Сегодня мы поделимся с вами мастер-крассом от Анастасии Кустовой из нашего 8-ого выпуска журнала "Пленэр". О творчестве Анастасии вы также можете почитать здесь:
На пленэре для начала я стараюсь найти ракурс и место для работы, с которого изображаемый объект мне нравится больше всего. И очень часто это бывают не самые удобные места (ракурс с воды или с середины дороги), поэтому я стараюсь сделать несколько зарисовок и дополнительные фотографии для того, чтобы потом можно было вспомнить какие-то детали, которые отсутствуют на том месте с которого я начну работу. Выбор ракурса на пленэре действительно является очень важной частью процесса. Если у меня есть возможность , я приезжаю к объекту несколько раз ,чтобы оценить в какое время суток освещение наиболее выигрышно и подчёркивает его форму и ту идею, которую я хочу передать. А если я не могу посетить это место несколько раз, то ищу разные ракурсы в интернете, изучаю гугл карты, стороны света, чтобы понять освещение в вечерние или утренние часы и основательно готовлюсь, чтобы минимизировать стресс во время работы. В этот раз я хочу вам показать работу с маяком , который находится рядом с Кейптауном в Южной Африке, где я недавно была.
Работу я начинаю с тонового эскиза, который часто уже делаю в голове, но именно он помогает мне понять этапы, которыми я буду ввести работу. Начинающим художникам, я рекомендую не проскакивать этот этап, особенно на пленэре, ведь свет меняется, и это отличная возможность сохранить ту идею, которая у вас есть. Также акварель ведётся от светлого к тёмному и благодаря разбору по тону, становятся ясны последовательность заливки и какие участки нужно обязательно оставлять светлыми. В данном случае наш маяк освещен справа и также присутствует много света на камнях на переднем плане. На это я буду обращать внимание. Во время карандашного рисунка я стараюсь опираться на знания о натуре, полученные при изучении светотени, поэтому я добавила деревья вокруг маяка, которых нет в реальности, для того, чтобы подчеркнуть его белизну и объем еще больше и увеличиваю камни на переднем плане, чтобы создать фокус на точке в правой нижней трети листа. Это поможет мне упростить все остальные камни, так как внимание зрителя будет только на ближайших. Линию горизонта я выбираю около верхней трети листа. Это подчёркивает мою идею рассказа о прибрежной зоне с камнями и океане рядом с маяком, а не о небе над ним . Всегда нужно что-то выбирать, потому что перегруженная деталями работа будет выглядеть, будто вы надели все ваши самые красивые наряды сразу. Помните: не важно на сколько хорош каждый объект по отдельности, важно, как они смотрятся в целом.
Я смачиваю бумагу 100% хлопок с двух сторон. Так как на пленере много солнца, а ещё чаще присутствует ветер, который очень сильно сушит лист это очень сильно облегчает мне работу и дает больше времени для работы по-сырому. Прежде, чем рисовать небо, я рисую тёмную нижнюю часть облаков: здесь я смешиваю более холодные цвета и добавляю больше тёплых ближе к горизонту. Вся работа основывается на паре синий и жёлтый цвет, потому что у нас дневные часы. Но, для того чтобы сохранить реализм, нам необходимо использовать все цвета спектра, в том числе и более оранжевый, фиолетовый и зелёный просто в меньшей степени. На этом этапе я оцениваю уровень влажности листа по растеканию краски: если она растекается сильно, то нужно еще подождать и не продолжать работу сразу. Именно поэтому я сначала рисую серые части облаков, даю им растечься и добавляю синее небо, иначе белого на облаках совершенно не останется.
Я жду 5 минут и начинаю более сухой синтетической кистью рисовать небо. Тут я всегда учитываю воздушную перспективу, которая говорит нам о том, что над нами небо более тёмное по тону, а вдалеке более светлое и даже, если цвет один – синий, то концентрация этого цвета над нами гораздо больше, чем в глубине . Так получается «воздух» и объем в работе. Я добавляю больше тёплых облаков вниз и тонирую узкую часть моря , так как белого цвета в нем у нас не будет.
Далее я начинаю работать со всем прибрежным планом: сразу добавляю зелень: у меня это оливковая + фиолетовый и иногда оливковая+ серая пейна. Также добавляю пятна жёлтой охры и сиены на камни. Так как маяк и небо достаточно холодные по цвету, то дальше у нас идёт ритмическая перекличка между тёплым дальним планом вместе с зеленью и ближним к нам – холодным. Я рисую пятна разного цвета и тона и не смотрю, чтобы они попадали в границы камней, благодаря этому получаются правильные рефлексы. Любой цвет влияет на соседний и в акварели на этом этапе есть огромное преимущество перед другими техниками, потому что мы можем дать ей свободно течь и смешиваться. Не стоит этого бояться, именно это помогает нам создать рефлексы без дополнительных усилий. Далее я делаю набрызг разными теплыми и холодными цветами на область камней.
Перехожу к проработки зелени и камней, добавляя более плотный тёмный тон по нижней части зелени и этим самым немного подчеркиваю камни. Важно, чтобы это была обводка не по кругу, прорисовка только тёмных участков в углублениях между камнями. Безусловно, рисование камней требует практики, и с первого раза не всегда получается уловить их ритм, но со временем можно придумывать камни уже «из головы».
Именно для этого нужна насмотренность, которая нарабатывается на пленэрах. На этой работе солнце у нас справа, и все тени являются синими и падают налево. На цвет теней сильно влияет рефлекс от неба, поэтому для них я беру тот же оттенок, что и на небе. Довольно активный набрызг помогает мне ориентироваться в грудах камней и подсказывает пятнами, где может быть более тёмный камень, а где уже начинается светлый и тем самым я стараюсь выстраивать их последовательность. При этом я оставляю левый угол работы свободным, так как не хочу его утяжелять.
Я продолжаю свою работу с камнями и, если камни дальнего плана менее детальные и там я только отмечаю треугольники тёмного цвета между ними, то камни вблизи я стараюсь взять не из головы, а уже с натуры и проследить насколько они разные по форме, цвету и размеру. Тут уже я использую несколько слоев для того, чтобы детализировать их более точно, не забывая о том, что для объемности предмета нам необходим светлый, средний и тёмный тон.
Завершая работу над камнями и всем нижним планом с зеленью, я решила добавить узор из пятен, и он получился у меня абсолютно естественно и отчасти похож на шкуру жирафа. Видимо, впечатление от Южной Африки отражаются в работе даже таким образом. Я добавила пятна теней разного цвета голубого и смеси фиолетового с серой пейной.
И финальным этапом я прорабатываю маяк, который у нас является светлым. Я стараюсь не перекрыть и не затемнить его, оставить свет с правой стороны (здесь его границу уже подчёркивает небо) и затемнить немного с левой стороны, в которой также присутствует жёлтый рефлекс. Деревья вокруг помогают мне подчеркнуть форму маяка ещё больше и, так как они находятся на дальнем плане, они более голубоватые по цвету. Далее прорабатываю изгородь коричневым цветом из смеси серой пейны и сиены жженой, что дает мне ощущение уюта, в отличие от элемента изгороди на натуре. Затем я прописываю океан чуть более тёплыми оттенками вдалеке и чуть более тёмными и синими вблизи и добавляю какие-то детали по всей работе, в том числе птиц.
Самое главное – помните, несмотря на то, насколько вы опираетесь на натуру, картина – это ваши впечатления от места и, даже если натура очень красивая, то работа всегда интереснее, потому что это нечто новое созданное вами, чего еще не было. Поэтому не бойтесь менять что-то и передавать именно те эмоции, которые вы чувствуете. Для меня этот маяк скорее история о красоте и уюте, именно поэтому я подчеркнула его деревьями, камнями и изгородью , хотя в оригинале это какое-то общественно административное здание. В этом и заключается волшебство работы – в ваших эмоциях. Как говорится, «красота в глазах смотрящего».
