В адрес современного искусства часто можно слышать упреки в том, что оно примитивно и неэстетично. «Так сможет и ребенок», «И это стоит миллионы», — порой негодуют зрители. Но такой образ современного искусства отчасти навязан СМИ, которые для рейтинговой новости берут нечто грубое, резонансное и эпатажное. В действительности современное искусство — это широкий и глубокий пласт. Развеиваем мифы о современном искусстве в нашем материале.
Миф 1: Современное искусство не требует особых навыков для художника
Частое заблуждение о современном искусстве, что оно якобы не требует навыков, образования, знаний и подготовки. Сравнивая работы, созданные с помощью различный технологий, зрители могут прийти к ошибочному выводу, который обычно формулируется фразой «Я тоже так смогу» и подобными.
Но все известные сейчас мастера абстракционизма начинали свою деятельность в рамках классической традиции. Они учились в различного рода академиях изобразительного искусства, частных художественных школах или у мастеров, которые оказывали существенное влияние на их развитие. Как правило, тот авторский стиль, благодаря которому художник становится знаменитым, появляется после изучения академической школы.
В русском изобразительном искусстве одним из наиболее ярких примеров является художник Казимир Малевич. Известность он получил благодаря «Черному квадрату» и другим работам с геометрическими фигурами. Но художник отлично умел передавать и предметные образы.
Но такой стиль живописи не устраивал Малевича. Он решил радикально порвать с предметным искусством и официально заявил, что черный квадрат — это первый шаг к «чистому творчеству». Для Малевича было важно провозгласить новое направление, названное супрематизмом, и отделить себя от «прошлой эпохи искусства». Художник выдвинул дерзкий девиз, который подчеркивал квадрат как «нулевую форму»: «Я преобразился в нуль форм и вышел за его пределы, к беспредметному творчеству».
Понятие «нуль форм» стало краеугольным камнем в эстетике русского футуризма. Полотно «Черный квадрат» символизировало «нуль» как окончание старого предметного мышления и начало беспредметной эпохи. Квадрат стал знаковой формой супрематизма и отправной точкой отсчета.
Еще один пример — художник Василий Кандинский. Его самыми известными и дорогими картинами стали абстрактные полотна. Но творчество художника было намного шире.
Кандинский решился пойти по творческому пути довольно поздно, только после достижения 30-летия. На это решение его сподвигла выставка импрессионистов в Москве в 1896 году.
Он сообщил своему научному наставнику А. И. Чупрову, что решил оставить науку: «Каждый день меня всё больше тянет к давней, казалось бы, безнадежной любви к живописи». В 1896 году он отверг предложение должности приват-доцента в Дерптском университете. Кандинский отправился в Мюнхен для изучения живописи.
На начальном этапе Кандинский рисовал предметные работы в импрессионистском стиле. Свой фирменный творческий почерк он разработал позже.
В книге «О духовном в искусстве» он представил манифест абстракционизма. Там он исследует, какие ассоциации у зрителя вызывает определенный цвет, пятно, форма и линия. К примеру, красный связан с энергией и силой, а глубокий зеленый ассоциируется с предчувствием, серый характеризуется как «безнадежная неподвижность».
Факты
- Большинство художников активно учатся перед тем, как начать экспериментировать и искать свою уникальную творческую манеру.
- Современное искусство часто базируется на концептуальных идеях, понимание которые невозможно без погружения в культурный контекст.
Миф 2: Современное искусство бессмысленно
Бытует заблуждение, что произведения современного искусства лишены смысла и бездушны. Но такое мнение предвзято. Оно может основываться на визуальных особенностях некоторых работ.
Однако в действительности современные картины затрагивают серьезные темы, среди которых, к примеру, экология. Так, в 1998 году Олафур Элиассон запустил беспрецедентный проект под названием «Зеленая река». Художник окрасил воду в реках по всему миру в зеленый цвет, использовав для этого безвредный краситель. Затем он с интересом наблюдал за реакцией местного населения, которая была весьма разнообразной. В Дании изменения были встречены сдержанным спокойствием, шведы начали обвинять местный химический завод в изменении цвета воды в реках, а в Японии выразили серьезное беспокойство.
Другой пример эко-арта — работа «Мертвый кит». Ее установили на Филиппинах. Концепция была разработана креативным агентством Dentsu Jayme Syfu. В качестве материалов художники и дизайнеры использовали пластиковый мусор. Работа стала мощной метафорой о загрязнении океана пластиком и вызвала общественный резонанс. О «Мертвом ките» писали многие международные СМИ.
Факты
- Современное искусство часто использует абстрактные формы и непривычные для традиционного искусства материалы, чтобы вызвать отклик у зрителей. За каждым произведением стоит концепция, к исследованию которой нужно быть готовым.
- Современное искусство требует от зрителя взаимодействия, иногда он становится частью процесса. И интерпретация со стороны созерцателя может дать смысл, который художник не транслировал напрямую.
Миф 3: Современное искусство предназначено для элит
Бытует заблуждение, что современное искусство доступно только определенному и узкому кругу лиц — художественным критикам, коллекционерам и образованной элите. Подобное предубеждение может оттолкнуть многих от современного искусства.
Действительно понимание некоторых концепций и идей может быть сложным, но изучение контекста, а также насмотренность могут помочь в восприятии современного искусства.
По утверждению коллекционера Сергея Гущина и художника Александра Щуренкова, одной из ключевых причин негативного восприятия современного искусства становится наша неуверенность в собственных знаниях и понимании, что, в свою очередь, порождает страх задать вопросы на тему того, что нам непонятно. Чтобы преодолеть эти барьеры, необходимо сделать два шага: во-первых, осознать наличие этих страхов и принять их, а во-вторых, в ходе следующего посещения выставки задать себе несколько важных вопросов:
- 1. Что конкретно я вижу?
- 2. Из каких материалов и какими методами создана эта работа?
- 3. Как можно в целом охарактеризовать то, что я наблюдаю?
- 4. Какие чувства вызывает эта работа у меня?
Понимание современного искусства — это процесс, который требует времени и практики. Чем больше исследовать и вовлекаться, тем лучше будет понимание различных аспектов и линий мысли, выражаемых через искусство.
Факты:
- Современное искусство имеет множество разнообразных форм: выставки, перформансы и инсталляции. Оно охватывает множество тем, стилей и доступно для широкой аудитории.
- Ряд художников в своих работах обращаются к социальным и политическим темам, делая искусство более резонирующим для массовой аудитории.
Миф 4: Современное искусство — это просто модные тренды
Существует мнение, что современное искусство — это что-то несерьезное. Якобы оно базируется на мимолетных трендах, которые быстро уходят в небытие.
Такое предубеждение лишает современное искусство важности. Действительно, сторонники классического искусства могут говорить, что оно прекрасно, возвышенно и является достоянием мировой культуры, а современное искусство — часто может выглядеть не так эстетично или не демонстрировать академического мастерства исполнения. Отвечая «классикам», можно сказать, что современное искусство является отражением нашей с вами действительности, если шедевры классического искусства представляют собой законченный объект, то современные творцы экспериментируют и пытаются создать что-то более подвижное.
Так, Билл Виола — создатель видеоарта, стоявший у его истоков в 1970-е годы, более четырех десятилетий производил аудио- и видеоинсталляции, фильмы, видео, звуковые среды, а также медиаработы, сопровождавшие масштабные концертные и оперные постановки.
Основной спектр тем, который волнует художника, — это эмоциональные состояния человека, время, границы бытия и небытия, искусства и жизни. Билл Виола в своих работах активно использовал свет, цвет и музыку.
Иногда в современном искусстве может отсутствовать сам предметный объект, но есть пространство, в котором художник взаимодействует с аудиторией. В таком случае контакт с публикой и является произведением искусства.
Ярким примером является Марина Абрамович, получившая мировое признание в качестве новаторского художника в сфере перформанса. Она более трех десятилетий исследует предельные возможности этого искусства. Ее работы становятся серьезными испытаниями как для нее самой, так и для аудитории, как физически, так и морально. С самого начала своей карьеры в Белграде в 1970-х годах Абрамович сосредоточила внимание на своем собственном теле, рассматривая его как объект и инструмент для перформансов. Стремясь раскрыть границы и потенциал человеческого организма, она не избегала боли, истощения и даже опасности, искренне стремясь к эмоциональному и духовному преобразованию.
Резонансным стал проект Абрамович «В присутствии художника», прошедший в Музее современного искусства в Нью-Йорке, где на протяжении нескольких месяцев посетители имели возможность просто смотреть ей в глаза. Концепция перформанса заключалась в установлении непосредственного контакта между Мариной Абрамович и любым желающим. Действо продолжалось невероятные 736 часов и 30 минут — за это время художница взглянула в глаза 1500 зрителям. В этом процессе также участвовал Улай (художник и возлюбленный Абрамович), который смотрел на нее более трех минут. От накала переживаний у нее потекли слезы.
«Ритм 0»
В 1974 году Марина Абрамович создала один из своих самых вызывающих и громких перформансов. В этом знаковом действии ей была отведена пассивная роль, а активные действия ожидались от присутствующих.
На столе художница разместила 72 предмета, которые имели различное предназначение — от инструментов для удовольствия до объектов, способных причинить боль: ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Абрамович предоставила аудитории возможность манипулировать своим телом на протяжении шести часов.
Сначала участники проявляли сдержанность, аккуратность и осторожность, но по мере того, как время шло, и художница оставалась неподвижной, их поведение начало меняться и становиться более агрессивным. Шокированная Абрамович, которая обнаружила у себя седой волос после перформанса, так определила суть произошедшего:
«Я хотела показать одну вещь: это просто удивительно, насколько быстро человек может вернуться в дикое пещерное состояние, если ему это позволить».
Факты
- Многие современные художники исследуют и затрагивают глобальные проблемы, такие как экология, политика и социальное неравенство. Эти темы актуальны и будут востребованы в будущем.
- Искусство отражает время, в котором мы существуем, и многие из современных работ имеют потенциал, чтобы стать толчком к переменам в обществе.
Миф 5: Современное искусство — это только живопись и скульптура
Есть заблуждение, что современное искусство ограничивается только живописью и скульптурой. Но в действительности, как было сказано выше, творцы сегодня имеют широкий арсенал самовыражения. Техника создания художественных произведений постоянно развивается, обретая новые выразительные формы. Реалистическая живопись утратила свою первоочередную значимость, в этом контексте молодые художники смело исследуют неожиданные перспективы, готовые бросить вызов традициям. Они обращаются к самым оригинальным и нестандартным методам творчества.
Инсталляция — одна из форм современного искусства. Марсель Дюшан считается одним из пионеров этого направления, а в XXI веке выдающимся представителем этого искусства стал Дэмьен Херст — художник-постмодернист известен своими глубокими исследованиями тем, связанных со смертью и философскими поисками смысла существования, что ярко отображается в его провокационных работах. Херст часто использует формалин и трупы животных в своем творчестве. Самой известной работой стала инсталляция под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». Создавая этот объект, Дэмьен Херст поместил мертвую акулу в аквариум с консервационной жидкостью, стремясь осмыслить конечность бытия и противоречие между физической смертью и обыденным страхом перед ней.
Сайнс-арт — это направление в современном искусстве возникло на пересечении творчества и науки. Его последователи используют новейшие технологии и химические материалы для создания уникальных художественных образов. Сайнс-арт представляет собой экспериментальную площадку для креативного самовыражения.
Ленд-арт — это направление современного искусства, в рамках которого крупномасштабные произведения вписывают в природный ландшафт. Этот стиль возник в середине 1960-х годов в США как ответ на коммерциализацию искусства и систему галерей. Таким образом художники изначально выражали протест против массового перепотребления и индустриализации.
На международной художественной выставке в Аль-Уле, проходившей в рамках второй биеннале современного искусства, американский художник Джим Деневан представил впечатляющую монументальную работу, созданную из песка. Ее центрическая композиция отражает глубокое восприятие человеком пустынных пространств. Этот проект становится ярким примером концептуального и нестандартного подхода в ленд-арте XXI века, демонстрируя, как искусство может взаимодействовать с природой.
Эковенция. Этот термин ввели в конце XX века для обозначения важнейшей роли экологического искусства в реакции на регрессию окружающей среды. Это направление неразрывно связано с ландшафтным дизайном, архитектурой и ленд-артом. Работы, созданные в контексте эковенции, часто отражают характерные черты различных систем и сооружений, таких как шахты, канализации, свалки и скверы.
Каждый представитель этого направления стремится обратить внимание общественности на острые проблемы экологии и предложить пути для их решения. Поскольку восстановление экосистем стало актуальной задачей, художники занимают важную социальную позицию, создавая проекты на грани социальных и политических тем. Искусство в этом контексте становится катализатором для вовлечения общества в усилия по охране планеты. В своих работах художники активно сотрудничают с экологами, инженерами и архитекторами. Все они работают над применением инновационных подходов к стабилизации и восстановлению экологической среды, а также сохранению природных ресурсов. Миссия эковентистов — экопросвещенние и призыв к активному участию в процессе сохранения окружающей среды.
Светографика — это направление современного искусства в сфере фотографии, в котором художники создают изображения с использованием света на длинной выдержке. Изначально процесс называли «рисованием в пространстве». Хотя светографика обрела широкую популярность в XXI веке благодаря доступности фотоаппаратов, ее история насчитывает больше семи десятилетий. Все началось в 1949 году, когда фотограф Гийон Мили посетил мастерскую Пабло Пикассо. В темном помещении, используя две камеры, он запечатлел около 30 кадров художника, который с помощью света создавал абстрактные формы и узоры в пространстве. Эти работы легли в основу серии под названием «Световые рисунки Пикассо», впоследствии представленной на выставке в Нью-Йорке. Выставка произвела фурор, а светографика стала значимой художественной дисциплиной.
Факты
- В современном искусстве используются не только традиционные методы, но и видео, инсталляции, перформансы, цифровое искусство и другие технологии.
- Искусство становится все более интердисциплинарным. К примеру, может пересекаться с наукой, архитектурой, дизайном и даже бизнесом, создавая новые формы взаимодействия со зрителем.
Таким образом, современное искусство — это сложная и многогранная область. СМИ преуспели в поддержании мифа о том, что современное искусство связано с чем-то некрасивым и эпатажным. Но это широкий пласт. Работы могут быть глубокими, эстетичными, осмысленными и привлекать внимание к важным для общества темам.
Было полезно? Подпишись на канал!
