Предприниматель, общественный деятель и куратор Международного интерактивного фестиваля современного искусства ARTLIFE Анастасия Андреева рассказала редакции HiPO о восприятии современного искусства и о том, что нужно делать (и не делать) для его понимания.
Сейчас к современному искусству относят все странное, непонятное и провокационное. В классическом определении современное искусство — это произведения, созданные после 1945 года. Например, работы Юрия Пименова. Но многие воспринимают его как классика.
Для меня современное искусство — это, прежде всего, произведения, которые сегодня создают известные, коммерчески успешные художники, популярные во всем мире. При этом я считаю очень важным, чтобы искусство дарило человеку радость и вдохновение. Картина, скульптура или инсталляция не обязана быть шокирующей, чтобы считаться современной. Я, наоборот, за эстетику, которая делает нашу жизнь лучше и не вызывает желания «смыть» с себя неприятные впечатления.
Современное искусство и актуальное искусство
Есть небольшая путаница в этих понятиях. Она произошла из-за того, что когда в 1990-е годы в России появился термин «современное искусство», его перевели не совсем точно. Английское contemporary — это и ‘современный’, и ‘актуальный’. Как я уже говорила, произведения, созданные нашими современниками, не всегда новаторские. Например, многие художники сейчас обращаются к классической форме: портрету, пейзажу, натюрморту и так далее. И мы восхищаемся этими работами, хотя ничего принципиально нового в них нет. Но мы считаем это современным искусством, потому что художник так выражает себя здесь и сейчас.
А вот актуальное искусство — это произведения, смысл которых важен сегодня. Актуальное искусство отражает эпоху, но оно необязательно должно быть создано современниками. Время и события цикличны. То, что было создано столетия назад, может вновь стать актуальным.
В актуальном искусстве зритель видит объект, который передает определенный смысл и вызывает в нас эмоции, побуждает к рефлексии. Если этот объект шокирующий и провокационный, эмоций рождается еще больше. Мы уже реагируем не просто на смысл, но и на подачу и форму. Или же работа может быть и просто прекрасной, вдохновляющей, дающей возможность насладиться ее гармонией.
Современное искусство может быть актуальным, а может и не быть. И наоборот, актуальное искусство может быть создано современниками, но это не всегда так.
И современное, и актуальное искусство позволяет нам окунуться не только во внутренний мир художника, но и в собственный. Понять свое отношение к тому или иному вопросу, о котором мы, возможно, даже не задумывались. Или показать другой взгляд на проблему, расширяя наш кругозор.
Проверка временем
К работам классиков мы привыкли: о них давно говорят, многие изучают их в школах и вузах. Современное же искусство часто шокирует зрителя. При этом современного человека сегодня уже сложно чем-то удивить, и, чтобы быть популярными, художники прибегают к самым невероятным, вызывающим и не всегда экологичным способам воздействия на зрителя. На мой взгляд, это не всегда корректно.
Импрессионисты когда-то тоже были абсолютными новаторами. Публике было непривычно видеть эти работы, они вызывали множество споров и осуждения. Сейчас мы смотрим на Моне, Ренуара, Писсарро как на классиков, их техника живописи больше не вызывает возмущения. Почему? Это искусство прошло проверку временем. Мы можем как угодно относиться к произведениям современного искусства, но только время в итоге покажет, по каким произведениям будут судить о нашей эпохе.
Сложно понять, что останется в веках, а что исчезнет со временем. Что действительно великое произведение, а что просто сделано на злобу дня или ради хайпа.
Смотреть, чувствовать, понимать
С одной стороны, настоящее произведение искусства не появляется из ниоткуда. Поэтому важны контекст, смысл, идеи и биография художника. Но с другой стороны, человек, который не связан с искусством, не изучал его историю, не понимает, на каких концепциях базируется творчество художника, тоже имеет право прийти на выставку и получить удовольствие. Мое мнение: искусство должно быть доступно каждому вне зависимости от глубины познаний.
Важно, чтобы зритель ушел вдохновленным, с улыбкой на лице, или переосмыслил какие-то важные вещи… Но не покинул выставку с распухшей от информации головой.
Есть базовые правила, которые помогают достичь положительного эффекта:
- авторская идея должна быть доступной любому — даже самому неподготовленному зрителю;
- смысл всегда можно передать простым языком, без сложных форм и терминов;
- не нужно делать из своего творчества нечто недосягаемое или элитарное.
