Если вы слышали о Мане и Моне и даже умеете их различать, то, скорее всего, понятие «импрессионизм» вам тоже знакомо. Но знаете ли вы о русском импрессионизме?
В минувшее воскресенье я была в удивительном культурном пространстве, о котором с радостью расскажу в этой статье.
Справка об импрессионизме
В 1872 один из двух вышеупомянутых французов, а именно Клод Моне, написал картину под названием «Впечатление. Восходящее солнце». Вот она:
Необычное видение действительности и само название полотна (по-французски «впечатление» — это impression) дало импульс к появлению и развитию нового направления в изобразительном искусстве — импрессионизма.
Основные отличия этого жанра от остальных:
- в центре внимания авторов — обычная городская жизнь (никаких возвышенных мифологических сюжетов, как в академизме);
- постоянные пленэры (во второй половине XIX в. изобрели тюбик для масляных красок, и импрессионисты могли свободно передвигаться по улице, чтобы ловить впечатления здесь и сейчас);
- узнаваемая техника открытого мазка (стремясь не задокументировать события, а передать сиюминутные впечатления от них, художники действовали очень быстро, «в потоке»; отсюда и, казалось бы, небрежные мазки, и очень, очень много размытого света, и эффект подглядывания).
Конечно, на слуху у нас в основном фамилии французских импрессионистов — это не только Моне с Мане, но и Дега, и Ренуар, и Писсарро. Я же предлагаю полюбоваться работами русских художников второй половины XIX — первой половины XX в. и порассуждать, чем они схожи, а чем отличаются от своих знаменитых предшественниц.
А в конце посмотрим на импрессионизм не с культурологической, а с арт-терапевтической точки зрения.
Русский импрессионизм
Говоря о русских импрессионистах, искусствоведы отмечают, что это в основном представители так называемой московской художественной школы, более либеральной, чем строгая и консервативная петербуржская. Например, Константин Коровин, Валентин Серов, Игорь Грабарь.
Искать в их картинах и открытый мазок, и живые светотени, и непостановочность кадра я и отправилась недавно в Музей русского импрессионизма.
Временные рамки развития импрессионизма в нашей стране практически совпадают с европейскими: середина XIX и начало XX века. Чуть короче, потому что революция с ее культурным авангардом и конкретной идеологической повесткой потеснила более легкие направления искусства. Впрочем, легкости-то, в отличие от французских, нашим художникам и не хватало.
Что отличает отечественный импрессионизм от хрестоматийного, «классического»?
- Несмотря на явное присутствие характерной живости, динамики, этюдности, в нашем импрессионизме не сразу сумели уйти от влияния монументального академизма. Поэтому — да, впечатления, но как бы отложенные, нагруженные смыслом.
- В картинах русских художников всегда можно уловить их личное внутреннее настроение.
- В сюжетах наших художников мы по понятным причинам не увидим кабаре и кафешантанов, а вот русскую глубинку и русскую зиму — непременно. Ходит байка, что некоторым пейзажистам было трудновато успевать с запечатлением суровых погодных реалий (краска попросту застывала), однако даже в серой и в общем-то унылой распутице им удавалось уловить «солнечных зайчиков».
- И, конечно, ни в одной работе — никуда без следа русской идеи, философии, многослойности как неотъемлемого «второго дна» внешней легкости, поверхностности и сиюминутности.
Все эти особенности можно заметить в экспонатах Музея русского импрессионизма.
Адрес музея: г. Москва, Ленинградский проспект, 15, с. 11.
Я пришла сюда на выставку «Выбор Добычиной» и осталась в восторге.
Надежда Добычина — первая русская галеристка, коллекционер и организатор выставок. Известна, прежде всего, тем, что в своем Художественном бюро в 1910-х гг. представила миру до сих пор вызывающий бурные обсуждения «Черный квадрат» К. Малевича.
Добычина пришла в культуру в знаковый для русского импрессионизма момент: революция еще не произошла, а наследие XIX в. в лице строгих академических канонов практически растворились, уступив место экспериментам по смешиванию красок и света.
Посмотрите, как падает отблеск костра на одежду мальчика на полотне Б. Кустодиева «Ночное. Костер» (1916). Такое чувство, что ты сам греешься этим теплом. А еще — что автор добавил в свою картину волшебства.
А вот картина «Лето» Н. Богданова-Бельского (1911). Это уже основная экспозиция, но посмотрите на игру тени и света! Полное ощущение присутствия в картине, правда? А сколько деталей, сразу и не заметных, но таких нужных и дополняющих друг друга...
Знакомлю вас и с моим безусловным фаворитом в экспозиции — «На Лаго Маджоре» Н. Дубовского (1895). Современники недаром называли мастера поэтом в живописи: я стояла у маленького полотна, наверно, минут 15, пытаясь «прочитать» его.
И я от всего сердца рекомендую вам попасть в музей, чтобы посмотреть на это чудо. Здесь не очевидно, но море на картине — живое, а туман — мягче сахарной ваты, и это чувствуется.
Разумеется, у меня еще много фото, но показывать их все здесь не буду: почитайте о выставке на сайте музея, а лучше — по возможности — придите сюда, чтобы увидеть все своими глазами.
Музей небольшой, картины расположены на 3 компактных этажах, а на верхнем есть кофейня, где можно отдохнуть и порефлексировать. Да и сама территория фабрики «Большевик», где расположен музей, — сплошная фотозона.
Я хотела заинтересовать вас этим местом и, надеюсь, у меня получилось. А теперь, как и обещала, арт-терапевтическая практика.
Как научиться чувствовать картины?
Я всегда смело заявляю, что искусство может быть близко каждому.И уточняю — каждому, кто захочет этого.
Разумеется, не все мы глубоко разбираемся в искусстве, и это одна из причин сказать: «Да что мне делать в музее, если я там ничего не понимаю?». Задав такой вопрос, вы в праве отказаться от похода или все-таки порадовать своего внутреннего творца и пойти на встречу с прекрасным.
Во втором случае усилить эффект можно, к примеру, взяв гида. С грамотным, увлеченным специалистом вам все станет понятно, и культурная программа будет для вас в удовольствие. Но ведь искусство можно не только понимать, анализировать, раскладывать на составляющие, но и... чувствовать.
На этом и базируется арт-терапия. И одним из способов научиться чувствовать художественные произведения я с вами сейчас поделюсь.
Посмотрите на это изображение.
Что на нем? Что сразу бросилось в глаза?
Какие ассоциации оно у вас вызывает?
Какое впечатление от изображения?
Нравится ли вам оно?
Хочется ли вам с ним что-то сделать? Если да, то что?
Считаете ли вы это достойным произведением искусства? Почему да, почему нет?
А теперь посмотрите на это изображение.
Посмотрите на него, лучше чуть издали.
Что видите? Какие впечатления?
Какие эмоции вызывает в вас работа Маневича?
Отличается ли ваша реакция на первую «картину» от реакции на вторую? Почему нет, почему да? И если да, то отличается — чем?
...
Думаю, вы уже поняли, что первое изображение — это фрагмент второго.
И могу предположить, что в первом случае ваши ответы были примерно такими: какая-то мазня; будто ребенок испачкал обои; ничего не понятно; а может, только я не понимаю; прошел бы мимо и не заметил; это точно не искусство или искусство, но для избранных.
Так?
А вот во втором случае, когда вы уже увидели цельный образ, вы, скорее всего, как минимум — согласились, что это работа мастера, а как максимум — положительно ее оценили бы, добавив, что впечатления самые светлые, воздушные, вдохновляющие, и вообще — когда смотрю на этот этюд, в душе у меня расцветает весна.
Повторю: это все мои предположения, основанные на практике. У вас могут быть другие ответы, и это здорово!
Для чего же этот импровизированная практика?
Для того, чтобы вы осознали, что можете прочувствовать любое произведение искусства через призму своего внутреннего творца.
Зачем?
Чтобы разбудить его, если он там, глубоко внутри, заскучал, и внести в свою жизнь новые краски и impressions.
Вот мы сравнивали фрагмент полотна и готовую работу художника-импрессиониста. И на в общем-то одну картину, просто в разных «рамках», у вас, скорее всего, были диаметрально противоположные отклики.
Так или иначе, ваш внутренний художник оживился, а значит, можно прокладывать «мостик в жизнь».
Как подобное повторяется в вашей повседневности?
Как часто вы бросаете дело на полпути, потому что вам не нравится первоначальный результат? Как часто вы обесцениваете свои труды, потому что при ближайшем рассмотрении они похожи на «мазню»? Как часто вы обесцениваете себя самого, потому что попросту чего-то не понимаете, тогда как другие, более просвещенные... (продолжите сами).
И как часто вы, словно сняв с глаз пелену, вдруг видите ту или иную ситуацию в совершенно новом свете? Не важно, происходит это спустя время или при помощи кого-то извне.
«Ох, я думал, здесь никаких перспектив, а гляди-ка — это такой ресурс, такая красота, такое богатство!»
Подумайте, когда случались с вами подобные озарения, как вы могли бы их использовать себе в плюс. А, «натренировавшись» в сослагательном наклонении, будьте более гибкими в будущем.
Научившись таким образом разговаривать с предметами своего или чужого творчества, вы уже никогда не будете чувствовать себя одиноко и неприкаянно в музеях, галереях, на выставках и т.д.
А начать разморозку внутреннего художника рекомендую с простейшего: попробуйте порассматривать те же картины по частям — и только потом, отследив свои мысли, складывайте единую картину.
Удачи! И новых, самых добрых впечатлений.
- Подписаться и получать еще больше вдохновения — здесь >>>
- Поставить лайк, если статья понравилась — чуть ниже.
- Вдохновиться на творческое свидание с собой — мысленно облокотившись на окно от автора «Девочки с персиками»:
Понравилась прогулка?
А практика?
Всегда рада вашим комментариям :)
