Вечная тема в искусстве - осень. Она вдохновляла художников на протяжении всей истории. В то время как изображения этого красочного сезона, предшествующего темной зиме, менялись со временем, неизменной оставалась атмосфера и эмоции, которые вызывает осень, переведенные художниками в аллегорические, реалистические, символические и даже абстрактные формы.
Говорят, что природа — лучший художник, создающий в пейзаже полотна вечной красоты. Однако художники объединяют эти образы с человеческими заботами, такими как быстротечность времени, увядание красоты и изменения, вызванные индустриализацией.
В многочисленных работах, некоторые из которых представлены ниже, ведущие современные художники исследовали свое собственное окружение, а также совершали эмоциональные путешествия через свою психику и чувства, вызванные осенью. Некоторые, как Джон Эверетт Милле, стремились разжечь религиозный пыл, показывая сжигание листьев, в то время как другие пытались выразить себя с помощью природных мотивов, как Эгон Шиле в своей картине «Четыре дерева».
Послевоенный модернизм принес господство абстрактного искусства, но даже с этим стилем, освобожденным от фигуративного представления, художникам удавалось создавать работы, которые сразу вызывают в памяти образы осени и ее пылающие красные и желтые цвета. Меланхолия и чувство мимолетности пронизывают эти изображения, но цвета делают их теплыми и успокаивающими.
Все в потоке. Ничто не стоит на месте, — писал древнегреческий философ Гераклит. Образы быстротечности и смены времен года отражают эти философские идеи с человеческим присутствием в живописи или за холстом, выдвигая их на первый план в человеческом опыте.
Японский художник Кацусика Хокусай (1760–1849) специализировался на живописи и гравюре укиё-э в период Эдо. Его знаменитая серия «Тридцать шесть видов на гору Фудзи» (1831 г.) является одной из самых знаковых его работ, самой известной из которых является «Большая волна у Канагавы».
На этой гравюре Хокусай представляет пасторальную сцену крестьян, собирающих урожай с поля. Безмятежная атмосфера, купающаяся в осенних или желтых и красных тонах, свидетельствует о мастерстве художника в печати на дереве и изображает смену времен года и времени.
Гюстав Курбе (1819–1877), известный французский художник-реалист, произвел фурор, выставив серию картин на Парижском салоне 1850–1851 годов. В работах были изображены рабочие и другие мотивы из его родного Орнана, которые бросали вызов жанровым стандартам того времени.
Хотя Курбе известен своим реализмом, в начале своей карьеры Курбе вдохновлялся работами старых мастеров, и это влияние заметно в «Осеннем лесу». Созданная до его реалистических шедевров, картина больше опирается на атмосферное изображение осени, чем на ее реалистическое изображение.
Хотя в то время «Осенние листья» Джона Эверетта Милле считалась идеальной картиной без сюжета, позже эта работа была интерпретирована как представление быстротечности жизни и красоты.
Вечернюю атмосферу картины критик Джон Рёскин охарактеризовал как «первый образец идеально написанных сумерек», а художник заявил позже, что его целью было пробудить «глубочайшее религиозное размышление» через изображение горящих листьев (хотя в на картине виден только дым). Независимо от намерения, работа является еще одним идеальным изображением осени.
Вскоре после прибытия в Париж в 1871 году Клод Моне нарисовал эту сцену Сены недалеко от деревни Аржантёй, с крошечной лодки, которую он превратил в плавучую студию. На картине виден Шато Мишле, а также другие известные здания этого региона.
Признанная принадлежностью к высокому периоду импрессионизма из-за тонких мазков, картина передает цвета и эмоции осеннего сезона, а техника Моне стирает границы между пейзажем и водой.
В 1889 году, вдохновленный большим садом больницы, в которой он лечился, Винсент Ван Гог нарисовал этот образ осенних мечтаний, который он позже назвал листопадом.
Осенняя атмосфера передается через цвета и развевающиеся на ветру листья. Выбрав более высокую точку обзора, Ван Гог решил следовать композиционным приемам своих друзей Эмиля Бернара и Поля Гогена и японским гравюрам.
Хельмер Осслунд был шведским художником из творческой семьи. Его отец, Даниэль, тоже был художником, как и его брат Элис, а его сестра Фрида была писательницей. Осслунд специализировался на мотивах из Лапландии и часто рисовал на жиронепроницаемой бумаге.
Осенью он нарисовал горный мотив из Северной Швеции, популярный источник сюжетов около 1900 года. В то же время в стране шло промышленное развитие, и пейзаж стал национальным достоянием.
Здесь осенний пейзаж показан с низкой перспективы, навеянной японскими гравюрами.
Взгляд сосредотачивается на заходящем солнце на заднем плане, в то время как деревья равномерно точечны на переднем плане. Контраст между светлыми и темными областями был популярной техникой, используемой Шиле, которую он часто использовал для представления эмоционально заряженных сцен.
Деревья интерпретируются как личное размышление художника о том, каким он видел себя по отношению к другим.
Эта картина Джексона Поллока показывает, что осенние мотивы не обязательно должны быть представлены в реалистичной манере, чтобы передать настроение и атмосферу времени года.
Работа, принадлежащая его знаменитой серии «капельных» картин, была приобретена Метрополитен-музеем в Нью-Йорке в 1957 году, всего через год после смерти художника, что свидетельствует о том, что его искусство быстро вошло в искусствоведческий канон.
Революционная в технике картина также основана на мурализме 1930-х годов, в том числе на работах Томаса Харта Бентона, таких как «Америка сегодня» и Дэвида Альфаро Сикейроса. Поллок какое-то время работал вместе с этими художниками, заявив в какой-то момент в 1947 году, что намерен писать картины, которые «будут функционировать между мольбертом и фреской… тенденция современного чувства — к настенной картине или фреске».
