Визиты в Эрмитаж уже вошли в привычку. Я научилась слушать, понимать и даже немного разбираться в искусстве, насколько это возможно человеку с аналитическим складом ума. Да, мне сложно, иногда не понятно и запоминается все очень трудно. Но и работы художников можно структурировать, проследить закономерности, понять, почему они так видят. Сейчас мы переходим к изучению европейского искусства XIX-XX. Новое направление, которое не сразу всем стало понятно, но обладающее исключительной ценностью в наше время. Да и не все мои современники оценят эти работы. «Намазали что- то», «я тоже так могу», «да что это за искусство, мой ребенок лучше нарисует»- такие реплики можно слышать и по сей день. Попробуем разобраться.
Я запускаю эту статью по свежим впечатлениям, вне очереди цикла абонемента. К сожалению, я серьезно опаздываю. Но импрессионизм- это мгновение, он не терпит ожидания. Поэтому, мы пока пропустим эпоху Рубенса и Рембрандта, и переберемся в Главный штаб. Коллекция Морозова и Щукина, поделенная между Эрмитажем и музеем имени Пушкина, в той части, которая осталась в Петербурге, прописана именно тут. Занятие с научным сотрудником Эрмитажа.
Картины часто гастролируют, и даже на момент нашего визита некоторые из них уехали в Казань на выставку.
Как же зародилось новое французское искусство?
Моне.
В один прекрасный день 1865 года, Клод Моне уничтожил собственную признанную работу «Завтрак на траве», разрезав ее после выставки на куски. Этот «Завтрак на траве» до нас не дошел. Судя по описанию на полотне изображена была модная в то время тема: лужайка, люди в современных одеждах, пикник, белая скатерть, написанная белилами. Это была признанная работа, которая была отобрана Парижской выставкой и успешно ее прошла. Что побудило автора к уничтожению полотна, мы можем только догадываться. Далее напишут, что по мнению Моне ему не удалось передать ощущение летнего дня. Для него это был брак. До этого момента писали на улице только как наброски, потом уносили в студию, где прописывали ее уже детально.
Сейчас художник вышел на пленэр.
Слово «пленэр» происходит от французского en plein air, что переводится как «на открытом воздухе». Простыми словами, пленэр — это рисование на природе.
Первая его работа, которая вызвала скандал. Клод Моне «Дама в саду».
Публика к такому не привыкла. Картина должна быть построена как театральная сцена, главный герой в центре, детали прописаны, все четко и понятно. Здесь же в центре – дерево с полным отсутствием деталей, дама, как личность, совершенно не интересна, хоть писал он даму с жены своего кузена. Скорее интересно ее платье. Какого оно цвета? Серого, синего, золотого, но мы однозначно скажем, что дама в белом. В картине нет ни грамма белил. А теперь вспомним уничтоженную автором картину? По описанию современников главным акцентов на картине была скатерть, выполненная белилами. Отсутствие тщательно прописанных деталей на картине, автор объясняет, что его подход к работе связан с особенностями человеческого глаза. Смотря вдаль мы действительно не видим четких деталей, картинка все больше размывается. Да, картины импрессионистов действительно прекрасно воспринимаются издалека, мы видим, как видел это мгновение художник. Помимо того, что художники перестали писать в мастерских, выход на пленэр изменил и размер картин. С полотном в 6 метров на улицу не выйдешь. Конечно это было революцией в искусстве, полотна воспринимались критиками как черновик, набросок, эскиз, кухня, заготовка, но никак не законченная картина.
В 1870 году политические события во Франции вновь оказали влияние на развитие искусства. Франция вступила в франко- прусскую войну. Наши художники были молодыми мужчинами, подлежавшими мобилизации. Но Моне и Ренуар не видели себя с оружием в руках. Они творили искусство. Друзья уехали в Лондон.
Английский художник Тернер внушил им идею, что лучше всего игра света происходит там, где есть вода. Но на воде надо работать очень быстро, освещение меняется, меняется картина. Значит надо отрабатывать новый живописный прием. Появляется прием раздельного мазка.
Раздельный мазок — это особый живописный прием, при котором художник не накладывает краски одну на другую, и не смешивает их в процессе письма. Каждый мазок кладется отдельно. Такой техникой письма достигается эффект «мозаики».
Клод Моне. «Сена в Руане».
Свет, будучи отраженным в воде меняет свое качество. Свет усиливается, экзальтирует.
Конечно, картины, которые называли кухней художника, на выставки не допускали. Картины должны быть дописаны в студии. Но мы помним, что Моне нужен миг. В студии ощущение моментальности пропадает. Нет выставки, нет имени, нет продаж. Как жить?
Художники решились сделать собственную выставку. Сняли помещение в центре Парижа на Бульваре Капуцинок. К слову, оно им досталось практически бесплатно.
Здесь с 15 апреля по 15 мая 1874 года проходит первая выставка импрессионистов.
Разгромные, статьи, насмешки, разоблачения- да, импрессионизм выходил в мир через непонимание. Разгромная статья журналиста Луи Леруа дала начало названию этого направления. Ведь импрессионизм, как термин, появился не сразу. Сатирическая статья описывала выставку совершенно разгромными репликами, высмеивая работы. И вот около картины Моне «Впечатление, восход Солнца» родилось понятие импрессионистов. Именно на ней журналист поставил, как он думал, позорное клеймо. Фраза в вольном переводе звучала примерно так: это не художники, это впечатленцы… Импрессионисты- это впечатленцы. Тогда это слово звучало нелепо и насмешливо. Их не понимали.
Но были и заказы. Целая серия картин была написана в период с 1876-1877 гг. специально для украшения замка Роттебург в Монжероне. Заказчиком выступал крупный финансист и меценат Э. Ошеде, человек передовых взглядов, который одним из первых сумел рассмотреть силу искусства художников-импрессионистов.
В Эрмитаже 2 работы этой серии. Клод Моне. «Берег пруда в Монжероне» и «Уголок сада в Монжероне». Пожалуй, это самые любимые мои работы художника. Картины настолько притягательны, что от них сложно отойти.
В чем же секрет. Изображена одна и та же местность, разные уголки пруда в разное время суток. Мы смотрим на местность глазами художника. Но он стоит не на земле, точка зрения чуть выше. Откуда автор писал сюжет? Ведь мы знаем, Моне ловил мгновение, свет. А на эти х картинах понятно, что свет может мешать видеть. Мы видим его яркость, но он прячет сюжет, освещенные участки расплываются и становятся невидимыми для глаза. Что за этим светом?
Как же художник передает свет? Он использует прием контрастных тонов. Как мы знаем цвета делятся на холодные и теплые. Холодные, когда находятся рядом, гасят друг друга, а чередование холодных и теплых их усиливает. Вот мы и получаем этот эффект яркого света на картине. На переднем плане сада мы явно видим цветы. Но при ближайшем рассмотрении- это только пятна краски, это пятна теплых тонов. Они дают впечатление возбуждения цвета. Какой яркой становится картина. Она живая, дивная, вы становитесь уже частью этого сада и кажется, уже дышите им.
А вы заметили, что на берегу пруда изображен сам меценат и его жена? Они совсем не заметны и стали уже частью пейзажа.
Моне рисует одно и то же место в разное время, при разном освещении. Получается совершенно разное настроение на полотнах, разные цвета.
Возникают серии картин. Особое место в коллекции Эрмитажа занимает серия маковых полей. Мы не сомневаемся, что изображены маки, хотя это просто пятна краски. Цвет цветка не постоянная категория, он меняется в зависимости от освещенности места.
Вторая серия- Лондонская. Возможно эти картины когда- то встретятся вместе, но Эрмитаж обладает самой загадочной из них: Мост Ватерлоо. «Эффект тумана».
Эту картину надо видеть вживую. Ни один объектив не передаст оттенков этого тумана. Он вовсе не серый, он сиреневый, серебряный, голубой, где- то прозрачный, где-то густой. Сквозь него проступают очертания моста Ватерлоо, монументальные, мощные. Моне писал лондонскую серию уже будучи пожилым человеком. В то время 60 лет был достаточно серьезный возраст. Художник уже не мог выходить на пленэр. Он снимает один и тот же номер в гостинице и из окна, в течение 3- х лет, пишет один и тот же вид моста Ватерлоо. Как минимум, это 37 картин.
Почему же до импрессионистов художники выбирали вечные темы? Откуда появилась это желание запечатлеть мгновение? Франция на протяжении несколько сотен лет перенесла массу потрясений. Войны, революции, казни, смена власти. Ни одно из поколений не может вырасти в спокойной стабильной стране. Меняется система ценностей. Человек ценит миг, он не уверен в завтрашнем дне. Он живет здесь и сейчас, и ему ценно именно это.
Но мы слишком увлеклись Моне, давайте перейдем к другим художникам того времени.
Дега.
Особенно известны работы Дега, посвященные театру, изображениями музыкантов, танцовщиц. К сожалению, на момент визита, мы застали в зале только две картины автора. Причем я не видела их ранее. Все танцовщицы разъехались по выставкам. Одна из них тут же, в Эрмитаже, но нашего занятия выставка не коснулась, я зашла полюбоваться работами, выполненными пастелью позже. Поэтому познакомимся с творчеством художника на примере одной картины из залов Главного штаба.
Эдгар Дега. «Площадь Согласия. (Граф Лепик с дочерьми, переходящий площадь Согласия)».
Семья, как основа картины. Но основное в сюжете – это не городской пейзаж, не семейный портрет, это движение. Граф с дочерьми вроде бы и вместе, но все они движутся в разных направлениях, не обращая внимания друг на друга. Кажется, что весь этот треугольник, который придает пока устойчивость картине,через мгновение развалится. Граф уйдет за пределы полотна, девочки выйдут вперед, собака убежит, и второстепенные герои переместятся в центр: человек, обрезанный рамой, выйдет на площадь, всадник переместиться ближе. Опять мы видим миг. Дега был прекрасным портретистом, но в данный момент его не интересует личность.
В отличие от Моне, Дега никогда не писал на пленэре. Он использовал карандашные наброски с натуры, затем работал в мастерской.
Писсарро.
Писсарро был старше на 10 лет остальных импрессионистов. Картины, которые представлены в Эрмитажной коллекции, это уже поздние его работы, когда художник был серьезно болен и писал из окна.
Казалось бы, городской пейзаж, но ни архитектура, ни люди ему не интересны. Ему интересно состояние воздуха, ощущение майского дня, движение, оживление. Он описывает не архитектуру, а атмосферу.
Ренуар.
Наверное, самая известная его работа, «Портрет актрисы Жанны Самари» Достаточно простая история. Художник ходил в театр, увидел актрису, познакомился и написал, как минимум, шесть ее портретов. Но на каждом портрете глаза разного цвета. Опять перед нами не натуралистический облик, а атмосфера. Миг.
У этого портрета интересная судьба. В нем нашли признаки официального парадного портрета и допустили к официальной выставке. Но так ли это? Она не позирует! Она движется. Еще мгновение и она улыбнется, шагнет на встречу, заговорит. Будет другая эмоция. Она живая. У зрителя с ней живой контакт. А посмотрите на ее платье. По последней моде, но у него не прописано кружево. Платье превращено в пену, она как Афродита выходит из нее.
Рельефная юбка как раз и сыграла злую шутку с картиной. Перед выставкой проходит вернисаж. В наше время слово «вернисаж» изменило свое значение, первоначально определение этого события было такое:
Слово «вернисаж» произошло от французского vernissage — «лакировка». Оно восходит к термину vernis, который переводится как «лак» или «лакировать» и который, в свою очередь, произошел от латинского vernix — «лак».
В XIX веке вернисажем называли день накануне открытия выставки, в который художники завершали работу над картинами и покрывали работы лаком. В этот день они приглашали своих друзей или знакомых, которые могли подсказать, чего еще не хватает в экспозиции.
Но Жанна Самари лака не выдержала. Рельеф картины заполнился подтеками и скоплением защитного слоя. Увы, картина потеряла свою воздушность и даже покрылась темными пятнами. Ренуар был в отчаянье. Годами позже, именно в таком виде полотно досталось Эрмитажу. И уже наши реставраторы счищали лаковые фрагменты, но даже после реставрации на картине при ближайшем рассмотрении видны темные точки.
