроение песни. В «Still Life» удалось успешно передать каждый нюанс его голоса, обеспечив большую вариативность и глубину. Его тексты глубоки, поэтичны и обладают высоким литературным качеством. В альбоме заметно уменьшена роль саксофона по сравнению с предыдущими работами, за исключением треков «La Rossa» и «My Room», где Дэвид Джексон демонстрирует одни из своих лучших саксофонных партий. Барабанщик Гай Эванс усиливает джазовое влияние, его игра сдержанна, но идеально дополняет песни.
Некоторые слушатели считают «Still Life» одним из лучших альбомов группы, сравнивая его с «Godbluff» и «Pawn Hearts». Однако, отношение к альбому может быть полярным: он либо категорически не нравится, либо кажется превосходным. После выпуска этого релиза группа претерпела изменения в составе: ушли Хью Бэнтон и Дэвид Джексон, что привело к переосмыслению звучания коллектива.
The Rolling Stones «Black and Blue», лейбл «Rolling Stones»
Альбом «Black and Blue», появившийся на прилавках 23 апреля, стал важным этапом в истории группы The Rolling Stones, ознаменовав период после ухода гитариста Мика Тейлора и поиск нового звучания. Это первый альбом, записанный после этого, и он стал своеобразным испытательным полигоном для нескольких музыкантов, претендовавших на место в группе. Запись проходила с декабря 1974 по февраль 1976-го. В качестве кандидатов на вакантную роль гитариста приглашали таких мастеров, как Харви Мандел (Canned Heat), Уэйн Перкинс, Джефф Бек, Ронни Вуд и Роберт А. Джонсон. В итоге в записи альбома поучаствовали Мандел, Перкинс и Вуд, а постоянным участником квинтета стал последний. Как это объяснил Кит Ричардс: «Ронни – многостаночник. Он умеет играть на куче всего и в разных стилях, плюс я уже поработал с ним плотно несколько недель, так что стрелка склонилась к нему».
Помимо трёх сессионных гитаристов, на записи присутствуют два именитых клавишника – Ники Хопкинс и Билли Престон. «Black and Blue» стал вторым альбомом, спродюсированным самими Джаггером и Ричардсом под псевдонимом «The Glimmer Twins». Группа экспериментировала, смешивая свой традиционный рок-н-ролльный стиль с элементами регги, фанка и соула. За счёт такой эклектики очень многим альбом «не зашёл», а критики так и вовсе на нём оттоптались: «Это разочарование отвратительных масштабов, полностью лишенное эпического чувства неряшливого величия и гальванического украшаемого драгоценного напряжения, которые являются двумя тузовыми картами Роллингов».
Мик Джаггер позже высказался об этой записи: «Это был немного праздный период. Я имею в виду, мы заботились, но нам было всё равно, как нам было, не очень концентрируясь на творческом процессе». Возможно, парни предполагали, что часть фанатов останется недовольна этим релизом, поэтому и назвали его «Black and Blue», что с английского переводится как «жестоко избитый». Однако, слушатели приняли его хорошо. Альбом поднялся в британских чартах на 2-е место, а в США занял ещё более высокую – первую позицию в «Billboard 200», а также возглавил чарты во Франции и Нидерландах.
Gentle Giant «Interview», лейблы «Chrysalis», «Capitol»
Восьмой студийный релиз британской прогрессив-рок-группы, вышедший 23 апреля. «Interview» – это концептуальная работа, построенная вокруг вымышленного радиоинтервью, посвящённого музыкальному бизнесу. В записи в качестве интервьюера участвовал Фил Сатклифф. История начинается с прибытия группы на интервью, а песни прерываются фрагментами диалога между музыкантами и интервьюером. В некоторых треках использованы краткие фрагменты реальных интервью, проведённых в студии. Заглавная песня содержит текст, основанный на вопросах и ответах между группой и музыкальной прессой.
