Добрый день, уважаемые читатели!
Начало XX века ознаменовалось художественным прорывом, осуществлённым Пабло Пикассо. Постоянно находясь в поиске новых форм для выражения собственных эмоций, художник неизменно считал, что итог намного значительнее процесса. Характерно известное высказывание Пикассо: «Я не ищу, я нахожу».
Творчество Пикассо поражает разнообразием направлений и продуктивностью. Хотя известность пришла к нему преимущественно как к живописцу, он проявлял изобретательность и в качестве скульптора, сценографа, рисовальщика, офортиста и мастера гончарного дела.
Пикассо обладал удивительной скоростью работы. Согласно собственным словам, в ранние парижские годы он ежедневно писал три картины. Примечательно, что масштабное полотно «Герника», достигшее ширины почти восьми метров, было создано им всего за шесть недель.
Мозаика стилей
Наследие Пикассо огромно — около двадцати тысяч произведений, выполненных в разных стилевых направлениях. Традиционно биографию художника разделяют на периоды, однако его мышление и руки работали настолько быстро, что зачастую он опережал собственные достижения. Такова позиция автора знаменитого высказывания: «Моя смена стилей не является ни результатом эволюции, ни поиском какого-то идеала. Если возникает желание выразить нечто определенное, я делаю это немедленно, не оглядываясь назад и не заглядывая вперёд…».
Действительно, Пикассо легко менял направления, чередуя почти абстрактные, искажённые образы с идеально точной реализацией рисунка, демонстрируя мастерство, сопоставимое с лучшими рисовальщиками XIX века.
Рождение кубизма
Ещё одно высказывание Пикассо звучит так: «Я рисую объект таким, каким его представляю, а не таким, каким вижу». Оно точно отражает сущность кубизма, возникшего в результате сотрудничества Пикассо с Жоржем Браком. Всемирную популярность принёс Пикассо именно кубизм, сыгравший огромную роль в развитии искусства XX века. Историк искусства Джон Голдинг отмечал, что «радикальное преобразование живописи, произошедшее благодаря кубизму, возможно, является наиболее важным событием в искусстве со времён Возрождения».
Название этого течения возникло случайно: критиком, высмеявшим использование Браком простых форм, был брошен упрек, будто художник сводит всё к «маленьким кубикам». Тем не менее Пикассо и Брак одобрили термин, хотя объекты на их полотнах раскладывались не на кубы, а скорее на грани. Главное нововведение кубизма состояло в отказе от традиционного европейского подхода к изображению предметов исключительно с одного ракурса. Вместо этого использовалась одновременная демонстрация объекта с разных сторон.
Таким образом, художник раскрывал внутреннюю структуру предмета, а не только внешнюю оболочку. Ученики Пикассо и Брака освоили метод разделения объекта на составляющие формы и свободное перемещение их частей, превратив картины из окна в окружающий мир в плоскость, отражающую индивидуальное восприятие объекта автором.
Темы и вариации
Создание нового художественного направления — кубизма — потребовало от Брака и Пикассо длительной совместной работы, длившейся с 1907 по 1914 год, пока война не прервала деятельность Брака, отправленного на военную службу. Наибольшего взаимодействия авторы достигли в промежутке между 1910 и 1912 годами. Произведения обоих мастеров той поры столь схожи, что даже специалистам бывает трудно определить принадлежность отдельных полотен. Ранний этап развития кубизма, охватывающий период до 1911 года, известен как аналитический кубизм. Художники исследуют форму предметов, дробят их на составные части и воспроизводят полученные фрагменты на холсте.
Поздний этап развития кубизма называется синтетическим. На этой стадии художники начинают применять готовую продукцию и материалы, буквально собирая картину из ткани, кусочков металла или древесины. Такая практика была весьма инновационной для того времени.
Работая в рамках кубизма, Брак и Пикассо чаще всего выбирали небольшой набор сюжетов и жанров, отдавая предпочтение натюрморту. В большинстве случаев изображаемые ими объекты носили нейтральный вневременной характер, облегчая зрителю понимание структуры знакомых предметов и возможностей их трансформации.
