Здравствуйте, дорогие друзья.
Начиная собирать информацию для этой статьи, я первоначально хотел назвать ее так:
“Как классическая музыка пережила эпоху нафталиновых “обработок” и стала нео-классикой - полноценным культовым поджанром рока и электроники".
Но закопавшись в очередные стилевые дебри, я понял, что одной статьей этот жанр охватить нет никакой возможности. Да и желания, если честно. В какой-то момент пришло понимание, что на самом-то деле я затеял эту статью вообще с другой целью. А именно – спеть дифирамбы лучшему альбому рок-нео-классики из тех, что я знаю: Saint-Preux – To Be or Not (1980). Поэтому я просто опишу – как я пришел к этому выводу.
И начну с понимания классической музыки как таковой. Я уже жаловался, что для меня изучение классики – головная боль, потому что основное время уходит на поиски нормальных исполнений. Те, кто этим выискиванием занимается, кладет на это, как правило, всю жизнь, после чего становится либо конченым снобом и занудой, либо феерически недосягаемым для понимания профессионалом.
Вот, например, нравится мне до безумия известная прелюдия до-диез минор Рахманинова. Как известно, сам Рахманинов считал ее попсой и исполнял в с большой неохотой. Мелковата она для него. А вот для меня, измельчавшего человека XXI века, это абсолютный шедевр. Это же встреча с самим собой, со своими страхами и своим подсознанием. Возможно, это происходит вечером, перед сном – человека начинают мучить кошмары. Вещь отражает его переживания, практически борьбу с собой, но именно там – тихо, в снах, на территории подсознания. Это очень интимная вещь. Так я ее понимаю. Но, к сожалению, все исполнения, что я слушал, грешат излишней патетикой – синкопами, акцентами, запаздываниями, короче - показушностью.
Так что пришлось мне снова вернуться к Эмилю Гилельсу – он хотя бы исполняет ее действительно глубоко, закрыто, нависая над клавиатурой как над пропастью, тщательно взвешивая каждое извлечение и полностью игнорируя все, что снаружи. Но… Стремительный пассаж вниз в середине вещи должен был стать апогеем этой статичной, но напряженной борьбы, и Гилельс играет его внятно и тяжеловесно, но слишком быстро! Он никогда не шел на поводу у зрителя, и никогда не акцентировался на демонстрации своей техники, и мне не понять – почему именно в этой части он сделал именно так!
Ну ладно – все равно эту прелюдию никто лучше него не играет...
Хорошо, начинаю я читать в интернете материалы о Рахманинове, какие-то интересные факты, предпосылки создания этой вещи, чтобы вам тут выжимку опубликовать, и постоянно натыкаюсь на статьи вроде этой.
Крутейшая статья! Только я в ней ни черта не понял. Ну почему классическая музыка вечно заставляет лезть в дикие терминологические и философские дебри? Я с этим не согласен – так быть не должно. У меня всего лишь есть ощущение от этой вещи, и было бы так здорово, если бы у каждой классической вещи было эталонное исполнение! Но фиг там – эталонны лишь ноты. При этом, например, пишут, что Третий Концерт Рахманинова вообще еще никто не смог исполнить так, как он задуман, поскольку это вообще не в силах человеческих. Какого же рожна, я спрашиваю?
В общем, тяжело у меня идет дело с классикой. Другое дело – обработки. Здесь, как и во всей остальной музыке, исполнитель дарит нам не сколько видение, сколько развитие материала, при этом по сути получается совсем другая вещь, а потому ее записанное исполнение также можно считать эталоном.
И тут мне повезло. Причем дважды.
Felix Slováček, Josef Vobruba, Rudolf Rokl, Karel Růžička - Preludium cis moll, op. 3, č. 2 (1982)
Это одна из вещей, на которой я вырос благодаря отцовским магнитофонным бобинам. Столько лет прошло, сколько раз я ее переслушивал - а я не могу найти в ней изъяна, несмотря на плохое качество записи и захлебывающийся во второй части рояль. Здесь все сделано правильно, прежде всего по эмоциям. Именно так я себе исполняю эту вещь в голове. Но бобина была подписана одним словом - Ружечка. Попробуй найти автора по такому запросу! Я искал автора этой оркестровки с тех пор, как впервые вышел в интернет – в 2000 году. Каждые полгода я возвращался к ней – придумывал новые запросы, обращался на многие музыкальные форумы – мне не смогли помочь даже на мегафоруме klem.ru. Прошло время, появился Шазам, но и тот оконфузился - уж слишком редкая вещь. И вот недавно я ее нахожу! И разумеется, она прямиком отправляется в эту статью.
Renaissance - Kiev ("Prologue", 1972)
Кто бы мог подумать! Загадочная, таинственная Россия манила этих феноменальных музыкантов, пусть и в виде некой мистификации, пусть и с налетом страха перед непонятным. В их альбоме Scheherazade and Other Stories (1975) явно слышна отсылка к сюите Римского-Корсакова, в развернутой композиции "Mother Russia" (из альбома Turn of the Cards, 1974) художественно описано избавление России от ее предателей (историю песни читателю найти не затруднит), а в такой же развернутой "Kiev", в ключевой момент звучит та самая прелюдия Рахманинова, как звучит и будет звучать над Днепром символ Матери городов русских - временно оскверненный, но яростный и непокоренный монумент Родины-Матери.
.....
Итак, для меня оказалось более интересным изучать нео-классику. С этим вроде разобрались. Но дальше снова вопрос – а что считать неоклассикой? Тех, кто исполняет известные классические мелодии с упором на новые аранжировки? Если да, то перечислить таких исполнителей невозможно, потому что они работают вообще во всех жанрах – от эстрады и джаза до рока и хеви-метала. Или же тех, кто звучат как классика, потому что используют традиционные оркестры, но при этом не повторяют мелодии классических композиторов? Здесь перечень будет еще больше, потому что оркестровую музыку только для фильмов пишет огромное количество композиторов.
Забегая вперед, скажу, что Saint-Preux использует оба эти подхода. Поэтому я просто поставлю вам несколько действительно достойных образцов нео-классики, которые, как я думаю, пережили свое время и еще переживут. А в комментариях жду ваши любимые примеры, которые я могу не знать. Итак, поехали.
Marek Tomaszewski & Vacek Kisielewski (Play Favourite Melodies, 1965-68)
Уже в 1960-х годах, несмотря на наличие явного мейнстрима, максимально далекого от классики (напоминаю, речь идет о мерси-бите, в то время как переработки ELP еще только пробивали себе путь наверх), на поприще аранжировок классики работала тьма народу. Я вот хочу поставить вам двух поляков, которые были очень популярны в Европе и СССР в 1960-70-е годы. Они записывали обработки классических вещей, но постепенно выходили за рамки классики в сторону джаза, фьюжна и обработок эстрадной музыки. В общем, ничего бы такого глобального, если бы не их феноменальная сыгранность (при том, что они были очень разными по характеру), музыкальное чутье и непревзойденное исполнительское мастерство. Их аранжировки действительно искрятся и несут мощный заряд позитива. Конечно, в полной мере их энергетика раскрывалась на концертах (коих они отыграли тысячи), но и в записях слышно что-то неуловимо наивно-солнечное. К несчастью, Вацек (Вацлав Киселевский) молодым погиб в автокатастрофе в 1986 году, после чего дуэт распался, и сейчас о нем мало кто помнит. А почему бы не вспомнить, в самом деле? Да не просто вспомнить, а скачать пару их сборников и погрузиться в мир виртуозного фортепиано? Такое ведь чудо, в самом деле.
Paul Mauriat - Prelude in C (Bach) (Classics in the Air, 1985)
А кому такое воспринимать сложно - есть классические эстрадные исполнители, ориентированные на максимально обширную публику. Имена Джеймса Ласта, Эннио Морриконе, Ричарда Клайдермана и даже Рэя Конниффа, несмотря на то самое "нафталиновое" звучание, все еще на слуху у народа. Но среди них можно отдельно выделить одно имя - Поля Мориа. Вот уж популяризатор классики - всю жизнь этому посвятил. А его тройной альбом "Classics in the Air" 1985-87 годов явно дает понять, что композитору не чужд и "новомодный" электронный звук. Да, для него это действительно было новомодно и экспериментально - простим это маэстро, ведь ему тогда уже было за 60. При всей своей "попсовости", чувствуется, что Поль отнесся к этим обработкам с настоящей душевной искрой. "Classics in the Air" - это действительно позитивные и приятные обработки, призванные заинтересовать неподготовленного слушателя классической музыкой.
.....
А вот теперь главный вопрос. А как бы сам Бах отнесся к такой обработке? Разве сам он не слышал в своей голове совсем другие звуки? Разве не церковный орган был его главной страстью, звук которого в те годы был единственным способом раскрыть суть его апокалиптических произведений? А я ведь не зря в своих прошлых статьях делал экскурсы в историю электронной музыки. Разве производители даже самых старых хаммондов и меллотронов (разработанных еще в 1940-х, но их пик пришелся на 1960-х годы) не ставили задачей повторить богатый звук церковного органа? Это же очевидно! Вот где классика должна была соединиться с электроникой - там, где Иоганн Себастьян Бах через века нашептывал Лоуренсу Хаммонду и Роберту Мугу!
Что касается Муга, то он, не будучи хорошим музыкантом, просто ждал, когда найдутся люди, которые смогут извлечь из его инструментов весь заложенный в них потенциал. Первым таким опытом стал альбом Walter Carlos - Switched-on Bach (1968), где молодой музыкант Уолтер Карлос исполнил известные произведения Баха на синтезаторной станции Moog Modular. Получилось, прямо скажем, слабо.
Но ведь это был просто фальстарт. Уже к середине 1970-х ситуация начала резко улучшаться.
Petr & Pavel Orm - Preludium Cmi ("Discofil", 1979)
Снова зайду немного сбоку - с малоизвестного коллектива из Чехословакии. Я уже ставил вам продукцию Восточной Европы послевоенного периода, а именно P.O.N.D., проникший в мою статью о Вангелисе. Однако мечтательное космическое настроение P.O.N.D. - это скорее исключение. Правилом же для той местности и тех лет были довольно нервные и тревожные вещи, причем записанные не в самом лучшем качестве. Это вполне объяснимо - люди там и чувствовали себя нестабильно, и денег на нормальное оборудование у них не было, в отличие от коллег слева от Берлинской стены. Зато к тому времени звучание наиболее успешных секвенсоров 1970-х - Moog 960, Synclavier II, ARP 1601, Korg SQ-10 - стало подчеркнуто лязгающим, строгим, ровным, как будто отсчитывающим часы вашей жизни, даже грозным, как Высший Суд. Так что Петр Дворжак (Petr ORM) и Павел Ружичка (Pavel ORM) в этих условиях сделали все, что смогли, записав, пожалуй, наиболее точный звук электронной нео-классики, исполнив эту же эталонную пьесу Баха - Прелюдию в Cm (BWV 847), но со своим очевидным очарованием и восхитительной гитарной работой.
Вот так вот, постепенно, мы и подошли к одному явлению, ради которого я затеял эту статью.
Saint-Preux - No More Nadine ("To Be or Not", 1980)
Явление зовут Saint-Preux, он француз, и он представитель, что называется, мертвой для XX века профессии. Да, он классический композитор. С 1969 года и по сей день пишет арии, симфонии, концерты для исполнения в концертных залах, а выглядит при этом как божий одуванчик. В общем, человек не с этой планеты, совершенно оторванный от реальности...
Видимо, так бы и пиликать ему на пианине двум-трем старичкам в зале, если бы однажды его внезапно не ПРОРВАЛО. Его альбом 1980 года "To Be or Not" он записал в абсолютно несвойственной для себя манере - с тяжелым звучанием электронной секвенсорной артиллерии и крутейшими гитарными запилами.
Думаю, Вы обратили внимание, что первым делом автор жахнул, как и полагается, с той же самой Прелюдии Баха BWV 847. Это ж насколько огромный потенциал у этой вещи, что разные ее обработки при желании будут отличаться до неузнаваемости! Но именно эта версия - просто космос какой-то. Почему-то я уверен, что Бах бы просто просиял, услышав это. И понял бы, что не зря разрабатывал и равномерную темперацию, и свои мелодические и композиционные теории - Saint-Preux сумел без потерь перенести все это в наше время, в подарок потомкам.
Saint-Preux - To Be or Not ("To Be or Not", 1980)
Альбом этот стал очень популярным и, как ни парадоксально, именно он стал визитной карточкой классического композитора. Но ведь есть за что! Его звук, местами тягостный, строгий и суровый как Страшный Суд, вроде должен был отдавать готикой, а вместо этого отдает каким-то удивительным воодушевлением и жизнеутверждением. При этом он звучит действительно как альбом классической музыки, только инструменты неклассические.
Saint-Preux - Le Royaume de Neptune/Fantasme/Odyssee ("Odyssee", 1986)
Альбом "To Be or Not" - большая находка и удача, настоящий, СТРОЖАЙШИЙ Эталон Рок-Нео-Классики. Как и Zodiaks 3, он настолько хорош и целостен, что я по-хорошему был бы просто вынужден ставить его полностью, благо сумел приобрести очень хороший экземпляр винила. Особенно с учетом того, что во всей обширной дискографии Saint-Preux (куда я, конечно, сразу погрузился после прослушивания этого чуда) больше ничего подобного не встречалось - ни до, ни после.
И все-таки я, наверно, несколько несправедлив к другим альбомам Мастера. Так что все же поставлю, так сказать, выжимку из его, судя по всему, второго по силе альбома - Odyssee (1986).
И все же слушая и Odyssee, и смежный "Le Piano d'Abigail" (1983), нельзя отделаться от ощущения, что композитор все же немного тяготится и стыдится своих электронных аранжировок. Дескать, "я все равно за чистую классику, но я вижу, вам так понравился To Be or Not, что мне, настоящему композитору, приходится идти у вас на поводу и писать вот такую попсовую электронщину".
Однако здесь есть нюанс. Как известно, лучшую попсу пишут серьезные музыкальные исследователи (доказано Yes с альбомом "90125"), а лучшие баллады пишут самые жесткие рокеры и металлюги (доказано Scorpions и Metallica), то есть путь от сложного к простому оказывается более продуктивным. Так и Saint-Preux, с его серьезным академическим подходом, оказался востребованным на поприще рок/поп-неоклассики - просто потому что он, как профессионал, лучше других разбирался в общей концепции музыки. Так что пусть он не особо хотел писать такую музыку - главное, что удавалось ему это хорошо.
Saint-Preux - To Be ("To Be or Not", 1980)
Кстати, кто знает, получилось бы у Saint-Preux то, что получилось, если бы не его гитарист. Зовут гитариста Патрис Тисон (Patrice Tison), и то, что он сделал в этом альбоме, вызывает у меня особое восхищение.
Его игра под стать основному вектору музыке - строгая и грозная, плачущая и яростная. Думаю, его соло сделали не меньше половины альбома, заслонив собой даже скрипку. Информации о нем крайне мало, нет даже нормальной фотографии. Известно, что он сессионщик, в группах не состоял, играл в альбоме Space "Deeper Zone", потом уже с Дидье Маруани в его "Paris-France-Transit", отметился выдающейся работой в первых двух альбомах F.R. David, а больше всего его знают по участию в группе "Era". Но похоже, что лучший свой звук и вдохновение он выдал именно на этом альбоме Saint-Preux.
Saint-Preux - Entre le Reve et l'Oubli ("To Be or Not", 1980)
Поэтому самая лучшая вещь с этого удивительного альбома, это та, где влияние Тисона максимально. Очень жаль, что она такая короткая. И очень жаль, что весь альбом такой короткий. Но очень здорово, что он есть.
Как там говорил уважаемый Тимур Шаов, сетуя на упадок классической музыки - "В наше время скрипка - дура, Стратокастер - молодец"? Думаю, после этого альбома он изменил бы свое мнение: "To Be or Not" - это и есть современная классика в своем лучшем виде.
Спасибо за внимание и до новых встреч на моем канале!