Пришло время уделить внимание топовым "эпикам" от 11 ведущих представителей прогрессив-метала.
Конечно, сузить список было сложно, ведь существуют исключительные сюиты от десятков групп этого жанра, которые демонстрируют свои хаотично сложные навыки в нескольких частях.
Тем не менее, следующие треки заслуживают наибольшего внимания, поскольку они воплощают лучшие попытки своих создателей представить особенно длинные композиции. Более того, они содержат одни из величайших произведений прог-метала, которые когда-либо слышали наши уши.
Мы хотели бы знать, согласны ли вы с нашим выбором, а также какие "эпические" прог-метал треки вы слушаете без остановки.
Также имейте в виду, что, хотя самый старый трек здесь относится к середине 80-х (когда прог-метал только зарождался), вариантов выбора из той эпохи просто не так много, поэтому мы не разделяем "классических" и "современных" исполнителей.
Symphony X, “The Odyssey”
Альбом "The Odyssey" 2002 года не обязательно является лучшим альбомом Symphony X в целом – это звание принадлежит "V: The New Mythology Suite" – но он входит в число лучших пауэр-метал альбомов всех времен. Большая часть заслуг в этом принадлежит одноименной заключительной одиссее, которая почти наверняка является композиционным magnum opus группы. Основанная на знаменитой поэме Гомера (очевидно), она легко оправдывает величие и наследие его работы.
После обязательной завораживающей оркестровой увертюры "The Odyssey" проходит через шесть последующих частей, которые плавно и увлекательно перетекают друг в друга до самого финала. Лидер группы/гитарист Майкл Ромео и клавишник Майкл Пинелла укрепляют свои позиции как превосходный дуэт в этой области, демонстрируя свою виртуозность таким образом, что это явно служит музыке, а не их эго. Остальные инструменталисты так же потрясающи, а их тональные колебания идеально дополняются незаменимым вокалистом Расселом Алленом (чьи мягкие и грубые выкрики и признания невероятно притягательны).
От начала до конца "The Odyssey" абсолютно потрясающа.
Dream Theater, “A Change of Seasons”
Заглавный трек EP Dream Theater 1995 года ознаменовал дебют клавишника Дерека Шериниана, и изначально он должен был появиться на "Images and Words" 1992 года (но был сохранен на потом, чтобы "Images and Words" не был слишком длинным). "Смерть матери Майка Портного и размышления о круговороте жизни повлияли на создание "A Change of Seasons". Эта композиция остается самой лирически и музыкально цельной и впечатляющей "эпической" мелодией квинтета (извините, "Six Degrees of Inner Turbulence" и "In the Presence of Enemies")."
Несомненно, красивая и зловещая вступительная акустическая гитарная работа Джона Петруччи (с прекрасным аккомпанементом) является культовой, подготавливая почву для катарсического характера трека после нескольких минут игриво беспокойного, но со вкусом джема и предзнаменования. Честно говоря, именно это неизменно изысканное сочетание темных и светлых пассажей делает "A Change of Seasons" бесконечно прекрасной, а голос Джеймса Лабри звучит так же возвышенно, как и всегда, когда он произносит некоторые из самых поэтичных строк Портного ("Tripping through / The life fantastic / Lose a step / And never get up / Left alone / With a cold blank stare / I feel like giving up").
"A Change of Seasons", такая же инструментально дерзкая, как и мелодично заманчивая, представляет собой лучшее из раннего периода Dream Theater, а то, как она замыкается в круг в конце, гениально удовлетворяет.
Iron Maiden, “Rime of the Ancient Mariner”
Откройте любой рейтинг песен Iron Maiden – и вы практически гарантированно увидите "Rime of the Ancient Mariner" в верхней части списка. Взятая из альбома "Powerslave" 1984 года и вдохновленная почитаемым текстом Сэмюэля Тейлора Кольриджа 1798 года, она более 30 лет была самым длинным произведением английского ансамбля (пока "Empire of the Clouds" из "The Book of Souls" 2015 года не превзошла ее). Тем не менее, "Rime of the Ancient Mariner" – более впечатляющее путешествие.
Во-первых, она олицетворяет умение басиста Стива Харриса рассказывать истории и адаптироваться, передавая суть оригинальной истории в своем собственном непоколебимом стиле ("The mariner kills the bird of good omen / His shipmates cry against what he's done / But when the fog clears, they justify him / And make themselves a part of the crime"). Естественно, Брюс Дикинсон выдает каждое слово с фирменной энергией и состраданием, вдыхая жизнь в слова Харриса.
Все это время аранжировка меняется по мере необходимости, чтобы соответствовать разворачивающейся драме, а упругие партии Харриса безупречно дополняются синкопами Нико МакБрейна. Последующая интерлюдия также является одним из самых тонко жутких пассажей Iron Maiden, уступая место сверхактивной финальной половине, которая умело завершает ее, вызывая в памяти "The Number of the Beast".
Between the Buried and Me, “The Proverbial Bellow”
Несмотря на то, что альбом "Automata I" 2018 года был очень приятным и впечатляющим, Between the Buried and Me в основном играли безопасно. Поэтому многие фанаты ожидали, что "Automata II" будет столь же приятным, но осторожным и знакомым. Однако до его выхода группа пообещала, что вторая половина дуологии будет содержать самый странный и смелый материал на сегодняшний день, и как только "The Proverbial Bellow" стартовала, стало совершенно ясно, что они не лгали.
Рискуя показаться гиперболическим, "The Proverbial Bellow" может быть квинтэссенцией BTBAM. Полная характерного яркого безумия (в комплекте с эклектичными тембрами и пугающими текстурами); полная характерной яркой эксцентричности (в комплекте с эклектичными тембрами и пугающими текстурами), загадочно метафизическими/экзистенциальными текстами и совершенно захватывающими хуками, это — безостановочные американские горки эмоциональной интенсивности и безумных изысканий.
Серьезно, ее припев – "Please pick up / Pick up the phone / It’s been ringing / For years now / I’m so alone here / Sensory bliss" – вероятно, самая запоминающаяся вещь, которую когда-либо пел фронтмен/клавишник Томми Роджерс, и это лишь фрагмент того, почему "The Proverbial Bellow" так неустанно замечательна.
Opeth, “Deliverance”
Помимо 20-минутной "Black Rose Immortal" (из "Morningrise" 1996 года), Opeth никогда не писали длинных произведений. На самом деле, все их лучшие "эпики" короче 14 минут, и из этого набора есть как минимум несколько, которые могли бы занять это место (включая "The Moor", "Moon Above, Sun Below" и "Reverie/Harlequin Forest"). И все же, в конечном счете, именно заглавный трек к восхитительно темному "Deliverance" 2002 года возвышается над остальными.
Почему? Потому что это шедевр прогрессивного дэт-метала, который использует прямо-таки гипнотические риффы, ритмы и мелодии, чтобы исследовать чрезвычайно одержимую и контролирующую форму романтической любви. Как обычно, вдохновитель Микаэль Окерфельдт и компания компенсируют захватывающую жестокость первозданной красотой и печалью, как никто другой, легко связывая совершенно разные темпераменты.
Гроул и плач Окерфельдта – соответственно – дьявольски и божественны, как всегда, и, конечно же, "Deliverance" мастерски строится к своему легендарному финалу (во время которого бывший барабанщик Мартин Лопес умело переключает свои мотивы каждые несколько тактов). Это великолепно завораживающая и изобретательная заключительная часть, которая единолично закрепляет за Opeth звание королей своей области.
Tool, "Wings for Marie (Pt. 1)" / "10,000 Days (Wings Pt. 2)"
Да, "Wings for Marie" разделена на две последовательные части, но, как мы определили в нашем рейтинге песен Tool еще в январе 2024 года, ее лучше всего рассматривать как единое целое. Неоспоримая изюминка "10,000 Days" 2006 года, 17-минутная композиция описывает боль певца Мэйнарда Джеймса Кинана после смерти его матери в 2003 году (которая осталась парализованной после перенесенной аневризмы головного мозга в 1976 году).
"[Эти песни] просто отняли у меня слишком много – слишком много эмоционально, ментально, физически – все эти проявления. . . . И технически "Wings" очень трудно исполнить. Если кто-то из нас ошибается, она разваливается и делает вещь трагичной, а это не очень хорошая песня для меня, чтобы она развалилась. Она слишком личная", - признался Кинан во время пресс-тура в поддержку альбома.
Действительно, "Wings for Marie" – это элегантно мучительная поездка, отказывающаяся от большей части типичной для квартета живой агрессивности в пользу медленного нарастания завораживающих гитарных партий, тревожных ритмов и трогательно приглушенных размышлений Кинана.
Она блестяще напряженная, атмосферная, динамичная и повторяющаяся, заставляющая слушателей потеряться в горе Кинана, когда они размышляют о своих собственных земных размышлениях. Использование грома для усиления его метафорической бури печали – это вишенка на торте, а очищающие всплески ближе к концу дают Кинану – и фанатам – шанс очиститься от своей внутренней тьмы.
Mastodon, “The Last Baron”
Кульминация всего, что делает "Crack the Skye" 2009 года самым странным, самым "проговым" и, возможно, самым величайшим альбомом Mastodon, заключительная "The Last Baron" – это завораживающе изменчивая смесь запоминающихся хуков и психоделически свирепого инструментала. Очевидно, что ее способность связывать воедино несколько предшествующих повествовательных нитей (вращающихся вокруг астральной проекции, царской России и смерти сестры барабанщика/певца Бранна Дэйлора) добавляет ей замечательности.
Песня начинается достаточно скромно, ее мрачная аранжировка и зловеще мелодичные куплеты и гармонии создают несколько успокаивающее настроение. Однако вскоре она превращается в приливную волну тревожной изысканности, когда гитарист Брент Хайндс и басист Трой Сандерс обмениваются мрачными заявлениями, пока четверка перемещается по нескольким взаимосвязанным и чрезвычайно сложным частям, которые иллюстрируют их эксцентричность и находчивость высшего уровня. (Просто попробуйте услышать брейкдаун на 6-й минуте, чтобы ваша челюсть не упала на пол.)
Если и есть один трек, который символизирует творческие и технические вершины Mastodon, то это "The Last Baron".
Devin Townsend, “Singularity”
Из всех записей, выпущенных Девином Таунсендом за последние 30 лет – будь то сольные работы, коллекции Strapping Young Lad, релизы Devin Townsend Band или что-то еще – "Empath" 2019 года, вероятно, лучше всего отражает весь его художественный диапазон. Поэтому вполне уместно, что он завершается "Singularity", почти 24-минутным (из шести частей) обзором его привлекательной интроспективности и безумной универсальности.
Сначала (через вступительный сегмент "Adrift") "Singularity" так же нежна и глубока, как и все остальное, что делал Таунсенд, с успокаивающим перебором акустической гитары; деликатной оркестровкой; и мягким пением и бэк-вокалом, побуждающим его – и нас – двигаться вперед, несмотря на неопределенности жизни. Это божественное вступление, которое будет полезно любому, кто борется со своим местом в мире.
Однако вскоре эта симфоническая грациозность начинает перемежаться с умело контролируемым хаосом и странными трансформациями, которые мог придумать только Таунсенд. Результирующее путешествие представляет собой непрерывный полёт фантазии, колеблющийся между ангельским очищением ("Curious Gods"), демонической диковинкой ("There Be Monsters") и своеобразными звуковыми коллажами ("Silicon Scientists"). В процессе Таунсенд обсуждает любовь к себе, ненависть к себе и все, что между ними, прежде чем повторить "Adrift", чтобы связать философские и музыкальные темы "Singularity".
The Ocean, “Jurassic | Cretaceous”
У немецкой группы The Ocean определенно много поклонников, но по сравнению с другими группами в этом списке они остаются относительно (и преступно) малоизвестными. Образованные в 2000 году, они разработали поистине уникальное звучание на своих девяти студийных альбомах, мастерски сочетая прог-метал, пост-метал, сладж-метал и другие варианты с предпочтением палеонтологических тем. "Jurassic | Cretaceous" – из "Phanerozoic II: Mesozoic / Cenozoic" 2020 года – выдающийся пример того, почему они так особенны.
Сразу же синхронизированные (но нерегулярные) гитарные риффы и барабаны извергаются с соблазнительным настроем, а добавление фортепианных нот и успокаивающих духовых инструментов добавляет кинематографической отличительности и глубины. Оттуда аранжировка чередуется между спокойствием и катаклизмом, поскольку единственный в своем роде фронтмен Лоик Россетти поет с соответствующей хрупкостью и свирепостью. Это полностью захватывает.
Настоящее великолепие трека проявляется примерно на полпути, когда он переходит к ранее просмотренной эволюции мирных, но угрожающих тем в стиле Tool, поверх которых приглашенный вокалист Йонас Ренксе (Katatonia) изливает характерные эфирные заявления. В конце концов, к нему присоединяется Россетти, и пара направляет "Jurassic | Cretaceous" к ее захватывающе интенсивным финальным моментам.
Haken, “The Architect”
Немногие современные ансамбли в этом жанре сочетают техническое мастерство с веселой атмосферой лучше, чем Haken, и неудивительно, что они берут слушателей в эпические путешествия с самого начала. (Только их первый полноформатный альбом, "Aquarius" 2010 года, содержит четыре из них: "The Point of No Return", "Streams", "Aquarium" и 17-минутный заключительный трек "Celestial Elixir"). Тем не менее, именно центральная часть "Affinity", "The Architect", доминирует, когда речь идет о балансе качества и количества.
Как и многие другие мелодии на релизе 2016 года, "The Architect" энергично синтезирует дурацкое прог-металлическое изобилие Haken (включая классические штрихи) и поп-хуки с характерным для альбома акцентом на ретро-синти-рок 1980-х и цифровые эффекты. Очаровательная уязвимость певца Росса Дженнингса ведет за собой до небесного инструментального перерыва на полпути, символизирующего Haken в их самом со вкусом авантюрном виде.
Внезапно Эйнар Солберг из Leprous вступает с нетипичным криком, когда Haken увеличивает свою головокружительно сложную жестокость, только чтобы вспомнить начальный сегмент с большим энтузиазмом, прежде чем завершить все. Это потрясающий финал, который оставит вас благодарно измотанным и полностью впечатленным.
Periphery, “Reptile”
Когда в 2019 году вышел альбом "Periphery IV: Hail Stan", много говорили о том, что он открывается самой длинной на тот момент композицией группы — "Reptile" (продолжительностью более 16 минут). Конечно, альбом "Periphery" 2010 года завершался почти такой же длинной "Racecar", но начинать альбом с подобного эпического полотна — решение довольно рискованное и необычное. По словам барабанщика Мэтта Халперна, "Reptile" поставили первой, потому что "это любимый трек всех участников группы", и потому что он "демонстрирует все грани музыки, представленной на альбоме".
К его словам – и подобно как минимум половине предыдущих композиций – "Reptile" является окончательным представлением своего создателя, иллюстрируя множество граней артистизма Periphery, как единая доза стремящейся гиперактивности и непреодолимой чувствительности.
Ее симфоническая прелюдия терпеливо наращивает тревогу, поскольку Спенсер Сотело выдает один из своих самых захватывающих рефренов ("There must be something in the water / Where he lie, where he lie"). При этом, и в течение следующих минут, Periphery демонстрируют, насколько хорошо они могут сопоставлять аффективную элегантность и кажущуюся неукротимую воинственность. Каждый участник выступает на пике своих возможностей, создавая захватывающе нестабильную обстановку.
Более мягкая часть в середине – начинающаяся с хриплого стихотворения Майка Гудмана из SikTh – прерывает столпотворение одним из самых величественных пассажей Periphery. Однако проходит не так много времени, прежде чем группа возвращается к своим деструктивным наклонностям джента, а затем проводит оставшееся время, комбинируя эти полярно противоположные шаблоны.
К концу "Reptile" – не что иное, как эталонное творение, которое открывает новые слои с каждым прослушиванием.