Кубистическая техника позволила Пикассо исследовать анатомию тела человека, хотя порой он использовал её и для портретов. Его умение внимательно анализировать реальность помогало создавать запоминающиеся образы. Впоследствии художник неоднократно возвращался к мифологии, особенно интересуясь легендой о Минотавре — существе, совмещающем признаки мужчины и быка.
Формы и чувства
Пикассо редко полагался на теории, утверждая: «Любя женщину, мы не замеряем длину её конечностей. Мы любим её сердцем». Для него главным было искреннее выражение чувств. Искусство деформации человеческих тел служило именно этой цели.
Одной из особенностей творческого метода Пикассо являлось расчленение человеческого тела на компоненты. Размещение глаз, ушей, губ и носа в нестандартных местах усиливало точность восприятия личных ощущений.
Значительную часть наследия Пикассо составляют автобиографические работы, и особенное место занимают портреты любимых женщин. Некоторые из этих изображений наполнены откровенной эротичностью, вызывая как похвалу, так и критику. Позднее творчество характеризуется различными эмоциями: одни женские образы отмечены грубостью и агрессией, другие созданы с невероятной теплотой и деликатностью.
Методы работы
Несмотря на репутацию новатора, Пикассо в выборе материалов и методов исполнения нередко придерживался традиционных подходов. Он предпочитал рисовать масляными красками на холсте, хотя порой использовал дерево или картон. Маленькие картины выполнял на бумаге акварелью. Вместе с тем, если техника становилась помехой, художник без колебаний отходил от традиций. Яркий пример — эксперименты с добавлением песка или древесных опилок в краску ради придания поверхности особого рельефа.
Картины Пикассо обычно создаются на столе, а не на мольберте, при искусственном свете, считая его предпочтительным для творчества, в отличие от естественного освещения. Размеры большинства его работ скромны, исключение представляет разве что монументальная «Герника». Рисунки художника зачастую существовали отдельно, но иногда сопровождались подготовительными эскизами для крупных проектов.
Критики расходятся во мнениях касательно поздних этапов творчества Пикассо. Одни утверждают, что после завершения Второй мировой войны он утратил способность создавать значительные произведения. Другие убеждены, что вплоть до последнего вздоха он продолжал оставаться великим мастером. Последним работам характерны яркие цвета и свободный стиль письма. Специалисты считают Пикассо предшественником неоэкспрессионизма, жанра, получившего широкое распространение в авангардном искусстве 1980-х годов.
Источники вдохновения
Пикассо глубоко изучал различные художественные школы и приемы, некоторые из которых оказали существенное влияние на формирование его собственного стиля. Например, в произведении «Авиньонские девицы» заметно сходство с картиной Сезанна «Три купальщицы».
Важным источником вдохновения для Пикассо послужила выставка искусства Африки и Океании, прошедшая в Париже в 1907 году. Художник рассказывал, что это событие открыло ему новый взгляд на искусство. Особое впечатление на него произвели изображения с нарушенной пропорцией тел и плоской передачей черт лица, подобные этой ритуальной маске из Центральной Африки.
Работа для театра
В 1916 году Жан Кокто предложил Пикассо заняться оформлением балета «Парад», постановщик которого Сергей Дягилев (1872—1929) мечтал воплотить идею синтеза искусств в театре. Под руководством Дягилева спектакль объединил хореографию, живопись, литературу и музыку.
Хореографом выступил Леон Бакст, либретто написали Жан Кокто и Эрик Сати, музыка была создана самим композитором Эриком Сати. Важную роль сыграл Пикассо, разработавший декорации и оригинальные костюмы для исполнителей. Одним из ключевых элементов спектакля стал занавес, созданный Пикассо специально для постановки. Еще одним ярким примером дизайна костюмов стал костюм американского управляющего («Управляющего») — визуализация Нью-Йоркского небоскрёба в неоклассическом стиле.
Неоклассицизм
После завершения Первой мировой войны Пикассо провёл значительную часть времени на юге Франции, погрузившись в эпоху неоклассицизма, характеризующегося изображением мощных скульптурных тел. Вероятно, на этот выбор повлияла южная средиземноморская культура, ведь в 1917 году художник посетил раскопки фресок в Помпеях. Кроме того, существует версия, согласно которой он находился под влиянием строгих линий и точности рисунка Жана Огюста Доминика Энгра.