Но Ренуар был амбициозным человеком, ему важно было признание, и он его добился. Новый министр изящных искусств для Люксембургского дворца решил приобрести картину импрессионистов. В то время все причастные к миру искусства знали, что Люксембургский дворец служит своеобразным чистилищем перед тем, как картина попадает в Лувр. Сам Лувр покупал единичные и наиболее ценные работы, но основное пополнение коллекции шло через такие промежуточные точки, как Люксембургский дворец, где картина «отстаивалась». Отсюда шла прямая дорога в Лувр, и выбор министра в осуществлении своего намеренья пал на Ренуара. Поступил заказ на картину на бытовой сюжет, изображающую музыку. Ренуар писал работу 6 раз, и все 6 выставил заказчику. Был выбран самый прописанный сюжет. Эрмитаж же хранит одну из оставшихся работ. Это не акварель. Это масло, но насколько прозрачно ложатся краски. Вот это ощущение прозрачности и было основой сюжета. Ведь музыку нельзя увидеть, а картину нельзя услышать. Картина передавала ощущение музыки.
Ренуар стал первым признанным художником из импрессионистов.
Огюст Ренуар. «В саду».
Картина- иллюстрация автобиографического сюжета. На картине пара, одетая в городские одежды, не богатые. Скорее всего они относятся к средней буржуазии. Они где- то гуляли, и это загородная прогулка, на столе полевые цветы. Мужчина вроде бы пристает к даме, но мы видим обручальное кольцо, это его невеста, они обручены. Также выпавший крестик на ее шее- символ чистоты его намерений. Это его невеста. Невеста Ренуара.
Ренуар прожил долгую жизнь. И его ждал героический и трагический конец. Он тяжело заболел. У него развился артрит, причем художник не мог держать кисть. Но он не мог не рисовать. Каждый день цветочница приносила ему букет. Кисть прибинтовывали ему к руке, и он продолжал творить. Каждое движение кисти видно на полотне. Кроме того, у мастера развилась глаукома, при ней меняется восприятие цвета, он не видит нежные тона. Зрелые, яркие, пышные букеты притягивают внимание. Они объемные, живые, их хочется рассматривать.
Удивительно, но именно перед полотнами импрессионистов многие гости музея замирают. Они притягивают, манят, завораживают. Когда я впервые увидела эти полотна, еще даже не зная ни имен авторов, ни всей их истории, я там зависла, просто не могла оторваться.
Но нам надо двигаться дальше.
Сезанн.
Сезанн уже не был импрессионистом, но был знаком с ними. Его творчество относят уже к постимпрессионизму. Отец его был жестким и целеустремленным человеком, от шляпного мастера он поднялся до успешного ростовщика. Настаивал, чтоб сын выучился на юриста. Сезанн юристом быть не хотел, но отца он боялся и ослушаться его не мог. Мать и сестра, видя, как он мучается, решили поговорить с отцом, и отца умолили. Отец разрешил молодому Полю «губить себя и быть художником».
Сперва художник работал плоскими пятнами цвета, он вводит в картину жесткую геометрию. Картины мрачны и даже трагичны, от них веет тоской. Поль Сезанн «Девушка у пианино». На картине мать и сестра художника.
После переезда в Париж, меняется колорит его картин. Появляются пейзажи.
Но что это? Это не вода, а застывший клей, нет ни намека на стволы или ветки деревьев. Небо совершенно неподвижно.
Сезанн был верующим человеком. Он считал, что художник не должен бежать за внешней изменчивостью мира, он обязан поймать божественный замысел и должен воссоздать его в картинах. Он как строитель, имеющий один инструмент- краски, мазок за мазком строит этот мир, воссоздает божественный замысел внутри рамы. С импрессионистами Сезанн не договорился, ему пришлось вернуться к родителям, и у художника случилась депрессия. Он запустил себя. К тому же, начал лысеть. В это время художник пишет свой автопортрет в каскетке.
Художник уединился на юге Франции в Экс-эн-Провансе. И в одиночку стал искать новый метод в живописи, который позволит ему достичь «целостности формы и пространства». Гору святой Виктории Сезанн напишет минимум 57 раз. Сезанн изображает ее не так как видит, гора совсем другая. Он убирает кустарник, делает гору голой, подтягивает ее к форме конуса. У него получается, как бы, два этажа. Гора- символ божественного, Бог зовет в гору, и мир преображается. Художник не ловит миг, он рисует философскую картину.
Следующая картина- это портрет Сезанна, выполненный Сезанном, но это не автопортрет. Сезанн сделал копию с работы Ренуара, но подтянул ее к своим идеям. Это даже не портрет, это его философское восприятие самого себя. Голова неестественного цвета, форма странная. Все складывается, когда ты понимаешь- это земной шар.
Гоген
В следующем зале мы знакомимся с творчеством Гогена.
В Эрмитаже нет работ Гогена, написанных во Франции. Все представленные картины относятся к периоду его творчества на Таити.
Гоген стал профессиональным художникам только к своему 40- летию. Он сторонник чистых и ярких красок.
В то время европейцы относились к таитянам с презрением, он же показывает чистоту их нравов, с которым он не сталкивался в Европе. В своих картинах он не передает фактуру, ему важен цвет, сказка, вымысел. Он сам дает характеристику своим работам и сравнивает их со средневековыми витражами. В витраже, когда он пропускает солнечный свет, сюжет очень сложно разглядеть, но он прекрасен своим сиянием, сказочностью, цветом. В Витраже нам важен цвет, а не история.
Он много пишет свою таитянскую возлюбленную- молоденькую девушку лет 13. По местным обычаям она была его жена.
Поль Гоген. «Женщина, держащая плод». Подруга художника изображена в позе античной богини, ее стать, образ, плод в руках, подобный глиняному кувшину. Цвет ее тела- золоченая бронза.
В следующей картине опять она. Поль Гоген. «Месяц Марии». Поэтизированный образ, золотой фон, как у средневековой иконы, цветы у ног. Отсыл к деве Марии.
Поль Гоген. «Младенец (Рождество)». Опять та же девушка, но уже с младенцем. Ангел. Рождество. Но таитяне не христиане. Гоген пишет ангела таким, каким бы он мог быть на Таити. Это его фантазия. Но картина имеет грустный подтекст. Ребенок выглядит странно. Младенец, рожденный его возлюбленной, умер через несколько недель после рождения.
Не перенес местного климата и сам Гоген. Иммунитет европейца не смог справиться с местными вирусами. Инфекция была сильнее художника. По одной из версий, он покончил с собой, по другой, умер от сердечного приступа. Эрмитаж рассказывает версию с местной болезнью. Но не будем рыться в приватности жизни художника.
А уехал на Таити Гоген после ссоры с нашим следующим героем.
Ван Гог.
Гоген был знаком с Ван Гогом, который хотел организовать колонию художников в Арле. Именно туда он и пригласил своего товарища. Все финансовые расходы брал на себя брат Ван Гога Тео. Для Гогена это была хорошая возможность вырваться и пожить без всяких забот.
Но взгляды художников разошлись. Гоген начал руководить Ван Гогом, преподносить себя как учителя. Ван Гог, уже страдавший в то время психологическим расстройством, не смог этого вытерпеть. В какой-то момент он накинулся на Поля Гогена с ножом.
После этого случая Гоген, принял решение уехать на Таити. А болезнь Ван Гога усугубилась и привела художника к известной истории с отрезанным ухом.
Ван Гог по- происхождению был голландец. Но работы, которые принадлежат Эрмитажу, были написаны во Франции. Поэтому картины Ван Гога относятся к Французской коллекции.
Винсент Ван Гог. «Арена в Арле». На полотне изображена коррида. Бой на арене автору не интересен. Пятнами цвета художник показывает возбуждение толпы. И мы действительно это чувствуем.
Ван Гог попадает в психиатрическую клинику в удрученном состоянии. На какое- то время ему становится лучше, и ему дают краски. Он пишет свой знаменитый «Куст». Да, все в картине стремится вверх. Рука художника идет вверх. В творчестве виден подъем, оптимизм, надежда на выздоровление.
Одна из последних работ Ван Гога. «Белый дом ночью». На первый взгляд мирный бытовой сюжет, но от картины веет тревогой. Красный беспокойный свет в окнах. Черное окно. Люди в черном. А при ближайшем рассмотрении в проходящей мимо женщине мы видим смерть. Она вышла из дома и проходит мимо. Пока она пройдет мимо.
Очень скоро Ван Гог покончит с собой.
Век, который дал начало новым течениям, скоро сменит еще более богатый на события и глобальные перемены, век XX. На следующих занятиях нас ждут Пикассо и Матисс, оба мастера для меня сложны в понимании. Тем интереснее будет встреча.
