Добрый вечер, уважаемые подписчики!)
И перед началом статьи мне бы хотелось сделать небольшое объявление!
Так как недавно я публиковала пост, что планирую делать выпуски и по мировой художественной культуре, то я меняю расписание выпусков по современному искусству. Почему? Чтобы не снизить качество контента.
Пока что выпуски из этой подборки будут выходить только по пятницам!!
В ближайшее время я опубликую и закреплю расписание выхода публикаций.
Как обычно, напоминаю, что у нас есть целая подборка статей по истории современного искусства, а также отдельная подборка про интересных художников нашего времени.
В прошлых статьях мы с вами обсудили общие понятия и говорили про "пионеров" абстракционизма - вот ссылочки на первую и вторую части.
Абстракционизм 40—50-е годы 20-го века.
Думаю, что все без подсказок знают, что творилось на мировой арене в этот период. Многие европейские художники, дискриминируемые нацистами и коммунистами, эмигрировали в Америку, поэтому именно там происходят все судьбоносные для искусства события данного периода.
В США с началом 40-х годов начинается подъем абстракционизма. Почему именно это направление? Искусство всегда было средством самовыражения, а абстрактное искусство – самый доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, это прямая реализация свободы.
Не случайно в советское время упоминание об абстрактном искусстве допускалось только в критическом контексте. Власть испытывала перед ним особенный страх.
Нью-Йорк становится новым мировым центром абстрактного искусства. Художники этой волны вошли в историю как «нью-йоркская школа», которая по стилю отличалась прямолинейным геометризмом и бессознательным автоматизмом творчества.
В целом, этот период можно даже назвать не просто абстракционизмом, а абстрактным экспрессионизмом.
Абстрактный экспрессионизм зародился после Второй мировой войны и стал анархистским, бунтарским и даже нигилистическим движением.
Европейским аналогом нью-йоркской школы был ташизм, но это будет в следующем выпуске. :)
Итак, теперь поговорим о представителях этой самой "нью-йоркской" школы!
Марк Ротко (Маркус Яковлевич Роткович)
Да, настоящее имя Марка Ротко - Маркус Яковлевич Роткович, и он уроженец Латвии. Марк Ротко входит в «святую троицу» абстрактного экспрессионизма вместе с Джексоном Поллоком и Виллемом де Кунингом. Он был известен как один из законодателей живописи цветового поля.
Воспитывался в интеллигентной еврейской семье, но с небольшим отличием: обычно в таких семьях делают упор на религию, но не в этой - здесь отец семейства был сторонником марксистских идеалов, поэтому и делал упор на политику и экономику.
Когда началась Вторая мировая война, движимый страхом отец вместе со старшими сыновьями, уехал в США. Чуть позже к ним присоединяются мать с Маркусом и младшей сестрой.
Но воссоединение было недолгим: всего несколько месяцев спустя отец умирает от рака. Эта трагедия будет первой в череде событий, которые будут истязать душу чувствительного и эмоционального художника на протяжении всей жизни.
Благодаря интеллектуальному вкладу отца, Марк перескочил через несколько классов в школе и даже получил грант на первый год обучения в университете Йеля. Но к концу второго курса он бросил учебу, так как альма матер показалась революционно настроенному студенту пристанищем снобов и расистов.
Карьера Марка Ротко началась "случайно". Можно сказать, он просто удачно зашел к своему знакомому другу в Лиге студентов-художников Нью-Йорка и застал его за рисованием модели с натуры.
Сначала Маркус брал уроки живописи в школе дизайна Парсонс под началом Аршиля Горки – американского авангардиста армянского происхождения.
Но большего взаимопонимания ему удалось достичь с Максом Вебером – иммигрантом еврейского происхождения, тоже из Российской империи.
Главным источником страхов и растущей тревожности молодого художника в конце 1930-х годов был стремительный рост влияния нацистских идей в Европе. Из-за роста антисемитских настроений в 1940 году он перестраховывается и сокращает имя до более привычного нам Марка Ротко. В этот же период он увлекается сюрреализмом в своей авторской интерпретации: вдохновляясь религиозными сюжетами и античными мифами, а также идеями Ницше, Фрейда и Юнга.
Трагедии Второй мировой войны имели необратимые последствия для хрупкой психики художника. Его мечтой (ей не суждено будет осуществиться) станет написать цикл полотен для музея, посвященного Холокосту. На протяжении всей жизни в своих работах он стремился выразить глубину отчаяния и ужаса перед деяниями, на которые оказалось способным человечество.
В начале 1950-х Ротко предпринимает поездку по Европе. Библиотека Медичи во Флоренции, построенная по проекту Микеланджело, оригиналы работ любимых художников – Рембрандта, Тернера и Матисса – станут для него источником вдохновения на многие годы вперед.
Но переломный момент произойдет в Нью-Йорке, где в Музее современного искусства Ротко на несколько часов застынет перед картиной Матисса «Красная студия».
«Когда вы смотрите на эту картину, вы становитесь этим цветом, вы совершенно пропитываетесь им», - объяснял он.
Влияние цвета стало толчком к экспериментам художника с цветовыми полями (критики также применяли к ним термин «мультиформы»). Постепенно выкристаллизовывается фирменный почерк Ротко, которым он вписал свое имя в историю американского абстрактного экспрессионизма.
Ротко никогда не стремился создавать работы, которые будут идеально смотреться в жилых интерьерах и бойко продаваться. Но мода того времени ввела бурный спрос на яркие, а порой и кислотные картины Ротко.
Все это привело к тому, что Ротко, который жил исключительно искусством, начал вообще сомневаться в своем праве называться художником. От пестрой и сияющей палитры он обращается к все более темным оттенкам, а затем и вовсе к серо-черной гамме.
Депрессия окончательно поглотила художника в 1970 году. К тому моменту он уже перестал писать картины и постоянно находился в тёмной студии, куда не проникал ни один луч света. 25 февраля 1970 года, придя в студию, его помощник нашел Ротко на полу кухни. Находясь под большим количеством антидепрессантов, художник покончил с собой.
На самом деле, просто листая его картины на смартфоне или даже на большом экране, сложно ощутить всю мощь его, казалось бы незамысловатых, картин. Их нужно видеть живую. Только тогда вы сможете ощутить почему они стали так известны и популярны. И почему эти картины до сих пор на аукционах стоят бешенных денег (аукционный дом Christie"s продал "№. 6 (фиолетовый, зеленый и красный)" за более чем сто миллионов долларов)
Джексон Поллок
Джексон Поллок - американский художник, который также входил в «святую троицу» абстрактного экспрессионизма. Он известен своей уникальной «капельной» техникой (ее еще называют «разбрызгиванием»). Расстилая холст на полу, он двигался в него, как в танце, разбрызгивая краску с помощью кистей и всевозможных подручных предметов. Иногда он даже наливал краску в банку с дырками и ходил с ней, создавая на холсте интересные узоры. Называлось это «дриппинг».
Думаю, конкретно эта работа попадалась каждому на глаза.
«Каждый хороший художник рисует то, чем является он сам», - сказал как-то Поллок.
Тогда, вглядываясь в его полотна, можно сказать, что в душе Поллока творился хаос. И правда, этот художник обладал очень тяжелым и странным характером, а также страдал алкоголизмом и был склонен к депрессии (может ещё чем-нибудь, но об этом история умалчивает).
Во многих источниках пишут, что на его полотнах хаос лишь при первом взгляде, а вот если всмотреться внимательнее - можно увидеть гармонию и порядок. (Я пыталась всмотреться, но не вышло. Скорее всего, нужно смотреть вживую, как и с работами Ротко)
Художникам, которые прославились на весь мир, принято прощать многие поступки. Они превращаются в своего рода касту, которой не свойственны человеческие слабости, а если такие и имеются, общественность делает вид, что ничего не видит. Однако Джексон Поллок, несмотря на свои творческие способности, был все же самым обыкновенным человеком. Поллок, не выпускавший изо рта сигареты, а из рук – бутылки, портил жизнь близким, устраивал скандалы и пьяные дебоши, часто оставался без гроша в кармане.
В возрасте 24 лет молодой художник был уже состоявшимся алкоголиком. И очень плохо ладил с людьми. Замкнутый и нелюдимый, подверженный вспышкам гнева - Поллок то и дело вляпывался в скандалы.
В 1941 году Поллок познакомился с Ли Краснер (они и до этого виделись раз, но Поллок этого не запомнил, так как был очень пьян). Трудно сказать, что привлекло молодую независимую женщину, обладавшую несомненно большим опытом в искусстве и багажом знаний, в мрачном алкоголике, игравшем роль развязного ковбоя. Но позже Ли признавалась, что влюбилась в него моментально. Через некоторое время они поселились вместе, и Краснер на долгие годы стала главной поклонницей творчества Поллока, его опекуном и секретарем.
Благодаря Ли Краснер художник познакомился со многими представителями творческой элиты Нью-Йорка, в том числе и со знаменитой галеристкой Пегги Гуггенхайм, впервые представившей картину Поллока публике («Стенографическая фигура», 1943), заказавшей ему масштабное полотно для своего дома и организовавшей несколько его персональных выставок.
Джексон сменил нескольких агентов, но никто из них не смог добиться хоть какого-нибудь прогресса. Так продолжалось до тех пор, пока художник не изобрел персональную «капельную» технику о которой мы говорили выше, принесшую ему мировую известность.
В отличие от многих людей искусства, Поллок не нуждался в допинге, чтобы рисовать. Алкоголь становился для него лишь препятствием в работе.
Возможно, именно поэтому два года полной трезвости стали для Джексона самыми продуктивными. И он, благодаря трезвому образу жизни, написал основные свои шедевры. Их вы можете наблюдать выше.
К сожалению, Джексон вернулся к выпивке и к своему привычному образу. С каждым годом Поллок писал все меньше, но все же успел создать несколько потрясающих полотен: пугающие «Синие столбы» (1952), головокружительную «Конвергенцию» (1952) и завораживающую «Глубину» (1953).
Все, кто был близко знаком с Джексоном Поллоком, сходились в одном: всю жизнь художник боролся с собственными демонами. Возможно, они все же одержали верх.
Страшным, но эффектным завершающим штрихом в жизни художника стала автокатастрофа, в которой погиб сам 44-летний Поллок, изрядно выпивший, как сесть за руль, и одна из его пассажирок.
Виллем де Кунинг
Виллем де Кунинг - американский художник голландского происхождения, который завершает «святую троицу» абстрактного экспрессионизма. В возрасте 22 лет нелегально мигрировал в США, почти всю жизнь прожил в Нью-Йорке. Добился признания еще при жизни, неоднократно организовывал персональные выставки в музеях и галереях США. В 21 веке картины де Кунинга стали продаваться за рекордные суммы.
Он работал в самых разнообразных техниках, начиная от гравюр и заканчивая проектами муралов, постоянно экспериментировал с материалами. Однако наибольшим вкладом в американскую живопись считаются произведения де Кунинга, написанные в стиле абстрактного экспрессионизма, а также серия «Женщины». (В 2006 году его третья картина из серии «Женщины» была продана за 137,5 миллионов долларов)
Жизненная позиция Виллема де Кунинга была простой и сложной одновременно:
«Ты должен меняться, чтобы оставаться прежним».
Вся его жизнь, кажется, была подчинена этому парадоксальному правилу. В отличие от других художников, в творчестве де Кунинга нет работ, разделённых на стили, он считал это обманом и официально не примыкал ни к одному художественному движению.
В 1920 году де Кунинг нанимается ассистентом к художественному декоратору и дизайнеру Бернару Ромейну. В это время он уже начинает писать в свободные от работы часы, но ранних картин художника, к сожалению, сохранилось очень мало. Одну из них вы можете увидеть ниже.
В 1948 году в Галерее Чарльза Эгана на Манхэттене состоялась первая персональная выставка Виллема де Кунинга.
Вскоре после выставки де Кунинг начинает продавать свои картины за внушительные суммы, а в 1951 году получает приз от Художественного института Чикаго за масштабное абстрактное полотно «Раскопки». Эту картину многие художественные критики считают одной из самых важных работ в американском искусстве ХХ века.
При взгляде на картины де Кунинга создается впечатление, что его воображение пребывало в постоянном поиске, постоянном движении. В 30-х и начале 40-х в своих работах он чаще всего обращается к антропоморфным формам, к примеру, пишет серию одиноких мужских фигур:
Затем полностью переключается на абстрактную живопись, создавая цикл черно-белых работ.
А в начале 50-х вдруг огорошивает публику и критиков своими знаменитыми «Женщинами».
Элейн Фрид восхищалась картинами де Кунинга задолго до личного знакомства с художником. Их первую встречу в манхэттенском кафе устроил учитель Элейн. На тот момент девушке едва исполнилось 18, де Кунингу же было 34. Художник решил стать наставником молодой амбициозной Фрид, однако отношения довольно быстро вышли за рамки рабочих.
В 1943 году Виллем и Элейн поженились, и лофт де Кунинга стал их общим домом и студией. Совместная жизнь де Кунингов была довольно странной с точки зрения общепринятых норм. Как сказали бы сейчас, они жили в «открытом браке».
Но живопись и одинаковые взгляды на супружескую верность были только двумя «китами», на которых держался этот странноватый брак. Третьим стал алкоголь. В конце концов, именно алкоголизм окончательно расшатал хрупкую конструкцию, умудрившуюся продержаться без малого 15 лет. В 1957 году супруги расстались. Они прожили порознь почти 20 лет, при этом не сочтя нужным развестись, а затем неожиданно снова воссоединились и прожили вместе до самой смерти.
После этого цвета в работах художника смягчились, формы стали более текучими. Он снова стал экспериментировать с материалами, добавляя в краски воду и сафлоровое масло, делая их более жидкими и скользящими, и в то же время превращая их в очень сложную для работы субстанцию.
С каждым годом де Кунинг работал все меньше, при этом спрос на его ранние работы только возрастал. На момент главного творческого триумфа состояние де Кунинга уже настолько ухудшилось (он страдал от Альцгеймера), что суд официально признал его недееспособным. Единственная дочь художника Лиза заботилась о нем до самой его смерти 19 марта 1997 года.
Здесь представлены не все художники Нью-Йоркской школы, а лишь «святая троица» абстрактного экспрессионизма. И если вам будет интересно прочитать про Барнета Ньюмена, Клиффорда Стилла, Марка Тоби и Франца Клайна, пишите в комментариях, я обязательно напишу о них.
Но а так, следующий наш выпуск будет про европейский аналог нью-йоркской школы - ташизм.
Всем спасибо за внимание!