Как начать разбираться в искусстве и получать от него удовольствие:
- развивайте свою «насмотренность» и воспитывайте вкус;
- обращайте внимание на эмоции и ассоциации, которые вызывает произведение;
- отслеживайте и изучайте контекст, в котором создана и существует работа;
- познакомьтесь с биографией автора и его прошлыми работами;
- научитесь распознавать отсылки и замечать смысл;
- доверяйте своим ощущениям.
Понимать произведение полезно, но не обязательно. Важнее его прочувствовать. Современное искусство настолько разнообразно, что каждый может найти в нем чем-то свое. Вы не обязаны считать какое-либо произведение хорошим лишь потому, что так сказал арт-критик.
Объект и пространство
Восприятие и понимание могут влиять на места и обстоятельств, в которых представлена работа. Например, масштабные городские скульптуры — с их появлением меняется облик города. А в домашней коллекции произведение способно наполнить пространство, «сконцентрировать» его вокруг себя, придать ему смысл. Поэтому я бы никогда не повесила у себя дома или в офисе картину, которая вызывает негативные ассоциации.
Бывает наоборот: пространство влияет на объект. Поделюсь опытом организации крупного мероприятия: фестиваля ARTLIFE в «Манеже». Для меня как для куратора одна из важных задач — правильно продумать расположение работ и освещение. «Манеж» — очень большая площадка, и многие художники, чьи произведения мы представляем на фестивале, поражаются, насколько лучше воспринимается работа при правильной подаче. Как начинают играть блики, свет, цвета…
Еще один яркий пример связи объекта и пространства — искусство уличной волны. Сейчас его все активнее выставляют в галереях и музеях. Известные российские стрит-арт-художники — Дмитрий Аске, Анатолий Акуе, Константин Zmogk, Александр Тито, Александр Волков — создают на холстах потрясающие работы в авторской уличной технике. Таким образом, мы видим, что по-настоящему талантливый, яркий художник не ограничивает себя одной привычной формой, а его произведения могут воздействовать на зрителя в разных пространствах.
Самоуверенные скептики
На саркастические фразы в стиле: «Да я сам так же бесплатно могу нарисовать!» я всегда отвечаю коротко: «Попробуйте!»
Если искусство вдохновляет человека, заставляет поверить в собственные силы и начать творить — это прекрасно. Сейчас открыто так много возможностей: живые мастер-классы художников для всех желающих, онлайн-курсы. В нашей онлайн-академии живописи ARTLIFE человек, который никогда не держал в руке кисть, может пройти обучение у известных художников со всего мира и освоить разные техники.
За подобными фразами часто стоит обесценивание чужого труда и взгляда на мир. Такую реакцию обычно вызывают произведения, которые кажутся легкими, спонтанными и живыми. Например, абстракция. Если при взгляде на реалистическое произведение у нас есть понятные критерии оценки (насколько хорошо написан портрет, насколько гармонично подобраны цвета, насколько это похоже на жизнь), то абстракция воздействует на наши эмоции. Мозгу нечего анализировать, и первая его реакция — обесценить.
Можно поступить так. А можно спросить себя: «Что я чувствую? Что во мне пробуждается?» Это помогает совершить удивительные открытия не только в искусстве, но и в своей жизни в целом.
Это важный навык — умение прислушаться к эмоциональному отклику вместо того, чтобы критиковать. Подумайте, какие ассоциации и параллели возникают в вашей голове. Как подбор цветов или сюжет картины влияют на эмоции. Да, художник вкладывает в работу определенный посыл, но интерпретация зрителя тоже интересна.
Когда мы открыты и позволяем себе остановиться перед произведением и отследить, что рождается внутри, происходит волшебство. А если не происходит — это тоже нормально.
Конечно, у меня, как и у всех, некоторые работы вызывают отторжение. Мне непонятно слишком провокационное искусство, я не люблю, когда после выставки остается неприятный осадок. Бывает, что произведение вообще не трогает и я ничего не чувствую. Это не говорит ровным счетом ничего о самом произведении или обо мне. Это значит, что оно просто не для меня. Вот и все.
Споры об искусстве
Мне не очень интересно участвовать в спорах, но иногда что-то не может не задеть — все равно вовлекаешься, анализируешь и формируешь собственное мнение. Из относительно недавнего — это, конечно, шум вокруг скульптуры Урса Фишера «Большая глина № 4».
На мой взгляд, наше общество пока еще не привыкло к таким объектам городской культуры. Многие считают Москву своим домом, и нам не нравится, когда дома появляется нечто огромное и непонятное. Мы не знаем, как реагировать, не хотим разбираться и идем по пути отрицания и гнева.
При этом недалеко от «Глины» находится скульптура Петра I, которая в свое время тоже существенно изменила привычный городской ландшафт и вызвала много недовольства. Людям было непонятно, как связаны Петр I и Москва-река, скульптуру считали уродливой и несуразной. Какой многие сейчас считают «Глину». Но мы видим, что споры о Петре утихли, и «Музеон» без него уже сложно представить. Скульптура стала одним из символов города, достопримечательностью.
Иногда люди не хотят искать смысл. Хотя, на мой взгляд, это хороший вопрос к себе: «А что хотел сказать Фишер своей скульптурой?» Если мы начнем разбираться и почитаем, например, интервью с художником, то узнаем, что за этой скульптурой стоит история первого жеста его новорожденной дочери. Когда девочку вынесли к папе, Фишер протянул ей палец, а малышка его схватила. Именно это действие автор и зафиксировал в «Глине».
Скульптуру называют памятником творческой потребности человека, желанию создавать нечто из ничего. А что мы увидим — движение ребенка, манифест силе творчества или нечто непотребное — больше говорит о нас, чем об объекте.
Любой взгляд имеет место, не нужно заставлять кого-либо менять мнение. С чем связаны те или иные реакции — хороший вопрос. С психологией, воспитанием, насмотренностью, погруженностью в контекст, тем, насколько мы позволяем или не позволяем появиться чему-то новому в своей жизни. Так было всегда и так будет всегда, это совершенно нормально. Другое дело — насколько нормально то, что людей заставляют принимать такие объекты искусства, как «Глина», помещая их в городскую среду. Если в случае с выставкой или объектом в музее мы можем выбирать, ходить туда или нет, то здесь выбора нет. Возможно, это не совсем этично, но мы всегда вольны выбирать свою реакцию. Есть скульптура, и она вызывает в нас определенные эмоции. Но ответственность за них всегда на нас, а не на скульпторе, художнике или дирекции ГЭС-2.
Тренды в современном искусстве
Самый любопытный тренд — набирающее популярность цифровое искусство. Сюда я отношу любые вещи, созданные при помощи современных технологий. Это и виртуальные скульптуры художника Kaws, и диджитал-арт, и видеоарт, говоря о котором, я вспоминаю нашумевшую выставку Билла Виолы в Пушкинском музее.Не думаю, что искусство полностью уйдет в онлайн-формат, но это направление активно развивается. Любопытно наблюдать за тем, во что это выльется.
Мне очень нравится то, что делают Джеймс Джин, Гильермо Гарсия Лорка. Я была под большим впечатлением от выставки Билла Виолы, обожаю творчество Марка Теннанта, Джозефа Ли, Дэвида Даунтона и Ольги Мичи.
Особенно меня трогают работы художников, которые мы представляем на Международном интерактивном фестивале современного искусства ARTLIFE в «Манеже». Фестиваль пройдет уже совсем скоро, с 25 по 31 октября. Это будет грандиозная выставка, мы уже привезли 333 картины и скульптуры от 64 художников из 23 стран. Мы представим самые разные техники и стили: реализм, гиперреализм, digital-арт, fashion-иллюстрацию, абстракцию, стрит-арт.
Фестиваль бесплатный и проходит четвертый год, тема в этом году — «Искусство новой реальности», и я очень надеюсь, что как можно больше людей смогут прикоснуться к красивой и мощной силе творчества, испытать вдохновение, посетить лекции топовых арт-экспертов и просто прекрасно провести время.
Сейчас особенно важно быть сплоченными, чуткими и внимательными друг к другу. Это непростое время, но оно дано нам для того, чтобы увидеть, насколько все мы связаны между собой, насколько здоровье и счастье общества зависят от здоровья и счастья каждого отдельного человека. Это наша новая реальность, в которой искусство и творчество играют ключевые роли.