В «Interview» группа использовала более традиционное инструментальное сопровождение по сравнению с предыдущими работами – отсутствуют ксилофоны, флейты и другие экзотические инструменты. Однако музыканты сумели сделать даже обычный набор (бас, орган, гитары) интересным и свежим благодаря технике исполнения. Кери Минниар продемонстрировал инновации на клавишных, что расширило звуковую палитру группы. В альбоме присутствуют характерные для Gentle Giant элементы: сложные гармонии, полиритмические аранжировки, влияние джаза, блюза, ренессансной и средневековой музыки.
Некоторые считают его последним великим студийным альбомом группы, другие – первым в нисходящей спирали конца 70-х. Альбом получил смешанные отзывы критиков и не достиг коммерческого успеха предыдущих работ. Однако он оставался в чартах дольше, чем другие пластинки Gentle Giant. Прогрессивный рок к тому времени приближался к концу своего первого этапа популярности, и многим группам приходилось адаптироваться к меняющимся временам или уходить со сцены. Вскоре после выпуска «Interview» Gentle Giant предприняли неудачную попытку перейти к поп-звучанию, что в итоге привело к распаду группы.
Ramones «Ramones», лейбл «Sire»
Дебютный альбом Ramones, выпущенный 23 апреля, стал знаковым событием в истории музыки и считается одним из основополагающих релизов в жанре панк-рока. Несмотря на скромный коммерческий успех при выходе, он оказал колоссальное влияние на развитие панк-культуры, хэви-метал, гранжа и других направлений рок-музыки.
Когда Ramones полвека назад в феврале 1976 года за скромные 6 400$ его записали, цель была проста: «Устранить лишнее и сосредоточиться на содержании», - как выразился Томми Рамон в 1999 году. Но гениальность самого влиятельного и долговечного альбома панка – как же четыре разрозненных изгоя из американского подросткового мейнстрима создали такую оригинальную одержимую ярость – остаётся трудно определить.
«Ramones» состоит из 14 треков, большинство из которых короткие – длительность песен не превышает двух минут. Характерные черты: скоростной ритм, простая гитарная техника Джонни Рамона (игра преимущественно пауэр-аккордами и квинтами без соло-партий), за исключением песни «Now I Wanna Sniff Some Glue». Продюсер Крэйг Леон создал «стену звука» за счёт пяти-шести наложений гитарных партий. В микс также вошли 12-струнная гитара, орган, хлопок крышки фортепиано и даже звук электропилы.
Певец, похожий на аиста, Джоуи был попсовым парнем, который скандировал в начале «Blitzkrieg Bop»: «Hey ho, go's go!». Басист и основной автор текстов Ди Ди писал о том, что знал («запрещённые вещества», отчаяние, мошенничество), с лаконичностью телеграфного стиля остроумием. А барабанщик Томми, некогда звукорежиссёр на сессиях Джими Хендрика, был сопродюсером Ramones, сохраняя их краткость и чистоту.
В США пластинка разошлась тиражом около 7 тысяч экземпляров, а в чарте «Billboard Top LPs & Tape» достигла лишь 111-й строчки. «Мы думали, что можем стать самой большой группой в мире», – вспоминал Джонни. В каком-то смысле, так и будет. В Великобритании альбом стал катализатором зарождавшейся панк-сцены. Музыка Ramones произвела сильное впечатление на будущих звёзд панк-рока: Sex Pistols, The Clash, The Damned, The Stranglers. Со временем репутация альбома выросла. В 2003 году он занял 33-е место в списке «500 величайших альбомов всех времён» по версии журнала «Rolling Stone», а в 2022 году – первое место в списке «100 лучших дебютных альбомов всех времён» по версии того же журнала.
Krokus «Krokus», лейбл «Schnoutz»
Дебютный одноимённый альбом швейцарской группы Krokus, вышедший 29 апреля, – это единственный релиз коллектива, выполненный в стиле прогрессив-рока. Запись проходила в студии «Sinus» в Берне в ноябре – декабре 1975-го. Нехарактерный для группы диск, который отражает её ранние музыкальные эксперименты, пластинка стала коллекционной редкостью, так как была выпущена ограниченным тиражом (около 560 копий) и никогда не переиздавалась. В записи участвовали: Томми Кифер (гитара, вокал), Ханси Дроз (гитара), Ремо Спадино (бас-гитара), Крис фон Рор (ударные, вокал, фортепиано). Это единственный альбом группы таким составом.
Музыка сочетает элементы психоделического рока, хард-рока и джаза. Например, трек «Energy» отличается эмоциональным соло Томми Кифера, а в «Mostsaphin» звучат явные джазовые интонации. Некоторые композиции перетекают друг в друга, создавая цельную музыкальную историю. Среди треков – инструментальная пьеса «Eventide Clockworks» (соло на пианино, исполненное Крисом фон Рором). При выпуске «Krokus» не получил признания ни у широкой публики, ни у критиков. Однако позже слушатели и ряд экспертов отметили, что для любителей психоделического рока и прогрессив-рока пластинка может показаться весьма интересной. Альбом демонстрирует эволюцию группы: позже Krokus перешли на более коммерчески успешный хард-рок и глэм-метал.
Pavlov's Dog «At the Sound of the Bell», лейбл «CBS»
«At the Sound of the Bell» – второй студийник американской прогрессив-рок-группы Pavlov’s Dog, выпущенный в апреле. Запись проходила в октябре 1975 года в нью-йоркской студии «Record Plant». После выхода дебютного альбома «Pampered Menial» (1975) группу покинули скрипач Зигфрид Карвер и барабанщик Майк Сафрон. Их заменили гитарист Томас Никесон и сессионный барабанщик Билл Бруфорд, известный по работе в Yes и King Crimson. В записи также участвовали приглашённые музыканты: Майкл Брекер (саксофон, лауреат «Грэмми»), Энди Маккей (саксофонист из Roxy Music), Эллиот Рэндалл (гитара) и другие.
По сравнению с дебютным альбомом «At the Sound of the Bell» отличается более лёгким звучанием: рок-влияния уступили место мелодичным поп-ориентированным аранжировкам. Иногда альбом характеризуют как прото-AOR. Настроение пластинки меланхоличное и скорбное, а тексты выражают ностальгию по «старым добрым временам». По словам вокалиста Дэвида Суркампа, во время записи альбома коллектив находился в кризисе: «Группа разваливалась на глазах. Все хотели стать авторами песен, но кроме меня и Дага Рэйберна, никто по-настоящему не умел этого делать».
В альбоме присутствуют как средне-темповые баллады («Mersey»), так и более динамичные треки. Например, «Valkerie» считается одной из центральных вещей пластинки. В песне сочетаются напряжённый ритм Бруфорда, хор мальчиков «High Wycombe», медные духовые и фирменный фальцет Суркампа в кульминационном рефрене «Bring back the good old days».
Среди других заметных композиций упоминают «She Came Shining» (открывающий трек, написанный Суркампом и Рэйберном) и «Standing Here With You (Megan’s Song)» – балладу, которую сравнивают с работами Элтона Джона и Рода Стюарта. Кульминацией альбома стала композиция «Did You See Him Cry».
Многие называли «At the Sound of the Bell» творческой вершиной группы. Журнал «Mojo» так и вовсе охарактеризовал альбом как «закопанное сокровище». Правда, коммерчески он провалился – не вошёл в чартовые списки в Штатах и был № 37 в Австралии. Большим плюсом является то, что в отличие от европейского прог-рока, здесь нет 20-минутных сюит – лишь концентрированная эмоция.
Rick Wakeman «No Earthly Connection», лейбл «A&M»
Ещё один заметный апрельский релиз – альбом «No Earthly Connection», четвёртый в сольной дискографии именитого клавишника Рика Уэйкмана. Это концептуальная работа, посвящённая метафизическим идеям и вере в существование жизни и «неизвестных измерений» за пределами известного человеку мира. Альбом часто остаётся в тени более известных работ Уэйкмана, таких как «The Six Wives of King Henry VIII» или «The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table», но многие критики считают его одним из лучших его творений.
