С точки зрения гитарного искусства 70-е годы были самым настоящим пиршеством духа. Да, случилась панк-революция, диско стал глобальным явлением, но в гитарной музыке доминировали «Гиганты Рока». Если «Величайшие гитарные альбомы 60-х» революционизировали рок-н-ролл, выведя его на авансцену десятилетия, то 70-е существенно продвинули рок-музыку далее по шкале. Новые жанры – хард-рок, прогрессив, фьюжн – не только модифицировали исполнительскую технику и звукозапись, но и явили новых героев шестиструнной.
Они канонизировали и увековечили в пантеоне гитарных героев таких ярких мастеров, как Тони Айомми, Джимми Пейдж, Джефф Бек, Ричи Блэкмор, Пит Таунсенд, Алекс Лайфсон, Джон Маклафлин, Брайан Мэй, Карлос Сантана, Стив Хау, Дэвид Гилмор и ряд других.
Как в стиле, так и в технике, эти музыканты своими работами продемонстрировали отличный пример как воплотить свои технические возможности и скиллы в инновации и поражающее воображение истинное творчество. Статья является продолжением материала о 60-х:
Для гитаристов эти альбомы отмечены вехой становления исполнительского мастерства. Они оказали существенное влияния на все последующие поколения мастеров шестиструнной. Я расположу эти важные релизы в хронологическом порядке и отмечу ряд их особенных характеристик.
Deep Purple «Deep Purple in Rock» (1970)
«Deep Purple in Rock» в 1970-м буквально перевернул сознание любителей музыки во всем мире и пробудил амбиции десятков тысяч музыкантов, воссияв на небосклоне рок-сцены путеводной звездой эталона исполнительского мастерства. Пластинка стала краеугольным камнем моторного хард-рока, в значительной степени выкроив шаблон для всей тяжелой музыки.
При этом она выражала сублимацию всего лучшего, что к этому времени накопил рок-н-ролл. Это была истеричная энергетика в чистом виде. И основным выразителем её был блистательный Ричи Блэкмор, который, наконец-то, продемонстрировал во всей красе свои незаурядные технические возможности, задав тем самым каноны мастерства нового стиля.
Джими Хендрикс был хорош в использовании педалей эффектов и рычага тремоло своего «Страта», и Ричи не только использовал эти наработки, но и продвинулся дальше. Если до того он играл на «Gibson ES-335», но отныне – в основном на «Fender Stratocaster». Эффекты, которые он делал помимо обычного ленточного эха, включали в себя усилитель высоких частот «Hornby Skewes», педали «Uni-Vibe», «Dallas Arbiter Fuzz Face» и «Octave Divider».
А ещё он в блюзовую пентатонику органично добавил классические обороты, заложив основы неоклассицизма. Его соло в интервал были пусть и не новым веянием, но именно Блэкмор продемонстрировал как их органично вплетать в общую ткань композиции. Как он заявил: «Я люблю драматичность в музыке и классическую сторону рока, и я увлекался игрой Баха, Вивальди и других классиков. Поэтому я и попытался включать эти сложные прогрессии, но не слишком сильно».
Black Sabbath «Paranoid» (1970)
Многие издания теперь называют «Paranoid» одним из величайших и наиболее влиятельных альбомов в стиле хэви-метал всех времён. Стив Хьюи полагает, что альбом «определил звучание и сам стиль хэви-метал больше, чем любая другая пластинка в истории рока», ведь именно на нём Тони Айомми, автор риффов, заложил основы жанра, в том числе и дум-метала. Второй альбом Black Sabbath стал идеальным выбором для гитаристов, которые понимают, что ритм-партии важнее соло.
«Iron Man», «War Pigs» и заглавный трек являются основой хэви-метал, а звучание Айомми стало сокрушительным ещё до того, как группа открыла для себя понижающую настройку инструментов. Соло – плавные и захватывающие, обычно импровизируемые во время выступлений с группой – добавлялись Айомми позже ритм-партий. Но риффы – это особая история. Пит Таунсенд был известен своими пауэр-аккордами, но его исполнение нередко включали и мажорную терцию. Именно Тони Айомми по-настоящему систематизировал основные пауэр-аккорды, которые все играют сегодня.
Айомми нравились усилители, которые он получал бесплатно от местного производителя «Laney», но он всегда стремился к большему. На «Paranoid» он использовал модифицированный усилитель высоких частот «Rangemaster», чтобы перегрузить вход усилителя. Для сохранения низких частот Айомми поставил регулятор низких частот гитарного усилителя на минимум, а все остальные регуляторы увеличил до максимума. Хамбакеры его «Gibson SG» тоже помогли – они были более мощными, чем у «Stratocaster», который он использовал раньше. Заглавный трек, однако, был записан на «Les Paul», и это был единственный раз, когда Айомми записывался на этой гитаре.
Yes «The Yes Album» (1971)
Первый альбом Yes со Стивом Хау, который заменил Питера Бэнкса, вышел на загляденье со всех точек зрения, а уж с гитарной – так и вовсе витриной мастерства. Игра нового гитариста была и виртуозной, и разнообразной, как и во все последующие годы. Стив играл в различных стилях, в том числе и в «лауд», в котором он записал «Clap» – сольную пьесу для акустической гитары. Вокалист Джон Андерсон позже заметил, что Хау мог «перескакивать с одной вещи на другую, очень быстро и очень талантливо, и его способность к навыкам ошарашить инструментовкой была непередаваемой».
То, что Хау слушал классическую гитару и джаз, оказало на его технику и интерпретации сольных партий огромное значение. Сказывалось, что сильнейшее влияние на него оказал Барни Кессел. Как говорил сам Стив: «Его игра была замечательной смесью сольной линии и аккордового аккомпанемента, она заставила меня поверить, что гитарист, который не понимает игры аккордами, не сможет хорошо вести сольную линию, потому что одно с другим так тесно соотносится». А у Чета Аткинса он взял «идею о том, что один гитарист может играть на гитаре в любом стиле».
Мастерство Стива Хау в игре на гитарах и его значительный вклад в написание песен сыграли важную роль в изменении музыкального направления группы в сторону арт-рока. Для записи Хау в основном использовал полуакустическую гитару «Gibson ES-175» и акустическую гитару «Martin 00-18», и он пытался играть на этих двух инструментах в разных стилях. Эффект космического электронного звучания в «Starship Trooper» был достигнут за счет того, что гитарный бэк-трек был пропущен через «фланжер».
The Who «Who's Next» (1971)
Я включил этот релиз не из-за моей любви к The Who и ввиду 80-летия Пита Таунсенда, случившегося 19 мая. От пронзительной синтезаторной телепатии, с которой начинается «Baba O'Riley», до финальных оглушительных аккордов «Won't Get Fooled Again» – это рок эпического масштаба, и альбом, на котором Таунсенд, вокалист Роджер Долтри, басист Джон Энтвистл и барабанщик Кит Мун царствуют на пике своего творческого расцвета.
В начале 70-х, всё ещё находясь на волне успеха «Tommy», Пит Таунсенд долго и упорно трудился над тщательно продуманным концептуальным произведением под названием «Lifehouse». Охватывая всё – от суфийского мистицизма до авангардной электронной композиции, оно оказалось неосуществимо даже для супергруппы такого уровня, как The Who. Тогда парни взяли девять лучших песен из этого проекта, отправилась в студию к продюсеру Глинну Джонсу и выпустили один из величайших рок-н-ролльных альбомов всех времён.
Баланс динамики подчёркивал контраст между мощной игрой коллектива и контрапунктами – время от времени вкрапляемыми продюсером – облигато акустических гитар и синтезаторов. Пит Таунсенд использовал во время сессии гитару «Gretsch 6120» 1957 года, подаренную ему Джо Уолшем, а также акустику «Gibson J-200». Помимо этого он задействовал твидовый усилитель «Fender Bandmaster». Таунсенд, очевидно, был единственным, кто в своём агрессивном стиле игры на гитаре использовал в большей степени обратную связь.
Led Zeppelin «Led Zeppelin IV» (1971)
Третий релиз «Цеппелинов» вряд ли можно было назвать провальным альбомом, но Джимми Пейдж воспринял критику на свой личный счет. Гитарист отказывался давать интервью в течение следующих 18 месяцев и решил позволить музыке говорить самой драматичной из возможных форм. У следующего альбома не будет сопроводительных надписей – даже названия группы не будет на обложке. Получившаяся в результате работа без названия, известная во всем мире как «Led Zeppelin IV», является самым сокрушительным ответом, который группа когда-либо давала своим критикам.
Оказавший влияние, как минимум, на два поколения гитаристов, альбом «Led Zeppelin IV», практически раскрыл суть хард-рока. Лонгплей вобрал элементы фолк-музыки и блюза, рок-н-ролла и даже психоделики. Он стал визитной карточкой группы, готовившейся к уровню стадионов.
«Это было действительно хорошее и серьезное подведение итогов того, чего мы достигли, – рассказывал Джимми об альбоме. – У каждой песни свой характер. Это передает всё разнообразие красок и фактур группы. Мы перенесли акустический аспект того, что мы сделали на третьем альбоме, в более интимные области на «Going To California» и «The Battle Of Evermore». Музыка продолжала расширяться».
«When the Levee Breaks» – это потрясающее переосмысление «Цеппелинами» песни Мемфис Минни 1929 года выпуска. Хотя мелодия действительно заимствована из оригинала, вряд ли кто-нибудь узнал бы эту композицию, если бы Плант потрудился изменить текст. Мелодия была блюзовой в быстром темпе, с яркими акцентами. В оригинале использованы стандартные 12-тактовые аккорды, но зловещий, монотонный рифф Джимми никогда не меняется, он создан для того, чтобы вводить в транс. Он сыграл её на своем «Fender Electric XII» в настройке «Open G», но звучит она как «Open F», потому что Пейдж замедлил трек с помощью «varispeed».
Гитарные соло всегда записывались в последнюю очередь. «Я хотел, чтобы это полностью соответствовало тому, что происходит с текстом, и подводило итог моей игре на гитаре в этой конкретной песне, – объяснил Пейдж. – Что я бы сделал, так это просто размялся, а затем, ладно, включил красный свет. И опять же, эти соло не исполнялись часами напролет. Они были в значительной степени импровизацией. Они не были отработаны нота в ноту. Никогда. Соло всегда звучали так: сделай глубокий вдох и дерзай! Это спонтанность. Я мог бы придумать, с чего начать. Но это всё».
Богатая аранжировка «Stairway to Heaven» включает все основные гитары Пейджа. Вступлением послужил его любимый «Harmony Sovereign H-1260», бюджетный акустический инструмент, использовавшийся при записи первых четырех альбомов, в то время как сочные электрические ритмы исходили от двух разных 12-струнных, приглушенных и настроенных влево и вправо. К его «Fender Electric XII» присоединился вокс-фантом, который он использовал на «Led Zeppelin II» и ранее, в своей предыдущей группе The Yardbirds, для песни «Tinker, Tailor, Soldier, Sailor».
Заключительные риффы были взяты на «Les Paul», а соло было исполнено на легендарном «Dragon Telecaster» – подарке Джеффа Бека, который он использовал для записи всех дебютных альбомов Led Zeppelin. «Gibson ES-1275» с двойным грифом появится только после записи песни, когда Пейджу понадобилась одна гитара, которая могла бы воспроизвести все партии вживую.
Deep Purple «Machine Head» (1972)
Шестой студийник Deep Purple – это, конечно, гораздо больше, чем просто риффы, но «Machine Head» заслуживает того, чтобы быть в этом списке хотя бы только за «Smoke On The Water». Гитарист Ричи Блэкмор говорил, что простота была ключом к успеху песни, но сыграть её так, как он, на удивление сложно. Изначально Блэкмор использовал пальцы, чтобы играть квартами.
Хендрикс задействовал потенциал «Strat and Marshall» на 100%, но Ричи нашел в этой комбинации совершенно другой набор звуков. В его дерзком тембре не было и следа ледяных дискантов. Его незабываемые риффы и плавное соло, основанные как на классическом, так и на блюзовом влиянии, расширили словарный запас рок-гитариста. Даже самокритичный Блэкмор был вынужден признать, что на «Machine Head» были хорошие фрагменты.
Соло в «Lazy» и «Pictures Of Home» подняли планку техники и выразительности. «Highway Star» была его данью уважения Баху, и его выбор был ультрасовременным для того времени. Он настаивал, что это было единственное соло, которое он написал перед записью. В других случаях его импровизации демонстрировало чувство, контроль и безошибочный подход к тремоло.
Pink Floyd «The Dark Side Of The Moon» (1973)
Шедевр Pink Floyd 1973 года – это эпическое музыкальное размышление о времени, деньгах, войне и безумии. Это альбом, на котором «Флойды» нашли свою идентичность во второй раз, потеряв своего лидера и гитариста Сида Барретта из-за его безумия в 1968 году. С «Dark Side Of The Moon» басист Роджер Уотерс стал единственным автором текстов и главным концептуалистом группы, в то время как Дэвид Гилмор расцвел как глубоко экспрессивный гитарист, чей парящий стиль стал неотъемлемой частью рока. Классические песни альбома, такие как «Money», «Us and Them» и «Breathe», вошли в бесконечную ротацию радиостанций по всему миру.
Самый известный альбом «Флойдов» стал также звёздным часом «Black Strat» (прозвище гитары «Black Fender Stratocaster», на которой играл Гилмор – прим.), поскольку Дэвид Гилмор записал одни из самых вкусных соло десятилетия. В то время как Ричи Блэкмор установил новые стандарты для сольных вспышек, со вкусом подобранная фразировка Гилмора и великолепное чувство ритма продемонстрировали силу нескольких удачно подобранных нот.
Великолепный тембр фузза педали «Fuzz Face», усиленный овердрайвом «Colorsound Powerboost», является отныне одним из самых востребованных звуков в роке. Также ближе к концу композиции «Money» появляется его фирменная гитара «Bill Lewis Custom» 1971 года, с 24 ладами, и тогда Гилмор использует весь её диапазон.
Lynyrd Skynyrd «Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd» (1973)
Эта дебютная пластинка Lynyrd Skynyrd не только вобрала в себя впечатляющую коллекцию отличных песен, многие из которых до сей поры входят в сет-лист радиостанций, ориентированных на классику рока, но и во многом больше, чем любая другая, определила сам жанр «южного рока», или как его чаще величают, «сатерн-рок». Пусть The Allman Brothers хронологически были первой сатерн-рок-группой, именно Lynyrd Skynyrd сделали этому жанру прививку жёсткого гитарного звучания британского рока и хард-рока – то, что они услышали у Ричи Блэкмора, Джеффа Бека, Эрика Клэптона, Джимми Пейджа и Пола Коссоффа.
Гениальность группы состояла в том, что она неосознанно смешала хард-рок, AOR, блюз, кантри и гаражный рок, превратив всё это в своеобразный саунд, который звучит вроде бы знакомо, но совершенно уникален. Новое звучание, близкое к харду, сфокусированное на электрогитарах, насыщалось длинными и скорыми гитарными пассажами. Ведь их армия состояла из трёх гитаристов: Аллен Коллинз, Эд Кинг и Гари Россингтон.
Выходившая синглом «Free Bird» несколько раз была названа одной из величайших рок-песен всех времён. Мощная баллада переносит слушателя в путешествие во имя неукротимой воли к свободе. И когда начинается незабываемая дуэль соло, композиция уже никогда не возвращается к прежней форме. Гитарные риффы и линки насыщенны и настолько красивы, что любому поклоннику южного рока хочется плакать от счастья. Гари Россингтон играл на «Gibson SG», надев в качестве слайда на безымянный палец пузырёк из под таблеток «Coricidin», в подражание своему кумиру Дуэйну Оллмену.
Queen «Sheer Heart Attack» (1974)
Беспрецедентный своей полномасштабной атакой на чувства Квиновский «Sheer Heart Attack» отличался от своих предшественников. В этой музыке было всё, что привлекало в роке, – ритмичность и напор хард-рока, воздушная игривость глэма, неземной красоты вокальные гармонии в сочетании с виртуозными инструментальными пассажами, чувственные изыски мелодизма и парадоксальность прогрессива.
Queen немного умеряют свои амбиции, что оставляет, однако, место для демонстрации мастерства Брайана Мэя. Его соло на «Brighton Rock» – вибрирующее, с многократным эхо «дилея» – граничит с изменением жизни, в то время как «Now I'm Here» отсылает к раннему творчеству группы, достигая нового уровня напыщенности.
Будучи дотошным аранжировщиком, Брайан фокусируется на многоголосных гитарных гармониях, часто скорее контрапунктических, чем параллельных, что является относительной редкостью для рок-гитары. Его выбор тембра, фразировка, вибрато – всё, что он делает, настолько богато, специфично и глубоко и так хорошо вписывается в музыку Queen, что вы просто ощущаете это как её часть. Большая часть работ Мэя на электрогитаре вживую и в студии сделана на его легендарной «Red Special», вдобавок ко всему он привычно использовал шестипенсовик вместо пластикового медиатора.
Led Zeppelin «Physical Graffiti» (1975)
После блистательного «Houses Of The Holy» «Цеппелины» сделали все возможное для создания «Physical Graffiti», поставив во главу угла свою философию «плотно, но свободно». У «Kashmir» и «Ten Years Gone» были самые крутые аранжировки, в то время как 11-минутную брутальная конструкция на основе тяжелого блюза «In My Time Of Dying», где Пэйдж блеснул игрой на слайд-гитаре, была по сути джемом. Песня длилась так долго, отчасти из-за того, что парни не отрепетировали до конца подходящую концовку.
«Danelectro» Джимми Пейджа, настроенная на Dsus (D-A-G-D-A-D) появилась на «Kashmir», а его акустика «Martin D-28» никогда не звучала лучше, чем в «Bron-Yr-Aur».
Формат двойного альбома позволил Led Zeppelin продемонстрировать всё, на что они способны, – от громоподобного хард-рока («The Rover», «The Wanton Song», «Sick Again», «Houses of the Holy»), новаторского оркестрового рока с элементами этнической музыки («Kashmir»), драйвового тяжёлого фанка («Trampled Under Foot»), до акустического рок-н-ролла («Boogie With Stu», «Black Country Woman»), любовных баллад («Ten Years Gone»), кантри («Down by the Seaside») и инструментальной фолк-пьесы («Bron-Yr-Aur»). В гитарном отношении – это была целая энциклопедия гитариста.
Jeff Beck «Blow by Blow» (1975)
Этот альбом, что называется, «снёс» голову не одному поколению гитаристов и многие из признанных рок-звёзд заявляли о его определяющем влиянии на их творчество. Он и по сей день остаётся вдохновляющей силой и поворотным моментом для гитарной музыки в целом, поскольку продемонстрировал импровизационные и ритмические возможности, которые джаз-фьюжн открывал для расширения рок-репертуара.
«Blow by Blow» добрался до 4-й позиции в чарте «Billboard 200» и получил «платиновый статус», хотя это был инструментальный альбом, более того – инструментальный джаз-фьюжн-альбом. Он открыл новые возможности для джазовых и прогрессивных гитаристов и многих других музыкантов, выпускать альбомы, которые понравятся как поклонникам джаза, так и рока.
Он также помог породить феномен инструментальной шред-гитары, который возникнет несколько лет спустя, в начале 80-х, доказав, что действительно существует относительно значительная потенциальная аудитория инструментальной гитарной музыки. Авантюрные соло Бека и сложные лидирующие мелодии показали слушателям, привыкшим к его буйству в стиле тяжелого рока, что он выходит на новую территорию.
Бек играл на своей модифицированной «Oxblood Gibson Les Paul» 1954 года выпуска, задействовав педаль «Colorsound Overdriver», комбинированный усилитель «Ampeg VT-40» и акустическую систему «Kustom The Bag». Тонкие нюансы достигаются посредством рычага тремоло, и это лучшая демонстрация динамического контроля игры на электрогитаре.
Pink Floyd «Wish You Were Here» (1975)
Многое лежало на плечах Pink Floyd, когда в 1975 году они пришли в студию «EMI» на Эбби-Роуд, чтобы записать «Wish You Were Here». Их предыдущий альбом, «Dark Side of the Moon», имел огромный успех, и они испытывали давление придумать что-то столь же замечательное, как в художественном, так и в коммерческом плане.
Именно образ психически неуравновешенного Сида Барретта – мессианского мученика бездушных механизмов музыкального бизнеса – послужил источником вдохновения для песни Уотерса «Shine On You Crazy Diamond». Зловещая «Welcome to the Machine» и елейно-тревожная «Have a Cigar» входят в число их самых мрачных композиций. Но щемящие гитарные партии Дэвида Гилмора на протяжении всего альбома проливают лучи света и вселяют надежду.
Его игра на эпической «Shine On You Crazy Diamond», которая одновременно открывает и закрывает альбом, считается одной из его величайших гитарных работ. Как это часто бывает в творчестве Pink Floyd, Уотерсу и Гилмору удаётся уравновешивать друг друга, сохраняя равновесие инь-ян. Дэвид здесь отдаёт дань уважения пионерам блюза, в частности Би Би Кингу, за его контролируемое звучание и великолепный ритм.
В 1975 году «Black Strat» всё ещё был в основной обойме, и на протяжении всего альбома музыкант используется его с педалью «Colorsound Power Boost» – в основном через усилитель «Hiwatt DR103». При игре слайдами впервые появляется «MXR Phase 90».
Boston «Boston» (1976)
Когда осенью 1976 года был выпущен одноименный первый альбом Boston, мало кто из инсайдеров индустрии думал, что пластинка в стиле гитарного рока может значительно продвинуться в чартах, не говоря уже о том, чтобы стать самым продаваемым дебютом всех времён. «Все думали, что это невозможно, потому что в то время в эфире господствовало диско, – вспоминает лидер группы гитарист Том Шольц. – Но мы наткнулись на звук, который сработал, и вскоре все стали ему подражать».
Дебютник «Boston», основанный на классическом хитовом сингле «More Than a Feeling», разошелся тиражом в 17 миллионов копий только в США. Многодорожечные гитары «Бостонцев» с припевом и лощёное продюсирование оказали не меньшее влияние на общее звучание следующего десятилетия.
Гитарные партии представляют собой сложные переплетения слоёв ритма и ведущих линий с разными тонами, что делает «Boston» ступенькой между альбомами Queen и еще более сложными постановками, которые в 80-х создавали такие продюсеры, как Тревор Хорн и Матт Ланге. «Les Paul» Шольца звучит с высоким коэффициентом усиления, что сделало его идеальным для пауэр-балладного звучания. «Бостонские» сильно сжатые чистые тона и гармонизированные искаженные гитары сразу же определили звук AOR- радиостанций и до сих пор звучат потрясающе.
Van Halen «Van Halen» (1978)
Дата на обложке гласит, что это 1978 год, но при беглом прослушивании дебютного альбома Van Halen становится ясно, что это, в некотором смысле, величайший гитарный альбом уже 80-х. Ни один из 11 треков не дотягивает до четырёхминутной отметки, что является идеальным противоядием от чрезмерности 70-х. До появления «MTV» оставалось три года, но «Ван Халены» уже изобрели «MTV-рок».
Песни промелькнули так быстро отчасти потому, что Эдди Ван Хален мог играть свои позаимствованные у Клэптона и Дэвиса мелодии в четыре раза быстрее, чем они когда-то звучали. Но описывать игру EVH на гитаре как «быструю» – это всё равно, что отделаться общими характеристиками. Эдди был не просто лучшим солистом на планете, но, возможно, ещё лучше владел ритмом – без усилий отбивал бит, был чрезвычайно динамичен и хорош в свинге. Вряд ли электрогитара когда-либо звучала лучше. Гитаристы посвятили свою жизнь попыткам понять, как же это было сделано.
Споры о том, изобрел ли он тэппинг, не имеют отношения к делу, Эдди Ван Хален также не изобретал флажолеты, дайв-бомбы, приглушение звука ладонью, легато или высокие тона усиления. Но никому не удавалось органично объединить это всё в единый гитарный стиль, не говоря уже о том, чтобы довести его до совершенства на своем дебютном альбоме. Именно Эдди заложил новый стандарт игры на электрогитаре и положил начало целому поколению гитаристов, использующих его уникальный стиль и подход.
AC/DC «Highway To Hell» (1979)
Продюсер Матт Ланге достаточно отшлифовал звучание, чтобы вывести AC/DC альбомом «Highway To Hell» в высшую лигу рок-музыки, оставив при этом достаточно острых углов, чтобы не оттолкнуть ни одного преданного фаната. Ланге укротил шрединг Ангуса, спродюсировав его самые мелодичные и продуманные соло в соответствии с требованиями времени. А благодаря беспрецедентному набору риффов, почти чистая «Gretsch» Малкольма и немного более отвязанная «SG» Ангуса остаются лучшей по звучанию гитарной парой в истории. Их телепатический ритм и эпические открытые аккорды – вот что такое рок-гитара.
Ритм-гитарист Малкольм Янг использовал свой модифицированный «Marshall Superbass», в то время как ведущий гитарист Ангус Янг использовал усилитель «Marshall 2203».
Pink Floyd «The Wall» (1979)
Трудно обойти стороной эту одну из самых важных работ 70-х. «The Wall» – это триумф студийной работы, бесшовное повествование и звуковые эффекты, создающие неповторимую атмосферу. В том числе и благодаря красочной гитарной палитре. К тому времени, когда «Флойды» записали этот объемный двойной альбом, «Black Strat» Дэвида Гилмора имел кленовый гриф «Charvel» и мощный бриджевый звукосниматель «DiMarzio FS-1», хотя и другие гитары создали одни из самых знаменитых моментов «The Wall».
Основной рифф в стиле Нила Роджерса из «Another Brick In The Wall» (Part II) был сыгран на «Fender Stratocaster» 1954 года выпуска, серийный № 0001, а соло – на «Les Paul Goldtop» 1955 года выпуска со звукоснимателями «P90» и закругленной задней частью.
На альбоме затаился самый настоящий гитарный шедевр – «Comfortably Numb». Записывая песню, Дэвид Гилмор сыграл соло пять-шесть раз и затем последовательно склеил вместе наиболее удачные куски. Он задействовал свою знаменитую электрогитару «Black Strat» и педаль фуззбокса «Big Muff Pi», которую Дэвид впервые использовал на альбоме 1977 года «Animals», в сочетании с усилителями «Hiwatt DR103» и «Yamaha RA-2002. Великолепное звучание как вживую получилось благодаря разделению сигнала педальной панели педалборд и подаче каждого звука припева через отдельную педаль «Boss CE-2».
☑ Если понравилась статья, не стесняйтесь ставить лайк и делать комментарии!
❇️ Чтобы не пропустить новое, подписывайтесь на канал.
➤Другие материалы подобного рода: