Все точки над Искусством

Галка в мифологии Галка с пронзительными голубыми глазами относится к воробьинообразным, она отличается смышлёностью, отличной памятью и адаптивностью. Такая птица неплохо чувствует себя в городе, наверное, поэтому сейчас её встретить можно так же часто, как и воробья или голубя. В мифологии галки тоже встречаются. Согласно западно-славянским преданиям, данные птицы способны защитить от тёмных сил, являясь в то же время их помощниками, поэтому часто делают талисманы в виде галок, а девочек называют в их честь. В Европе считается, что встретить одиночную галку - это к чему-то плохому или даже к смерти, а увидеть стаю - к богатству или пополнению в семье. В польской легенде говорится, что галки - это щепки, упавшие с дерева, из которого сатана пытался сделать волка. Также галка упоминается в культуре и литературе, например: Эразм Роттердамский в своём списке античных пословиц и поговорок привёл афоризм: «Тогда лебеди запоют, когда галки умолкнут». В «Слове о полку Игореве» (около 1185 года) галка упоминается трижды. Эзоп сделал галку героиней нескольких басен: «Орёл, галка и пастух», «Галка и голуби», «Павлин и галка» и другие. Эдуард Успенский в повести «Дядя Фёдор, пёс и кот» включил говорящего галчонка по кличке Хватайка. Ещё мы знаем галчонка, который оказался Фениксом из "Зверского детектива" Анны Старобинец Но в принципе галку не слишком любили изображать в мировом искусстве помимо энциклопедий она почти не встречается. А жаль. Птичка хорошая и интересная. Нужно будет популяризировать её образ. У меня есть пока целых две картины, где она присутствует.

Петух — частый мотив в искусстве Японии. В традиционных представлениях Дальнего Востока эта птица символизирует солнце и витальную силу. Изображения петуха встречаются в разных областях японского искусства: живописи, гравюре и скульптуре. На самом деле образ Петуха мы с вами разберем в год Петуха он широко распространён в культуре по всему миру, но сегодня я хочу немного поговорить конкретно про Японию (хотя в Китае это тоже очень важный символ да и по всей Азии) но мы рассмотрим точечно. Петух в Японии – символ благородства, мужества, воинской доблести, чести, отваги и уважения. Он изображен в различных формах, в том числе и на тайле 1 соу в японском риичи маджонге. Петух – главный герой многих легенд и преданий, в которых он выступает как символ верности и доблести. Восточная культура придает петухам особое значение, рассматривая их как символ ярости и силы. Согласно традиции, петухи приносят удачу и защищают от невзгод, что делает их символом уважения и благосклонности к ним. Это мощный символ, который на протяжении многих столетий имеет особое место в японской культуре. Это связано с мифом о богине Аматэрасу (кому будет интересно можете почитать) Япония также знаменита своими дзянсо - местами, где можно провести время в казино. Данное место для развлечений снабжено различными предметами, от покерных карт до настольных игр, но важными атрибутами являются рисунки на стенах и игровых столах. Один из таких символов – изображения петуха, который становится неотъемлемой частью внутреннего оформления дзянсо в Японии. Изображения петухов могут быть найдены на всех видах азартных игр, включая разнообразные версии маджонга. Маджонг, по своей сути, является игрой, которая требует много азартаи удачи. Игроки часто настолько зацикливаются на успешных играх, что могут быть ошеломлены выигрышем. Таким образом, игроки, получившие наибольшее количество побед, становятся особыми людьми в маджонг-сообществе. Во многих дзянсо лучшие игроки получают почетный титул «Петух». Этот титул настолько уважаемый, что многие из них получают его на всю жизнь, что делает его все более и более желанным для многих претендентов. Что же до искусства? Живопись Ито Дзякутю (1716–1800) прославился детальными и выразительными изображениями птиц, особенно петухов. В его работах сочетались изящество традиционных техник предшественников и свежие, чёткие декоративные элементы. Некоторые работы Ито Дзякутю с изображением петуха: «Петух и курица на фоне гортензий» (XVIII век); «Петухи под пальмами». Серия Döshoku Sai-e («Цветной мир живых существ») — тридцать свитков, расписанных яркими красками по окрашенному шёлку, на которых были изображены растения, насекомые, птицы, рептилии и рыбы.Гравюра Гравюра Судзуки Харунобу с изображением петуха, например, сцена, где влюблённые пытаются подпоить птицу саке, чтобы петух проспал рассвет и не разбудил всех кукареканьем. Работа Судзуки Харунобу «Молодая пара и мальчик с петухом». Скульптура Скульптура Саэгуса Сотаро (1911–2006) с изображением петуха. Например, окимоно «Петух» — фигура из металла, цветное патинирование, высота — 17 см, длина — 13 см. В фигуре сочетаются декоративная стилизация и обобщённость, характерные для традиционной японской пластики, и современная форма. Бронзовая скульптура Саэгуса Сотаро с изображением петуха, период — 1960–1970-е годы. Высота — 18,6 см, ширина — 16,3 см, длина — 15,3 см, вес — 1370 г.

ЕВА ИЛЬВЕС - резидент Галереи- клуба AVART ВОЛШЕБНАЯ ЛЕКЦИЯ в рамках новогодней ярмарки "Все мы немного лошади " 20.12 начало 15.00 Московский проспект, 20 Продолжительность около 1.5 часов Количество участников - 9 Бронь участия обязательна- сообщение WhatsApp или Telegram +7 952 394 17 32 Алина Стоимость 700 рублей О чём будем слушать и говорить: 🐎Символизм лошади От наскальных рисунков до Наших дней 🐎Лошади в классическом и современном искусстве 🦄Мифы и легенды связанные с лошадьми. 🦄А какие ещё бывают лошади? 🐎🦄Иппический жанр что же это? #кудосходитьпитер #лекцииспб #ева_ильвес

«Берег во время бури» — картина русского художника Григория Григорьевича Чернецова, написанная в 1841 году в жанре морского пейзажа. Изображён ночной морской пейзаж с высоким гротом, человеком в тёмно-красной одежде и собакой. Чернецов использовал метод натурных эскизов и этюдов, подчёркивая точную перспективу и детальную композицию. Эскизы служили основой масштабных полотен в традициях академической школы, отражая документальную точность и художественную постановку. История создания Картина создана на основе впечатлений от путешествия Чернецова по Волге в 1838 году. Художник хотел запечатлеть виды обоих берегов Волги, сделать наброски и создать картину на волжскую тему. Передний план — высокий тёмно-коричневый грот с двумя отверстиями: большим, выходящим к воде слева, и меньшим — справа. В центре грота полулежит в воде человек в тёмно-красной одежде, его голова повёрнута назад в сторону моря. Слева, на выступе скалы, стоит крупная собака как символ верности и надежды. Вода у входа в грот имеет сине-коричневый оттенок, а на левой стороне залива — желтоватый тон от лунного света. Над сводом грота свисают ветви зелёного кустарника. На среднем плане изображено волнующееся море зелёновато-синего цвета; по левому борту виден небольшой корабль со снятым парусом. На заднем плане проступают скалистые берега, а в центре, за чащей деревьев, заметна полоса света от костра. Небо занято тёмно-серым покрывалом облаков, при этом слева облака подсвечены луной. «Берег во время бури» хранится в Тамбовской областной картинной галерее. Размер — 67,5×99 И теперь нас ждет пост о Фридрихе и его судьбе. А потом мы перейдем к новому герою!

Трагическая история, легшая в основу создания потрясающей картины Максима Никифоровича Воробьева «Дуб, раздробленный молнией» Эту картину я нежно люблю и восхищаюсь. (Настолько сильно что искала с ней любой мерч и нашла! Но думаю о приобретении репродукции..) Картина была представлена на выставке Фридриха. Уже в завершающей части и на неё как и всегда люди обращали внимания очень и очень мало. Зря Максим Никифорович Воробьёв (1787-1855), был одним из ведущих русских художников-пейзажистов первой половины 19 века, автором пользовавшихся большим успехом городских и морских видов в стиле мягкого романтизма. При жизни его называли «знаменитейшим из русских живописцев» и считали «отцом русской пейзажной живописи», что совершенно справедливо. В 27 лет он стал академиком, в следующем году начал преподавать, позже получил звание профессора, а потом и заслуженного профессора. Кроме всего он был педагогом и каким! Именно он воспитал целое поколение великих русских живописцев, посвятив этому 40 лет жизни. Среди его учеников - И.К. Айвазовский, А.П. Боголюбов, Л.Ф. Лагорио, И.И. Шишкин и многие, многие другие. Но вы уже можете оценить масштаб мастерской. И всё благодаря таланту живописца и педагога Максима Никифоровича Воробьева. И всё бы было благополучно, если бы в 1840 году в жизни художника не произошла трагедия - внезапно скончалась любимая супруга художника. Клеопатра Логиновна, урождённая Шустова (1797-1840)Ее смерть буквально сломала Максима Никифоровича. Он страшно переживал и как говорили его современники «впал в присущие русскому народу излишества» картину он расписал спустя 2 года после потери любимой... Сюжет перекликается со стихотворением русского поэта-декабриста В. Ф. Раевского «Картина бури», написанным в 1820-х годах (кому интересно предлагаю ознакомиться) Именно в этот трагический период своей жизни художник написал картину, которая, вероятно, увековечила его имя среди ценителей живописи. Картина эта называется «Гроза или Дуб раздробленный молнией». В нее художник вложил всю душу, весь свой талант. И получилось нечто необычайно сильное. Картина наполнена глубоким философско-символическим смыслом. Мастер создает сложную символическую композицию. Огромный старый дуб, неистовство стихии, густой мрак, грозовые тучи, сполохи молний рождают у зрителя цепь необходимых ассоциаций. Природная стихия уподоблена бурным скорбным чувствам художника. Ствол склонившегося над потоком старого ветвистого дерева воспринимается как фигура человека, который всегда стоит над пропастью неизвестности. Молния ассоциируется с ударом судьбы, который разбивает жизнь автора на счастливое «до» и горестное «после». И мало кто замечает в глубине картины бегущую по направлению к бездне женщину… Сам художник именовал картину «Буря». Под этим названием полотно экспонировалось на выставке Императорской Академии художеств в 1842 году и было разыграно в лотерее Общества поощрения художников Сейчас картина принадлежит Третьяковской галерее

Знаменитая гроза, разразившаяся в Петербурге в ночь перед открытием Александровской колонны.Раев изобразил знаменитую грозу, разразившуюся в Петербурге в ночь перед открытием Александровской колонны — памятника Александру I. Сейчас мы с вами поговорим о дополнительных материалах и картинах, которые были представлены на выставке и до декабря разберемся (хотя бы на время с Фридрихом. А там перейдем на новые выставки) Особенности композиции: Грозовые разряды выхватывают из окружающей ночной тьмы ствол колонны и задрапированные рельефы на её цоколе. С графической чёткостью выявляют силуэт венчающей скульптуры — ангела. Контраст между яркими всполохами и молчаливой строгостью тёмной фигуры ангела — основа сюжетной драматургии картины, придающей всей сцене метафорический подтекст. Раев вспоминал, что накануне открытия колонны ночью была сильная гроза: молния ежеминутно озаряла весь Петербург, гром гремел без умолку. Вы можете найти множество воспоминаний из дневников: какое влияние ЭТА гроза оказала на умы художников, поэтов и писателей) всё небо задернулось громовыми тучами, наконец запылала гроза; молнии за молниями, зажигаясь в тысяче местах, как будто стояли над городом, <...> и в этом беспрестанном, быстром переходе из мрака в блеск чудесным образом являлись и пропадали здания и сверкала громада колонны, которая вдруг выходила вся из темноты, бросала минутную тень на озаренную кругом ея площадь, и вместе с нею пропадала…». Отзывы Раев предположил написать картину, чтобы полюбоваться эффектом грозы: пьедестал колонны был закрыт полотном, которое намокло от дождя и от сильного ветра живописно драпировало весь пьедестал. При блеске молнии видно было, как полотно обрисовывало изваянные на нём фигуры. 30 августа 1834 года в Петербурге произошло событие, волею монаршей власти превратившееся в многолюдное действо и долго потом отзывавшееся в литературно-художественной среде. В этот день на Дворцовой площади была открыта и освящена сооруженная по проекту Огюста Монферрана Александровская колонна — памятник Александру I. Торжество удостоили своим присутствием император и члены царской семьи. Здесь же выстроившаяся многотысячная гвардия превратила церемонию в грандиозный военный парад. Александровская колонна (Александрийский столп) в Санкт-Петербурге не «стоит во время грозы», но в ночь перед открытием памятника (30 августа 1834 года) в городе была сильная гроза. Это событие изображено на картине В. Е. Раева «Александровская колонна во время грозы» (1834). Колонна воздвигнута по указу императора Николая I в честь победы его старшего брата Александра I в Отечественной войне 1812 года. История Идея создания принадлежит Николаю I — он хотел установить памятник победителю Наполеона Александру I. В 1829 году был объявлен конкурс на лучший проект, победу одержал Огюст Монферран. Материал для колонны — розовый гранит, вырубленный из скальной породы в Финляндии. Скалу заранее наметил Монферран: ранее в этих местах были высечены колонны Исаакиевского собора. Торжественное открытие колонны состоялось 11 сентября (30 августа по старому стилю) 1834 года. Ствол колонны стоит на гранитном основании без дополнительных опор только под действием силы тяжести. Пьедестал украшен с четырёх сторон бронзовыми барельефами. Памятник венчает фигура ангела работы Бориса Орловского: в левой руке ангел держит четырёхконечный латинский крест, а правую возносит к небу. Символика Ангел с крестом — христианская аллегория: «сим победиши» (крест как знак Победы). У подножия креста — змей, символ побеждённого зла и войны. Жест фигуры — благословляющий мир. Легенды Существовала легенда о том, что при первом же сильном порыве ветра колонна немедленно обрушится — колонна держится исключительно под действием собственной тяжести. Чтобы убедить петербуржцев в безопасности сооружения, Монферран каждое утро со своей собачкой прогуливался по площади.

Последний Фридрих, но не последняя картина выставки. А потом мы с вами поговорим о Фридрихе, как о человеке, художнике и его наследии. Ускоряемся, друзья. «Крест в горах» (также известен как «Теченский алтарь») — картина немецкого художника Каспара Давида Фридриха, написанная в 1808 году. У нас же представлена копия неизвестного автора, завершающая всю выставку такой невероятной доминантой! Оригинал картины в Дрездене в галерее новых искусств. Нужно сказать, что изначально картина не предназначалась для церкви. Но когда рисунок, сделанный в технике карандаша и сепии, увидела графиня Терезия фон Тун-Хоэнштайн, она заказала оригинал для католической часовни своего замка в Течене (Богемия). С того времени за работой укрепилось название «Теченский алтарь». Чтобы добиться правильного ракурса, Фридрих обустроил в своей мастерской копию престола, на котором будет стоять картина. На холсте изображён золотой крест с силуэтом распятого Иисуса в профиль на скале на вершине горы, окружённый елями внизу. Крест, обращённый к солнцу, достигает самой высокой точки на картине, но изображён наклонно и издалека. Особенности: Изобразительное пространство почти двумерное, и из-за отсутствия какого-либо элемента переднего плана сцена кажется удалённой от зрителя и находящейся на большой высоте. Свет из-за креста затемняет ту часть горы, которую видит зритель. Низкое солнце может восходить или заходить; его пять стилизованных лучей движутся вверх, и один из них освещает Христа. У основания креста растёт плющ ( вечно зелёный и не знающий смерти, символизм вы понимаете). В основании Око Божье находится внутри треугольника с пшеницей и виноградной лозой — символами Евхаристии. Готические колонны, поднимающиеся вверх по каркасу, поддерживают пальмовые ветви, из которых выходят пять ангелов со звездой над центральной. Смысл: по словам автора, вознесённое над землёй Распятие — это аллегория, смысл которой в «умирании мудрости старого мира». Бог ушёл, земля без Него опускается во мрак. Спасением для всех остаётся вера, которая должна быть прочна, как скала и неизменна, как еловая хвоя. Идея использовать пейзажную композицию в качестве алтарного образа была по тем временам революционной, тем более что пейзаж в начале XIX века считали «низким» жанром живописи. Это вызвало очень много критики и споров вокруг картины. Критика обвиняла Фридриха в том, что пейзажная живопись «прокрадывается в церкви и пробирается на алтари» и что христианское учение низводится до аллегории. Однако у картины были и приверженцы, увидевшие здесь «средоточие высшего духовного устремления». Лично я считаю эту картину наполненной мистицизмом, искреннеей верой и невероятным по своему новаторству произведением искусства созданным для алтаря.

«Исполиновы горы» (второе название — «Воспоминания об Исполиновых горах») — картина немецкого художника Каспара Давида Фридриха (1774–1840). Это один из типичных примеров пейзажей, созданных в рамках романтизма. 29 на 40 см Принадлежит Эрмитажу. А тем временем мы прошли почти всю выставку. Ещё пара постов и потом у нас биографический пост и мини видео с самым интересным! История создания В 1810 году Фридрих отправился в путешествие по Исполиновым горам (Крконоше — горный массив на территории Польши и Чехии) и сделал множество натурных зарисовок, которые использовал спустя десятилетия. Картина написана около 1835 года. Фридрих создал собирательный образ местности у истока Эльбы, поэтому полотно имеет второе название. В 1835 году картину приобрёл Дрезденский художественный союз, но после розыгрыша в лотерее обладателем пейзажа стал русский коллекционер Пётр Дурново. Из его собрания в 1925 году картина была передана в Государственный Музейный фонд, а затем — в Эрмитаж. Смысл Вид конкретной местности преображается у Фридриха в собирательный образ природы, захватывающей своей грандиозностью и бесконечностью. Пейзаж пронизан томительной устремлённостью вдаль, к горным вершинам, тающим в лучах утреннего солнца. Природа предстаёт у Фридриха как бы между человеком и Богом. По выражению современников, Фридрих искал в пейзаже «мировую душу», искал в каждом уголке природы действие сил, лежащих в основе мироздания.

Каспар Давид Фридрих "Закат солнца" (Братья) Итак, друзья я вновь на связи. У нас осталось совсем немного до окончания цикла о Фридрихе и потом вас ждёт сразу 2 классных новости. Я сделаю краткое видео о Фридрихе и большой пост. «Закат солнца» («Братья») — картина немецкого художника Каспара Давида Фридриха, написанная в период между 1830 и 1837 годами. На картине изображены двое мужчин, смотрящих на морской пейзаж во время захода солнца. Оба путника одеты в похожие традиционные немецкие костюмы, они также выглядят похожими, представляя общий опыт, которым они живут. В конце своего путешествия они восхищённо и неподвижно наблюдают за природой и глубоким пространством, которые открываются перед их глазами. Размер: 25 × 31 см. Здесь отображена одна из важнейших тем для романтизма Фридриха: братство, духовное единство, способное связать людей сквозь расстояния и даже победить смерть. Название картине было дано хранителями Эрмитажа по аналогии с работой, экспонировавшейся на выставке в Кенигсберге в 1832 году После Октябрьской революции картина находилась в частных коллекциях в Ленинграде. Приобретена у А. И. Шустера в 1966 году Эрмитажной закупочной комиссией. В коллекции рисунков Эрмитажа есть сепия «Восход Луны» («Двое мужчин на берегу»), почти полностью идентичная по композиции картине. Эта сепия была создана в 1837–1839 годах и, вероятно, являлась прообразом будущей картины. В собрании рисунков Государственных музеев Берлина есть карандашный набросок Фридриха «Двое мужчин в плащах», созданный в 1815–1818 годах и послуживший основой для последующей картины.

Руины монастыря Ойбин (Мечтатель) 1820—1840 Каспар Давид Фридрих Эрмитаж, Санкт-Петербург Одна из самых знаменитых картин художника представленных на выставке. Руины монастыря Ойбин (нем. Oybin) — достопримечательность горы Ойбин в горах Циттауэр-Гебирге, недалеко от одноимённой коммуны Ойбин. Расположение: руины находятся на вершине горы, высота — 514 м (и вы до сих пор можете посетить это место!) С 1972 года руины монастыря используются в качестве концертной площадки из-за отличной акустики Картина отражает проблему трагического одиночества и затерянности человека в огромном мире. Задумчивый герой Давид Фридриха, сидящий на основании окна готической руины, некогда прекрасного собора, погружен в себя, его одолевают мысли о прошлом и настоящем, о загадочном будущем своей судьбы. Безымянный мечтатель - своеобразный двойник зрителя, которому Фридрих предлагает мысленно занять его место. Для живописца священна природа, которую он понимает как носительницу глубоких религиозных переживаний, в его картинах она приобретает символическое значение, через неё он отображает свои глубокие эмоциональные переживания.

Андрей Адамович Роллер Пейзаж с замком Германия, Россия, 1842–1843 гг. Да, это не Фридрих, но работа поразившая меня и влюбившая в себя с первого взгляда. Абсолютное волшебство! А. Роллер, уроженец Регенсбурга, получил признание в Вене и Мюнхене, но нашёл своё место в России, где проработал 45 лет. В 1834 году он заключил контракт с Дирекцией Императорских театров в Санкт-Петербурге на должность декоратора и главного машиниста. И если начинал работу он скорее как инженер и специалист по машинерии и освещению, то постепенно всё больше создавал эскизы декораций и самолично исполнял фоны для спектаклей. В 1839 году он стал действительным членом Академии Художеств, а вскоре был пожалован в академики. Осенью 1843 г. «Пейзаж с замком» был показан на академической выставке, а 10 декабря преподнесен императору, за что автор был пожалован драгоценным перстнем. Картина украсила Ропшинский дворец, а в 1928 году был передана в Эрмитаж. Пейзаж, имеющий некоторое сходство с швейцарским городом Фрибург, представляет собой фантазию в духе театральных декораций. Это была распространённая практика: для создания антуража постановок привлекали виды разных городов, эскизы и натурные зарисовки, и реальные пейзажи претерпевали обработку и идеализацию. Можно предположить, что спектаклем, для которого декоратор решил использовать виды Швейцарии, была опера Россини «Вильгельм Телль», поставленная в 1838 году в Большом Театре.