Уэйкман вдохновлялся идеями о космической сущности человека и загадках происхождения жизни. По некоторым слухам, на создание альбома его сподвигло якобы увиденное во время тура по США в 1975 году НЛО. Музыкант сочинил большую часть музыки в самолёте, а затем записал её во Франции в студии «Le Chateau Studios» в Эрувиле в январе – марте 1976-го. Запись проходила там, предположительно, по налоговым соображениям, из-за которых многие британцы стремились в то время записываться за пределами своей страны.
Музыка остаётся клавишно-ориентированной, но заметно участие группы, в которую помимо Уэйкмана вошли: Эшли Холт (вокал), Роджер Ньюэлл (бас-гитара, бэк-вокал), Тони Фернандес (ударные и перкуссия), Джон Данстивелл (акустическая и электрическая гитары, мандолина), Мартин Шилдс (труба, флюгельгорн, валторна, бэк-вокал) и Рег Брукс (тромбон, бас-тромбон, бэк-вокал). В альбоме сочетаются элементы классики, фолка, фанка, металла и джаза, что отражает свободу Уэйкмана от конкретных сюжетных рамок, в отличие от его предыдущих работ, где он адаптировал музыку под исторические или литературные сюжеты. В «Music Reincarnate» слышны струнные, клавинет и выдающаяся игра басиста Ньюэлла. Некоторые рецензенты отмечают сходство альбома с работами The Alan Parsons Project (амбициозные, но запоминающиеся аранжировки) и Gentle Giant (сложные изменения тактового размера и вокальные аранжировки).
Релиз достиг 9-й строки в британском чарте альбомов и 67-й – в американском «Billboard 200». Рецензии на альбом противоречивы. Некоторые критики считают его одним из лучших творений Уэйкмана, отмечая смелость музыкальных решений и глубину концепции. Другие относят его к «претенциозным» работам, хотя и признают художественную ценность. Как обычно, истинна находится где-то посередине.
Aerosmith «Rocks», лейбл «Columbia»
Четвёртый студийник американской рок-группы Aerosmith, выпущенный 13 мая, считается одним из величайших рок-альбомов всех времён. «Rocks» закрепил за парнями статус иконы хард-рока. Альбом отличается сырой энергией, мощными риффами и характерным для Aerosmith сочетанием блюза, хард-рока, фанка и глэм-элементов.
Релиз вышел после прорывного альбома «Toys In The Attic» (1975), который включал хиты «Walk This Way» и «Sweet Emotion». Несмотря на высокую планку, группа сумела создать пластинку, которая по мнению многих критиков и фанатов не уступила предшественнику. «Rocks» отличается более тёмной лирикой и тяжёлым звучанием. В песнях отразились как растущая популярность группы на гастролях, так и проблемы, связанные с употреблением «веществ».
Продюсером альбома выступил Джек Дуглас, который, по мнению некоторых критиков, создал «плотную» запись, где нет ни грамма лишнего. Звучание характеризуется сырой энергией, но при этом сохраняет целостность и техничность. Группа записала альбом, не оглядываясь на коммерческие каноны, словно делала это для себя, а не для лейбла. Гитаристы Джо Перри и Брэд Уитфорд демонстрируют виртуозную игру, их риффы стали визитной карточкой альбома.
В треке «Back In The Saddle» Перри использовал шестиструнный бас, что добавило уникальности звучанию. Том Хэмилтон (бас) и Джоуи Крамер (ударные) создали пульсирующую основу, на которой строится музыка. А уникальный стиль вокалиста Стивена Тайлера, сочетающий сарказм, иронию, а также экспрессию, стал неотъемлемой частью характера альбома. Однако некоторые критики отмечают, что в ряде треков его вокал может показаться слишком резким.
Таким образом, «Rocks» – это не просто альбом, а важный этап в истории рок-музыки, отражающий дух эпохи и мастерство Aerosmith. Он вошёл в список «500 величайших альбомов» по версии журнала «Rolling Stone» и повлиял на множество хард-рок- и хэви-метал-групп, став эталоном жанра. Альбом любили такие музыканты, как Слэш, Курт Кобейн, Джеймс Хетфилд и Брюс Дикинсон.
AC/DC «High Voltage», лейбл «Atlantic»
Первоначальная версия этого альбома AC/DC вышла в Австралии 17 февраля 1975 года и содержала 8 треков. Международная версия, представленная миру 14 мая, включала композиции из двух австралийских релизов – «High Voltage» и «T.N.T.». Из оригинальной версии в международную попали только две песни: «She’s Got Balls» и «Little Lover». Материал записывался в 1974-1975- х годах в сиднейской студии «Albert Studio» . Продюсерами выступили Джордж Янг (брат основателей группы) и Гарри Ванда. Во время записи у Ангуса Янга задымился усилитель, но Джордж Янг настоял на продолжении записи, посчитав, что это добавит альбому резкости и энергии.
С точки зрения композиции и звука, содержащего атаки с двойным гитарным действием, которым группа прославилась, «High Voltag» имел коммерческий успех, разойдясь в три миллиона копий только в США. Тем не менее, альбом был первоначально раскритикован после его выпуска, группу обвиняли в «упрощёнчестве», поверхностности и агрессивности, а все их песни обзывали бессмысленными построениями из трёх аккордов – «рекордным минимумом» для жанра хард-рок. Однако со временем он получил признание как классика хард-рока.
Релиз стал свидетельством способности AC/DC создавать ударный, бескомпромиссный хард-рок, что оставалось характерной чертой их творчества на протяжении всей карьеры. Многие треки из «High Voltage» стали основой концертных программ группы. В целом этот диск считается одним из величайших хард-рок-альбомов всех времён и обязательным к прослушиванию для любителей настоящего хард-рока.
Steve Miller Band «Fly Like an Eagle», лейблы «Capitol» и «Mercury»
Альбом «Fly Like an Eagle» стал девятой студийной работой группы Steve Miller Band и одним из её самых успешных релизов. Пластинка принесла три хита: заглавный трек, «Take the Money and Run» и «Rock’n Me», а позже получила четырёхкратную платиновую сертификацию от «RIAA». Альбом сочетает элементы блюз-рока, психоделического рока, соула, кантри и других жанров. Несмотря на стилистическое разнообразие, музыка сохраняет поп-ориентированность благодаря мелодичным хукам и лирическим мелодиям, что делает её лёгкой для восприятия. Инструментальные композиции «Space Intro» (вступление) и «Blue Odyssey» добавляют альбому атмосферности.
В записи участвовали приглашённые музыканты: Джеймс Коттон (губная гармошка), Джон МакФи (добро), Джоаким Янг (орган Хаммонда) и другие. Стив Миллер сам исполнял вокал, играл на гитаре и синтезаторе. Стоит отметить и его детализированное атмосферное продюсирование. Хотя некоторые элементы звучания (например, «шумящие клавишные и эхо») могут казаться устаревшими, суть альбома не потеряла актуальности.
Журнал «Rolling Stone» назвал «Fly Like an Eagle» лучшим альбомом 1976 года. В Штатовских чартах он был на 3-й строчке, а в альбомной британской – на 11-й позиции. Таким образом, «Fly Like an Eagle» остаётся значимой работой в истории рок-музыки, сочетающей коммерческую успешность с художественным разнообразием.
Продолжение следует.
☑Если понравилась статья, не стесняйтесь ставить лайк и делать комментарии!
➤ Чтобы не пропустить новое, подписывайтесь на канал
☢️ Другие статьи этой тематики: