«Хотел я быть музыкантом или нет, у меня был всего один путь. Но кроме того, я был очарован самим процессом погружения в звук, и хотел быть частью всего этого». Джимми Пейдж
Все мы проходим примерно одинаковый земной путь: рождаемся, взрослеем, мужаем, стареем, дряхлеем и… уходим в вечность. Конечно, за исключением тех, у кого последняя фаза наступает раньше среднестатистического времени пребывания в этом мире. Год от года набираясь жизненного опыта, начинаешь всё явственнее ощущать, что главное – это успеть уложить в свой цикл то предназначение, что тебе было отпущено свыше. Кто-то размеренно месяц за месяцем кирпич к кирпичу выкладывает своё мироздание. А другой фонтанирует невероятными обретениями лишь десятилетие с небольшим, но именно этот вклад благодарное человечество превозносит превыше всего, окружая его создателя мифами и легендами.
Безусловно, спор о величайшем в мире гитаристе является крайне дискуссионным, но независимо от вашей позиции по этому вопросу, одно имя неизменно фигурирует в любых топах «величайших всех времён»: Джимми Пейдж. Как основатель культовой группы Led Zeppelin, он десятилетиями был в высшем эшелоне рок-музыки. Несмотря на то, что ему уже исполнилось 80 лет, легенда о Джимми Пейдже по-прежнему безраздельно правит среди поклонников рока разных поколений. Собственно, восемьдесят – это как раз именно то количество времени, когда воспоминания и свидетельства современников постепенно переходят в область мифов и легенд, которые уже живут собственной жизнью.
Джеймс Патрик Пейдж, родившийся 9 января 1944 года, обрёл духовное пробуждение в возрасте 12 лет, когда впервые взял в руки гитару. Людям удобнее приписывать сверхъестественное, чем признать очевидность, что в основе неординарного мастерства всегда лежит талант и беспрерывный упорный труд. И Джимми Пейдж был как раз из такой плеяды увлечённых талантливых тружеников. Казалось, юному Джеймсу было просто суждено овладеть шестиструнным инструментом, когда в доме его детства в Суррее чудесным образом появилась испанская гитара.
«Когда мы переехали из Фелтема на Майлз-роуд в Эпсоме, предыдущие владельцы оставили в нашем новом доме гитару. И это было похоже на действительно странное вмешательство, как будто бы гитара нашла меня сама».
Обнаружив старую испанскую акустику на чердаке своего нового дома и получив первые уроки от одноклассника и в Кингстонской музыкальной школе, он приступил затем к усиленному самообразованию, уделяя занятиям по 6-7 часов ежедневно. Эта страсть подпитывалась звуками рок-н-ролла из радиоприемника.
«Когда я услышал запись «Baby, Let's Play House» Элвиса Пресли, во мне проснулось желание научиться играть на гитаре. Помню, я услышал две гитары и бас и подумал: «Я тоже хочу так, как они». В этой музыке было столько энергии и жизни.
Когда я услышал рок-н-ролл, я действительно заразился им, и лекарства от этого не было. Я не хотел лечиться».
Так, слушая и подбирая партии рокабилли-гитаристов Скотти Мура и Джеймса Бёртона и ежедневно практикуясь, юноша проявил самозабвенное усердное совершенствование исполнительских навыков и скиллов. Пейджа, несомненно, помнят за его особый стиль хард-рока, популяризированный Led Zeppelin, но первая любовь музыканта, родившегося в Хестоне, была гораздо более легковесной. В возрасте всего 13 лет юный Джеймс (ни без содействия своей мамы) появился в детской программе Би-би-си «Все для тебя», исполнив «Mama Don't Want To Skiffle Anymore» на гитаре с полым корпусом. Скиффл был британским ответом на ранний американский рок-н-ролл и зачастую характеризовался самодельными инструментами и влиянием кантри и ритм-энд-блюза.
Как наглядно проиллюстрировано в этом видеоролике, скиффл был в основном акустическим, но Пейдж не смог устоять перед притягательностью американского рокабилли и его электрической природой. На переход к электроинструменту молодого гитариста вдохновил Бадди Холли, которым он был одержим:
«Соло, которые произвели на меня впечатление, могли вызвать дрожь по спине, и я тратил часы, а в некоторых случаях и дни, пытаясь их сыграть. Первые среди них были аккордовые соло Бадди Холли, такие как Peggy Sue»
Увидев страстное желание своего ребёнка, родители купили для сына электрогитару «Hofner President».
«Не знаю, куда она потом делась, но на моей первой гитаре было не так просто играть. Струны находились в нескольких милях от поверхности грифа – но это не могло остановить того, кто хотел играть на ней, но мои родители однажды сказали: «Мы хотим раздобыть тебе гитару получше», и именно «Hofner» стала той, которую они согласились мне купить».
В основном самоучка, Джимми вскоре посвятил всё своё существование совершенствованию мастерства игры на гитаре, проводя каждую возможную минуту за игрой на инструменте, к большому неудовольствию своих школьных учителей. Это раздражение вскоре вылилось наружу, и Пейдж в возрасте 15 лет после громкой ссоры с директором бросил среднюю школу, чтобы заняться музыкой.
Переходя от скиффла и рокабилли к блюзу, снимая гитарные риффы с пластинок, он научился импровизировать, оттачивая свое профессиональное мастерство, пройдя последовательно через группы Malcolm Austin and Whirlwinds, The Paramounts, Red E Lewis & Redcaps, Neil Christian & The Crusaders.
Ещё, обнаружив, что вся музыка, которую он полюбил, игралась на цельнокорпусных гитарах, Джимми обменял свой «Hofner President» на гитару «Futurama Grazioso». К концу своей карьеры в гастрольных группах того времени Пейдж обзавёлся уже и «Gibson Les Paul Custom Black Beauty».
Поворотным моментом музыкального мировоззрения послужило участие в 1962 году Neil Christian & The Crusaders в фестивале «American Folk Blues» в Манчестере. На этом мероприятии были ещё Сонни Терри и Брауни МакГи, Мемфис Слим, Вилли Диксон, Ти-Боун Уокер и многие другие. Блюз узурпировал новые привязанности юноши и даже косвенно привёл его в художественный колледж в 1963 году.
«Мне очень хотелось играть блюз. На фестивале в Манчестере я познакомился с Миком и Китом. У них тогда ещё не было Stones, они были просто блюзовыми энтузиастами, отправившимися в паломничестве, как и мы все. Мы были в одном доме, и парень только что получил альбом Хаулина Вульфа с креслом-качалкой на обложке. До этого, никто из нас такого не слышал, но в тот день мы все это услышали. Так что да... это было тем, что меняет жизнь».
Поступив в Художественный колледж Саттона в Суррее, студент Джимми Пейдж внимательно следил за музыкальными событиями. Чтобы достичь профессионального мастерства, он превратил холл дома Пейджей в студию с магнитофоном, грудами пластинок и записей, усилителями, различными электрогитарами и прочими инструментами. Каждое воскресенье у Джимми собирались и играли молодые блюзмены из Ричмонда и клуба «Ill Pie Island». Кроме того, Пейдж часто выступал на сцене клуба «Marquee» с такими группами, как Cyril Davies All Stars, Alexis Korner's Blues Incorporated, совместно с гитаристами Джеффом Беком и Эриком Клэптоном.
Однажды вечером там его приметил Джон Гибб из «Brian Howard & the Sillows» и попросил помочь записать несколько синглов на «Columbia Graphophone Company». Позже Майк Линдер из «Decca Records» первым предложил юноше регулярную студийную работу, где он, по сути, исполняя роль виртуозного наймита, используемого продюсерами для добавления неординарных звуков к игре молодых гитаристов из других групп. Его первой сессией на лейбле была запись «Diamonds» Jet Harris and Tony Meehan, занявшая первое место в чарте синглов в начале 1963 года.
Непрерывно поглощая музыкальный коктейль из записей блюзов, рок-н-роллов, кантри, скиффла, сёрфа и соула, Джимми сформировал тонкое и органичное чувство стиля и готовность к экспериментам. Рано вкусив «прелести» гастрольной жизни с разными группами, он в 19 лет прочно осел на «Decca Records» в качестве сессионного музыканта. Пейдж был известен всем как «Маленький Джим Пи», став одним из самых востребованных сессионных гитаристов в Великобритании.
«Моя сессионная работа была бесценна. В какой-то момент я играл по крайней мере три сессии в день, шесть дней в неделю! И я редко когда-либо знал заранее, что буду играть. Иногда я играл с группой, иногда я мог писать музыку для фильмов, и это мог быть фолк. Я мог соответствовать всем этим различным ролям и стилям. Но я многому научился даже на своих худших сессиях – и, поверьте мне, я играл на некоторых ужасных вещах.
Я мог вписаться в любую сессию, и я действительно весь был там. В этом нет никаких сомнений – официально я был в этой работе».
Большую часть начала 60-х Пейдж подыгрывал в качестве сессионщика различным исполнителям, прежде чем добился большего успеха, работая со звёздами первой величины, включая The Rolling Stones, Марианна Фейтфулл, Донован и The Who.
Многосторонний талант Джимми в воспроизведении любых гитарных стилей и неоценимая практика работы с различными музыкантами и продюсерами позволили ему развить тонкое понимание жанровых особенностей и сформировать собственный почерк, полный ярких приёмов и характерных оттенков. Еще он изучал и искусство звукозаписи, сотрудничая с молодыми звукоинженерами Глином Джонсом и Эдди Крамером, и даже поучаствовал в ряде записей в качестве продюсера.
«У меня было свое собственное представление о том, как это записать, но я хотел узнать, как это делается с технической точки зрения. Так что постепенно я изучил этот аспект, хотя и считаю себя самоучкой. Тем не менее, полученных знаний мне было достаточно, для того, чтобы стать студийным музыкантом. Кроме того, я узнал, как записывать и продюсировать, и то, как не надо это делать. Так что это было действительно отличной учебой».
А в конце 1965 года он выпустил на лейбле «Fontana» первый собственный сингл «She Just Satisfies». Сингл имел фузз, «кинксовскую» манеру игры на гитаре, бессмысленную лирику, и не очень внятный авторский вокал. При записи Джимми сам играл на всех инструментах, за исключением ударных.
Конечно, Джимми Пейдж, которого мы все знаем и любим, вышел на первый план во второй половине 60-х после присоединения к The Yardbirds – уважаемой группе, положившей начало карьере Джеффа Бека и Эрика Клэптона. Пейдж примкнул к The Yardbirds в 1966 году. Хотя группа просуществовала недолго после его инаугурации, семена Led Zeppelin были посеяны именно в это время. Тогда же Джимми улетел как-то в Индию, где изучал карнатическую музыку, бродя на побережье Аравийского моря и слушая странствующих музыкантов. Результат этого опыта можно было услышать на пластинке «Little Games».
Как известно, Led Zeppelin, получившие свое название с подачи барабанщика The Who Кита Муна, образовались в 1968 году. Тогда, чтобы отыграть незавершенные гастроли по Скандинавии с The Yardbirds, Пейдж решил изменить немного конфигурацию группы новым составом. Нужен был эмоциональный вокал, следующий параллельно гитаре.
Пригласив, по совету Терри Рида, Роберта Планта, известного в музыкальной тусовке как «дикий блюзмен из чёрной страны», а позже, уже по совету Планта, барабанщика Джона Бонэма, которого все звали Бонзо, а также своего старого знакомца по сессионной работе Джона Пола Джонса, Джимми сформировал самую выдающуюся хард-рок группу 20-го века.
«У меня было много идей, когда я работал с The Yardbirds. Они позволили мне много импровизировать в живом исполнении, и я начал создавать сборник идей, который в конечном итоге использовал уже в Zeppelin. В дополнение к этим идеям я хотел добавить акустические текстуры. В конечном счете, я хотел, чтобы «Цеппелины» представляли собой союз блюза, хард-рока и акустической музыки, увенчанный тяжелыми припевами – комбинацию, которой раньше никогда не было. В музыке много света и тени».
Бесспорно, одна из самых влиятельных групп в истории рок-музыки, Led Zeppelin вскоре стали невероятно успешными во многом благодаря мастерству игры на гитаре Джимми Пейджа и его вкладу в качестве композитора и продюсера, ведь все альбомы гитарист продюсировал самостоятельно.
«Я бы сказал, что в первом альбоме было очень много идей, и вы можете слышать, как они развиваются во втором, третьем альбомах и во всем остальном. С помощью ударных Джона Бонэма, в Babe, «I’m Gonna Leave You», я попытался достигнуть нужного драматизма. Я использовал тот же аспект в таких вещах, как «Ramble On», «What Is And What Should Never Be» и тому подобном, где у нас есть припевы, которые на самом деле не слишком громкие, но их интенсивность, придает записи импульс.
Так, что с динамикой можно играть все, что угодно. Я понял это с первых дней работы над дебютным альбомом. Казалось, что наша игра опережает все то, что делали другие, и это хорошо, потому что тем самым, вы заводите людей – и музыкантов и публику».
Несмотря на то, что многие критики в то время отнеслись к их одноименному дебюту 1969 года с подозрением, а в некоторых случаях и с презрением, коммерческий успех их дискографии говорит сам за себя. Записав восемь пластинок за своё десятилетнее правление, группа выпустила поистине культовый материал, а Пейдж создал одни из самых известных гитарных риффов всех времён. Именно в те годы Led Zeppelin и стали рок-группой номер один в мире.
Любой, кто когда-либо пытался освоить гитару, скорее всего сталкивался с некоторыми риффами Пейджа, начиная от упрощенной «Whole Lotta Love» и заканчивая сложной альтернативной настройкой «Kashmir». Пейдж постоянно экспериментировал с различными временными сигнатурами и стилями настройки, что означает, что его стиль игры трудно воссоздать. Вероятно, это неудивительно, учитывая, что гитары были неразлучны с ним с 12 лет.
Если разобраться, то вся суть рок-н-ролльной музыки проистекает из гитарного риффа. Несмотря на все замечательные музыкальные моменты, связанные с игрой на барабанах или необычным вокалом, нет ничего более совершенного, чем включить гитару погромче и впервые услышать, как её звук разносится по помещению. Несмотря на то, что Кит Ричардс, Дэйв Дэвис и Джордж Харрисон, возможно, были на переднем фронте создания гитарных риффа на протяжении 60-х, именно Джимми Пейджу удалось превратить рифф в высокое искусство.
Исходя из блюзовых традиций, Пейдж смог скрутить несколько нот и создать одни из самых знаменитых музыкальных произведений своего поколения. Независимо от того, звучало ли это на фуззовой электрогитаре или доминировало в области акустики, он был горазд выполнить любой точный заход, который только мог придумать, даже если это немного опережало ритм.
Время, проведенное им в Led Zeppelin, изменило само восприятие рок-н-ролла, взяв за основу блюз и привнеся в микс нотку мрачности. На каждом альбоме на каждом шагу Джимми оказывался на грани хард-рока и хэви-метала, часто создавая разные тенденции или бросая вызов, когда только мог, обычному словарному запасу гитары.
По сравнению с другими гитарными богами, появившимися на рок-сцене 70-х, тембр Пейджа превратил его гитару в продолжение его личности, став такой же неотъемлемой частью его характера, как и его музыкальный слух. Прошло более 40 лет с момента распада Led Zeppelin. Несмотря на различные повторяющиеся пересуды о воссоединении, не похоже, что это произойдет в ближайшее время. Так что та попытка с Бонзо-младшим в 2007 году, похоже, останется закрывающей ностальгической страничкой любимой группы.
Тем не менее, «Цеппелины» Пейджа остаются чрезвычайно влиятельными и по сей день. Бесчисленное количество музыкантов обязаны своими корнями Led Zeppelin и искусным риффам Пейджа. Одним из таких исполнителей является Джек Уайт, который заявил, что «Whole Lotta Love» содержит «вероятно, одни из величайших гитарных нот, когда-либо сыгранных, если не самые великие» – неплохо для парня, который когда-то начал играть скиффл на бесплатной гитаре.
На «Led Zeppelin II» Джимми начинает выходить за рамки стандартной блюзовой лексики. В то время как такие песни, как «The Lemon Song» и «Bring It On Home» сосредотачивались на развитии традиции, Пейдж стремился создать на своей гитаре другой тон, которого никто раньше не слышал. Вооружившись основой песни Вилли Диксона «You Need Love», он представил миру, как будут звучать 70-е годы на «Whole Lotta Love».
Пейдж применил неортодоксальный подход к основному риффу. Вместо того чтобы переходить к центральной фигуре, он подтягивал струны и играл на открытой струне Ре, создавая естественную атмосферу, из-за которой рифф звучал слегка диссонирующе. Завершая песню одним из самых диких гитарных соло, которые он сочинял до этого момента, Джимми начал формировать свой язык игры на инструменте и постепенно он становился всё более беглым.
Само собой разумеется, что Джимми Пейдж внёс неоспоримые изменения в облик рок-музыки, и его гитарные подвиги служат источником вдохновения для бесчисленного множества музыкантов – это поступок, равный которому в своей жизни совершили немногие люди. Хотя неясно, что уготовано маэстро в ближайшие годы, его карьера на данный момент уже чего-то стоит и останется запоминающейся. Давайте обратим внимание на ещё ряд самых знаковых его гитарных моментов.
Хотя большинство лучших работ «Цеппелинов» остались на концертной сцене, «Since I've Been Loving You» запечатлела волшебные мгновения в студии.
В середине звучания альбома с оттенком фолка «Led Zeppelin III» соло этой песни отличается одним из самых изысканных исполнений, которые когда-либо делал Пейдж, начиная с медленного эмоционального интро, прежде чем перейти к вдохновенному крещендо ближе к концу трека. Хотя многие вещи Zeppelin могли бы перенести слушателей в другой мир, Роберт Плант признался, что почувствовал духовный подъём в ту минуту, когда группа сыграла эту мелодию вживую.
«Stairway to Heaven», возможно, один из немногих классических рок-гимнов на все времена, который полностью оправдывает свою репутацию. В то время как многие песни страдают от переигрывания, каждая часть этой небесной эпопеи остается одной из величайших вершин рок-музыки. Хотя Пейдж признал, что эта песнь была одним из самых ярких моментов в его карьере, зарождение мелодии началось с неудачи в создании классической композиции.
Основываясь на «Бурре Ми-минор» Баха, Пейдж переложил тональность и попытался придать треку свой неповторимый колорит, прежде чем придумать академический вступительный гитарный аккорд. Соединяя воедино различные музыкальные идеи, он практически отправляет слушателя в путешествие по всей песне, кульминацией которой является масштабное соло, записанное на «Fender Telecaster». В то время как «Цеппелины» достигли ещё больших коммерческих высот после «Stairway to Heaven», именно в этой песне каждая часть звучания группы выкристаллизовалась в музыкальное совершенство.
«В этой песне кристаллизована самая суть группы. В ней есть все, и все самое лучшее нас как коллектива, как творческой единицы… Не знаю, смогу ли я создать еще что-то подобное. Мне нужно будет ещё тяжело потрудиться, прежде чем я приближусь к такой выразительности, такому блеску».
После четырёх первых альбомов «Houses of the Holy» стал моментом, когда «Цеппелины» решили пойти ещё дальше. В то время как «Led Zeppelin IV» представлял собой набор из каждого аспекта звучания группы, такие песни последующей пластинки, как «The Crunge» и «No Quarter», расширили игровое поле для группы, непреднамеренно породив звуки хэви-метала, не прилагая для этого особых усилий. Когда же Джордж Харрисон заметил, что у группы совсем нет баллад, Пейдж распаковал свою акустику и отправился в странствие.
Основанная на открытой настройке (D-C-G-C-G-D), которую придумал Пейдж, «The Rain Song» – самая неземная песня, которую когда-либо записывала группа. Взяв за основу различные аккорды, которые он использовал в новой настройке, трек демонстрирует способность гитариста мгновенно менять атмосферу песни – от величественного взаимодействия между ним и меллотроном Джонса, до безумного гитарного риффа в середине песни, который звучит так, словно его извлекли из потаённой пещеры.
Если «Houses of the Holy» можно считать промежуточным звеном между двумя классическими альбомами Zeppelin, но «The Rain Son» по-прежнему остается одним из самых эмоционально хрупких моментов в истории великой группы. Знаменитый музыкальный продюсер Рик Рубин сказал о песне:
«Я даже не знаю, что это за музыка. Это не поддается классификации. В гитаре такие продуманные со вкусом, красивые детали, и ощущение триумфа, когда вступают барабаны – это грустно, угрюмо и сильно одновременно. Я мог бы слушать эту песню весь день. И это был бы хороший день».
Каждая часть карьеры Zeppelin была направлена на то, чтобы придать импульс чему-то более значительному. Было ли это движение блюза в другом направлении или опробование совершенно другого жанра, ничто не оставалось без внимания, если это означало, что группа может продвинуть свой стиль вперед. Приобщившись к звукам мировой музыки, Пейдж объединил звуки хард-рока, классики и восточных стилей в единое целое на «Kashmir».
Исполняя композицию в гитарной настройке (D-A-G-D-A-D), Пейдж придумал классические струнные партии для своей гитары, создав странное сочетание музыкальных режимов, которые каскадом накладываются друг на друга. В отличие от предыдущих миксов классической музыки с роком, группа звучит как самостоятельный оркестр вместе с вокалом Планта, поющего о путешествиях в новые земли и о том, как солнце светит ему в лицо. Джимми Пейдж уже сделал себе имя в Англии и Америке, но это был звук, свидетельствующий о том, что он расширил свои горизонты на всю земную территорию.
Не каждая песня «Цеппелинов» была задумана как возвращение к блюзу. В то время как звучание Вилли Диксона и Хаулина Вульфа, возможно, и послужило началом пути, весь смысл создания группы состоял в том, чтобы Пейдж попробовал разные стили, которые обычно не вписывались в рамки «песен о женщине, поступающей с ним неправильно». Хотя «Ten Years Gone», возможно, был похожим подходом, как и в «Heartbreaker», здесь Джимми Пейдж использовал одни из самых изысканных аккордов, которые он когда-либо создавал.
Вместо того чтобы полагаться на традиционные ковбойские или даже на раскатистые пауэр-аккорды, он сплетает воедино различные диссонирующие аккорды, образуя красивый музыкальный пассаж, прежде чем вступает вокал Планта. Используя настройку «Drop D», получившую популярность в те годы, Джимми сконструировал аккорды, о которых в то время никто не слышал, создав музыкальное произведение, которое было гораздо более музыкальным, чем то, что он мог бы сыграть на стандартно настроенной гитаре. Наитие гения создаёт моменты, когда поклонники могут заглянуть в чувствительную сторону его игры.
По сравнению с остальным каталогом группы «Presence», как правило, немного теряется. Поскольку «Цеппы» столкнулись с изрядной долей личностных проблем, а Планту пришлось записывать различные фрагменты альбома, находясь в инвалидном кресле после автомобильной аварии, многие песни, как правило, кажутся незаконченными или задатками каких-то других композиций. Несмотря на то, что эпический период Led Zeppelin был на грани краха, они остановили своё время на очень высокой ноте в песне «Achilles Last Stand».
Вместо традиционного подхода к драйвовым риффам, «облизывания» Пейджа, играющего гулкие аккорды, в то время как Джонс пригибает группу к земле своей неустанной мерной партией на басу под битовые атаки Бонзо – это идеальное упражнение в минимализме в этой десятиминутной эпопее. Несмотря на то, что Джимми мог бы легко попробовать включить небольшие аккорды в каждый фрагмент этой песни, эти массивные рубящие штрихи – практически звуки гитарного бога, заявляющего о себе как об одном из величайших в своей области. Я бы поставил именно эту композицию в ряд наивысших достижений в рок-музыке.
К тому времени, когда Led Zeppelin добрались до альбома «In Through the Out Door», они уже были готовы с грохотом вернуться на грешную Землю. Когда группа собиралась отправиться в турне, Джона Бонэма нашли мёртвым в доме Пейджа после ночи пьянства. Хотя «Цеппелины», возможно, непреднамеренно записали свою лебединую песню, «All My Love» был одним из самых мрачных моментов, в которые Пейдж когда-либо вносил свой вклад.
Написанная Джонсом и Плантом в память о сыне последнего, который скончался несколькими годами ранее, песнь – это концентрация горечи и нежности. И здесь Пейдж совершенно по-другому подходит к игре на гитаре. В отличие от грохочущих аккордов, он отодвигает клавишные Джонса на второй план, лишь время от времени приподнимая трек до середины песни. Когда песня заканчивается, Джимми добавляет свою последнюю частичку блеска фирменными бэндами, заставляя свою гитару звучать так, словно она кричит от боли. Даже если маэстро не думала об этой песне с такой теплотой в последние годы, «All My Love» – это настоящий мастер-класс о том, как сказать многое всего несколькими нотами.
Хотя в последние годы Джимми Пейдж отошёл от выступлений, его страсть к музыке остается очевидной. Его самые последние способы самовыражения были представлены в форме интервью, посвященных его выдающейся карьере и тем, кто с ней связан. Он никогда официально не объявлял о прекращении своих выступлений, так что надежда услышать игру маэстро живьём всё еще есть. Пусть даже без виртуозных изысков.
Когда у тебя наличествовала такая яркая и легендарная карьера, как у Пейджа, кажется неправильным, что ты можешь просто выдохнуться, так что, возможно, у гитариста есть какие-то интересные планы на его последующее годы (а может и десятилетия). Давайте пожелаем одному из гитарных богов дожить до столетия, а коли возникнут у него ещё какие-то музыкальные идеи, реализовать их в любом виде.
☑ Если понравилась статья, не стесняйтесь ставить лайк и делать комментарии!
❇️ Чтобы не пропустить новое, подписывайтесь на канал.
➤Другие материалы подобного рода:
