Хочу рассказать об одной важной вещи в понимании цвета в живописных работах, которую далеко не всегда объясняют преподаватели изобразительного искусства.
Речь идет о взаимоотношениях цветов в картине.
Сочетания цветов воспринимаются людьми в разной степени тонкости. Среди обучающихся изобразительному искусству, среди художников самоучек, и среди профессиональных художников тоже, есть люди, более способные и лучше чувствующие графику, и есть те, кто способнее к восприятию и передаче цвета. Те, кто от природы ближе к живописи, интуитивно чувствуют, какой оттенок цвета важен именно в этом конкретном месте картины, и им бывает не нужно задумываться, почему.
Другим иногда бывает непонятно, что с их собственной живописью не так. То есть человек видит свои сильные стороны в композиции, технике, передаче объема и формы. А вот цвет ему не даётся. Вроде бы всё то же: множество оттенков, правильный тон, светотень... А вот какого-то вкуса, гармонии, получаемого удовольствия от цветового строя своей картины - нет. И непонятно автору, в чем тут дело, и объяснить никто толком не может. И отдельные его же удачи объяснить - тоже.
Вот не знаю как с кем, а со мной именно так. Вроде всё делаешь как надо, как учили, но потом цвет на получившейся работе - раздражает. Начинаешь поправлять, что-то усиливать, акцентировать - делается только хуже. Когда я училась в художественных заведениях, часто видела, что товарищ по группе на уроке живописи может переврать пропорции, исказить перспективу и композицию, но сочетание цветов в его работе всё оправдывает. В чем тут дело?
Талант, конечно. Способности. Но кое-что, я думаю, можно понять с помощью рассуждения и помочь себе и, возможно, подсказать кому-то ещё.
Думаю, может быть полезным вот такое мое соображение.
Возьмем для эксперимента обычную учебную постановку, натюрморт для живописного этюда.
В нашей натуре присутствуют довольно сложные цвета. Часто их даже невозможно однозначно словами определить - красный, зеленый ли. Для передачи нужного оттенка нужно смешивать краски, что и требуется для учебы. Стараемся, смешиваем, ищем нужный оттенок цвета. И цвета получаем довольно яркие, стремясь к выразительности, и чему способствует также контрастное освещение постановки.
Схематично и упрощенно - вот цветовое получившееся сочетание на учебной работе.
И все вроде бы хорошо. Но вот чем-то полученное взаимодействие цветовых пятен и цветовой композиции раздражает зрителя. Цвет, одинаково насыщенный во всех местах картины, не дает возможности понять, что здесь главное, а что второстепенное. И ещё: будучи ярким везде, цвет не дает глазу зрителя нигде отдохнуть, почувствовать разницу в своей силе и благодаря этой разнице - взаимосвязь и цельность картины.
Конкретнее говоря, цветовое пятно, как и, например, персонаж в спектакле, может быть смысловым центром, а может - фоном и поддержкой, служащим этому центру. И если что-то неглавное будет оттягивать внимание на себя, то эта цельность нарушится.
"Успокоить" активность цветов, дать отдохнуть глазу, выявить композиционный центр путем привлечения к нему внимания можно путем приближения оттенков к монохрому (подробнее по ссылке).
Пусть в нашем примере главным будет кувшин.
Оставим его цвет тем же, что и раньше, достаточно насыщенным.
А остальное, всё окружение кувшина, не меняя светового тона, уведём чуть ближе к серому, сделаем менее активным, менее чистым спектрально.
И вот теперь ясно видно, что главный тут - кувшин. И в части гармонии цветовых сочетаний дело тоже обстоит лучше, потому что сдержанный цвет поддерживает, выделяет яркий, не споря с ним.
А в моих учебных этюдах часто не хватало именно этого - отбора по интенсивности цвета (не по оттенку или светлоте, а именно по насыщенности). И, усиливая и подчеркивая все части композиции сразу, ставя везде цветовые акценты, я упрощала цветовой строй и он делался раздражающим, крикливым, не связанным.
Попробую теперь, с осознанием закономерности соподчинения композиции по насыщенности цвета, сделать два этюда с нашего учебного натюрморта.
Первый - с активными яркими цветами.
Вроде бы и неплохо получилось, теплый контрастный цвет, чистые краски.
А теперь напишем второй этюд с той же натуры, с учетом соподчинения и помня, что главное у нас - синий кувшин.
Кувшин остается насыщенного синего тона. Все остальные цвета сделаем более спокойными, сдержанными и, благодаря этому, более тонкими в отношениях.
По-моему, так лучше. Кувшин - главный, глазу есть где отдохнуть, и в целом цветовая гамма стала более благородной какой-то.
В общем, из всего следует главная мысль.
Всегда надо помнить не только о точности оттенка цвета по цветовому кругу, но и по его насыщенности, то есть по месту на шкале от самого яркого в сторону серого. Нужно помнить о том, что, как и в любой композиции в любом жанре искусства, есть в картине "персонажи" главные, а есть второстепенные, которые как раз и служат тому, чтобы выявить главное. И тут есть место и для более сложных конструкций: самое главное, второстепенное, третьестепенное, и так далее.
Если на цельность выразительной конструкции картины работает всё: и композиция листа, и техника проработки деталей, и цвет, и силуэт, и так далее - получится то, что задумано.
И ещё для примера приведу свои собственные старые-престарые учебные работы, характерные как раз непониманием этих вещей и старательностью акцентирования внимания зрителя сразу на всём.
Натюрморт с овощами. Здесь всё яркое: и туесок, почти оранжевый, и коричневый кофейник, на освещенной стороне почти превратившийся в красный и сравнявшийся с помидором. Максимально насыщенный желтый. И даже свекла спорит с кофейником пурпурными вспышками. Что здесь главное - непонятно.
Ещё этюд. Туесок и лук. Здесь очень активный, "химический", раздражающий цвет предметной плоскости. Второй в галерее - вариант, где насыщенность выборочно чуть уменьшена Фотошопом, для сравнения.
И ещё одна моя учебная работа, которая почему-то всегда мне нравилась, казалось, что в ней есть некоторая живописность. Теперь понимаю, почему нравилась. Здесь есть спокойная, достаточно тонкая, не кричащая цветовая взаимосвязь и некоторая, в конце концов, гармония в колорите.
Если вы тоже не всегда в согласии с самими собой в оценке своей живописи, попробуйте взглянуть на работу с позиции: есть ли в ней баланс между цветами простыми и яркими - и сложными, ненасыщенными оттенками. Может быть, вы найдёте ответ.
Оглавление статей этого канала на тему учебного рисунка и живописи - на моем сайте, по ссылке.
Если вы хотели бы узнать непублично мое мнение или совет о какой-то вашей конкретной живописной работе, пишите в мессенджер (значок над заголовком статьи), там можно прикреплять изображения.