Например, картина «Бег» (1922) впоследствии повторится в оформлении спускающегося занавеса, выполненном Пикассо для постановки балета Сергея Дягилева «Голубой экспресс».
Примитивизм
Мастерство владения разными техниками живописи ярко проявляется в работе «Игра в мяч» (1928). Шесть лет спустя после создания «Бега» Пикассо снова обращается к крупным фигурам на морском фоне, однако на сей раз классический строй и утончённость форм сменяются простотой, близкой детскому творчеству. Стилистика цветов продолжает придерживаться выбранного принципа.
Данная картина — лишь одна из множества аналогичных работ, созданных Пикассо в течение 1928 и 1929 годов, когда он проводил отпуск вместе с семьёй на французском побережье Нормандии.
Кубистический переворот
«Натюрморт с плетёным стулом», датируемый 1912 годом, считается первым представителем синтетического кубизма. Этот стиль подразумевает включение реальных предметов в художественную композицию, например газетных вырезок. Однако в данном конкретном примере сюрпризы начинаются сразу: настоящая иллюзия принадлежит изображению стула, которое выполнено не вручную, а напечатано на клеёнке.
Переход от аналитического к синтетическому кубизму стал настоящим взрывом для классической живописи Европы. С момента ренессанса европейцы привыкли передавать увиденное в натуре, никому не приходило в голову расчленять объект на отдельные элементы и комбинировать их произвольным образом. Такое решение предложили Пикассо и Брак, навсегда изменившие правила игры. Появление синтетического кубизма дало свободу в применении ярких цветов. До этого аналитический кубизм сдерживал авторов жёсткими требованиями к форме, игнорируя игру цвета. Серые и коричневые оттенки господствовали в палитрах кубистов, пока новая методика не внесла свежесть, обогатившую произведения сочными оттенками.
Кроме того, расширение границ произошло и в области выбора тем. Ранее художники-кубисты тяготели к узкому кругу сюжетов, связанных с атмосферой кафе. Редкое отступление от этого шаблона наблюдалось в серии портретов, таких как изображение арт-дилера Амбруаза Воллара.
Гравюра
Пикассо создал свыше 2000 гравюр за всю свою жизнь. Значительная часть из них вошла в знаменитую коллекцию под названием «Сюита Воллара», созданная в 1930-е годы. Наряду с офортом, художник успешно осваивает литографию и линолеумную гравюру.
Стилистическое разнообразие гравюр Пикассо охватывает широкий спектр настроений и техник — от элегантных ранних композиций до зрелых произведений, отмеченных энергией и смелостью. Использование линолеума обусловлено удобством обработки материала, позволяющей легко нарезать крупный и чёткий рисунок, что объясняет привязанность мастера к данному материалу. В этой технике Пикассо разработал особую технологию нанесения многослойных цветов с единой матрицы, открыв новую грань творческих возможностей.
Пикассо и политика
Картина «Герника» стала мощным политическим заявлением, отражающим реакцию Пикассо на ужасы Гражданской войны в Испании. Вторая мировая война произвела глубокое впечатление на художника, заставив его присоединиться в 1944 году к Французской коммунистической партии. Послевоенный период отмечен множеством политических работ, среди которых выделяется фреска «Мир» (1952).
Не только живопись
Постоянно расширяя границы искусства, Пикассо обратился к скульптуре и керамике, демонстрируя настоящий художественный прорыв.
Традиционная концепция скульптуры подразумевала изготовление статуи путём резьбы твёрдых материалов (например, камня или мрамора) или лепки мягких веществ (таких как глина). Однако начиная с 1912 года Пикассо начал собирать свои скульптуры из совершенно неожиданных предметов. Например, «Женская голова» (1931) выполнена из обычных кухонных приборов, а голова обезьяны («Обезьяна с младенцем», 1952) собрана из детской игрушки-машинки.
Позднее Пикассо заинтересовался керамическими изделиями, осознавая, что трёхмерные предметы предоставляют дополнительные плоские поверхности для росписи. Среди известных примеров — ваза в форме птицы с открытыми крыльями и двумя лицами, нарисованными на передней стороне.
Поддержать канал автору на мечту можно здесь:
Для новых материалов подписывайтесь на канал:
Ставьте лайки и комментируйте
Читайте также:
