Такое провокационное название статьи из-за того, что чаще всего, увы, именно беседы с учеником на уроках, на которых "надо играть, играть и ещё много раз играть", недооцениваются. При том, что "лишних" слов действительно не должно получать ученику от учителя, вникнем в тот, увы, не очевидный для многих факт, что правильно инициированная мысль ученика даёт результат скорее, а главное - результат более "объёмный", чем часы механических упражнений.
В таких вопросах приходится непрестанно "оговаривать", что вовсе не отрицаем и не принижаем необходимость "количественной" стороны в обучении игре на музыкальном инструменте (если нет часов занятий, не будет, конечно, и качественных результатов). Однако обратим внимание, что в вопросе качества именно мысль играет главную роль – во всяком деле, и овладение мастерством исполнения – не исключение.
Здесь не станем много говорить о том, что мысль, цельная и одухотворённая, даёт импульс к "развёртыванию" способностей, является динамической силой в процессе "утончения" музыкальных восприятий, ведь мысль есть энергия. Эта тема важна, и сейчас – особенно, когда несоразмерно велико внимание к И.И., в то время, когда особенно необходимо внимание к потенциалу мысли человека. Затронем только практический аспект, собственно урок специальности, где размышление ("о возвышенном") – метод.
Предположим, в процессе работы над музыкальным произведением с учеником вам хочется, чтобы "тема" была исполнена более цельно, глубже прочувствована, тоньше проинтонирована, динамика была органичной, естественной и т.д. Чаще всего, желая сократить "путь", время подготовки, учитель (и это оправданно, если не становится единственным методом) буквально "вручную" внедряет каждый "элемент качества": здесь так-то, здесь таким приёмом, таким прикосновением к струне, таким-то звуком; здесь "мягче", здесь "активнее", и так далее, – то есть учитель показывает на инструменте и объясняет приёмы, а ученик – копирует, осознавая в меру своих сил, "о чём" он играет.
Такой метод (в противоположность собственному исканию ученика), называемый натаскиванием, который все ругают и тем не менее все применяют на всех ступенях обучения, является некоторого рода прямой передачей мастерства. И, как все методы, имеет вполне определённый диапазон и границы. Проблема в том, что эти границы чаще всего "нарушаются", именно в этом причина и механичной игры на конкурсах, и безжизненности исполнений даже вполне состоявшихся музыкантов. А что касается "вечно модной" темы вундеркиндов, то здесь перекос в сторону неосознанного, неосмысленного копирования внешней стороны мастерства (тоже пример к теме предыдущей статьи) имеется практически во всех случаях, поскольку внешняя часть способностей – быстрое копирование – здесь эксплуатируется даже без сомнений в правильности закладываемой базы развития начинающего музыканта.
После "оговорок" о "методе" натаскивания, вернёмся к теме "мысль": что, как и когда сказать ученику, чтобы и качества исполнения программы скорее достигнуть, и чтобы это исполнение было органичным для ученика, чтобы не только руки и мысль учителя "звучали" посредством ученика, но сам ученик, его сознание формировали интонирование (в широком смысле понятия, не только звуко-высотном). (Для не специалистов: "программа" в данном случае – это несколько музыкальных произведений в работе, которые готовятся к "показу".)
Мы уже говорили, что формулирование, словесное выражение идеи исполняемого произведения, мыслей, образующих основные темы произведения, является способом активизации всех музыкальных восприятий ученика. Но при двух условиях: во-первых, мысль должна быть искренней и естественной. А, во во-вторых, мысль (и образ, ей соответствующий), должна быть возвышенной.
Казалось бы, простое условие. Но, как всем понятно, если общение с учеником в музыке всегда было "приземлённым", то "вдруг" невозможно проявить нечто возвышенное, – получится грубо, если не кощунственно. Поэтому для того, чтобы "метод возвышенной мысли" "работал", надо, чтобы с самого начала в занятиях было сформировано соответствующее отношение к музыке и к исполнительству, лишённое всего грубого и "мелочного".
В условиях соответствующей мысленной "атмосферы" (не путать сентиментальность как форму грубости с чистой мотивацией деятельности) говорить "о чём играем, о чём "говорим" музыкой" – естественно. Но даже одно безмолвное сосредоточение (просто остановиться и помыслить возвышенно об исполняемом) сразу даст улучшение качества звучания и интонирования.
И, конечно, не всякий момент является подходящим. Во всём необходимо следовать чувству гармонии, принимая во внимание условия текущих "ритмов" – как в пространстве, так и в мышлении участников работы. Естественно находить высокие идеи в исполняемой музыке и "озвучивать" их (и словесно, и музыкально) тогда, когда хотя бы иногда с учениками говорят "о важном" – об Основах жизни и искусства. "Жизнь", "бессмертие", "беспредельность", "мысль" и другие подобные темы, – если есть возможность хотя бы изредка касаться их на уроке, то развитие всех способностей ученика будет необычайно ускорено.
Эти "невидимые" процессы вполне будут поняты только людьми, которые понимают, что такое энергия мысли (необыденной, искренней), энергия духовности (каждый ученик имеет определённый потенциал духовности и культуры, но необходимо, чтобы этот накопленный потенциал был востребован).
Так среди методов "обычных" не забудем о "необычных", хотя необычны они только из-за ставшей привычной суеты и спешки. А самое ценное, как известно, творится в тишине и неспешно.
Гореликова М.В.
Благодарим Вас за внимание!