1. "Сын Человеческий" Рене Магритт
Мужчина в котелке, чье лицо скрыто яблоком, — не кто иной, как сам Рене Магритт. Точнее, должен был им быть. Картина задумывалась как автопортрет — его заказал художнику его друг и меценат Гарри Торкзинер в 1963 году. Однако, судя по письмам, сюрреалисту было сложно рисовать самого себя. Он называл эти трудности «проблемой сознания».
Если присмотреться, можно увидеть глаз художника, выглядывающий из-за фрукта. Но в итоге у Магритта получился не автопортрет, а некий собирательный образ, который породил разные трактовки картины.
Как трактуют картину
«Сына человеческого» можно сравнить с ребусом, где за простыми деталями кроется загадка. Вероятно, поэтому у картины несколько трактовок.
- Одна из них — религиозная. Некоторые критики усматривают в работе Магритта христианский сюжет. Так, «сыном человеческим» называет себя в Новом Завете Иисус. Можно предположить, что картина переосмысливает преображение Христа в современности.
- Однако это не единственная теория, отсылающая к религии. Некоторые считают, что на картине изображен первый человек, созданный богом, так как на полотне есть яблоко — символ искушения и познания. Это Адам нового времени, уже одетый в деловую одежду, но все так же жаждущий запретного плода.
- Другая теория рассматривает мужчину на картине как обывателя, который так занят желанием обладать чем-то материальным (яблоко, затмевающее взор), что не замечает мира и возможностей вокруг (бескрайние небо и море позади человека). Забор за спиной в этом случае означает преграды, которые человек строит сам себе из-за своих ограниченных желаний.
Обратите внимание, что локоть одной руки выгнут в другую сторону. Если смотреть только на эту руку, может показаться, что мужчина стоит лицом к морю. Эту деталь можно интерпретировать так: люди постоянно фокусируются на прозаических вещах, но иногда все равно обращаются к высоким материям, задумываются о трансцендентальной реальности.
Отсылки к «Сыну человеческому» встречаются в современной культуре не менее часто, чем к «Моне Лизе» да Винчи или «Звездной ночи» Ван Гога. Можно предположить, что причина этого — яркий, узнаваемый образ, а также популярность картины.
Так, знаменитую работу Магритта очень любят в кино. Например, в фильме «Афера Томаса Крауна» появляется копия картины, а главный герой в одной из сцен одет так, будто сам сошел с полотна. Образ «сына человеческого» вообще был многократно использован в самых разных фильмах. «Бронсон», «500 дней лета», «Персонаж», «Лавка чудес» — список можно продолжать долго. Самый долгий мультсериал в мире также не обделил вниманием картину — речь, конечно, о «Симпсонах».
Отсылки также появлялись в клипе Майкла Джексона и Дженет Джексон на песню Scream, в видеоигре Lego Island, в книгах и даже в других картинах. Так, на полотне художника Нормана Роквелла изображен мужчина, у которого вместо головы красное яблоко.
2. "Апофеоз войны" Василий Васильевич Верещагин
«Я всю жизнь горячо любил солнце. И я бы с радостью писал только одно солнце, если бы люди не убивали друг друга». Василий Верещагин, неоднократно участвовавший в кампаниях русской армии, привозил с поля боя честный репортаж: умирающие люди, причем не только в схватке с врагом, но и из-за глупых ошибок руководства; бессмысленная жестокость и варварство; тяжелые полевые условия. Бескомпромиссно честный в деталях и фактах Верещагин постоянно слышал в свой адрес обвинения в клевете на русскую армию. Сам же художник хотел сказать совершенное иное.
Посреди раскаленной степи высится пирамида из обожженных солнцем человеческих черепов. Каждый из них выписан очень четко, можно даже определить, от чего умер человек — от пули, сабли, сильного удара. Часть черепов сохранила последние эмоции людей: ужас, страдание, непереносимую муку.
За грудой костей, на горизонте виднеется разрушенный город. Рядом же кружат вороны. Для них, безучастных к судьбе людей уничтоженного поселения, это пир во время чумы.
«Апофеоз войны» — единственная картина, на которой Верещагин изобразил то, чего не видел в реальности. В основе сюжета — события XIV века, связанные с Тамерланом. Его имя приводило в ужас правителей Востока и Запада. Он обескровил Орду, жестоко подчинял каждое селение на своем пути. Например, придя в Иран и взяв крепость Себзевар, Тамерлан приказал возвести башню, замуровав в ее стены живьем 2 тыс. человек. А после разграбления Дели по приказу полководца были обезглавлены 100 тыс. мирных жителей. По воспоминаниям современников, сделанные из голов индийцев башни достигали огромной высоты. Тамерлан считал, что подобные пирамиды прославляют его полководческий талант.
Картина является частью Туркестанской серии, над которой Верещагин работал после участия в русской кампании в Средней Азии во второй половине 1860-х годов. На место военных действий художника пригласил генерал-губернатор Туркестана и командующий русскими войсками К. П. Кауфман. Верещагин не только писал, но и героически сражался, за что был удостоен Ордена Святого Георгия IV степени. По созданным эскизам художник работал два года в Мюнхене. Вошедшие в Туркестанскую серию картины, а также этюды и эскизы были впервые показаны в Лондоне в 1873 году, а затем в 1874 году — в Петербурге и Москве.
В России военные, в том числе и Кауфман, называли Верещагина клеветником. Журналисты писали, что герои Туркестанской серии — туркмены, торжествующие над русской армией, а «Апофеоз войны» якобы воспевает их подвиги.
А между тем во время Туркестанской кампании Верещагин писал не только батальные полотна. Есть среди его работ и те, что показывают красоту мира, экзотику мест: сутолока базар с его пестрыми товарами, резные минареты, местные жители и их быт. Показывая такие картины, Верещагин открывал зрителям новый дивный мир, на фоне которого война, смерть, жестокость выглядели как недоступная пониманию бессмыслица.
3. "Сад земных наслаждений"
Иероним Босх
Начнем с того, что ни одно из имеющихся на сегодня толкований работы Босха не признано единственно верным. Все, что мы знает об этом шедевре, — от времени создания до названия — гипотезы исследователей.
Триптих считается программным для Босха не только из-за смысловой нагрузки, но и за счет многообразия и изощренности персонажей. Название ему дали искусствоведы, предположив, что на центральной части изображен сад земных наслаждений.
На левой створке — история о сотворении первых людей и их коммуникации с Богом. Создатель представляет Еву ошеломлённому Адаму, который до сего дня скучал в одиночестве. Мы видим райские пейзажи, экзотических животных, необычные образы, но без перегибов — лишь как подтверждение богатства фантазии Бога и многообразии живых существ, созданных им.
По всей видимости, не случайно, что выбран именно эпизод знакомства Адама и Евы. Символически это начало конца, ведь именно женщина нарушила табу, соблазнила мужчину, за что вместе они отправились на землю, где, как оказалось, их ждут не только испытания, но и сад наслаждений.
Однако за все приходится рано или поздно платить, о чем говорит правая створка, которую еще называют музыкальным адом: под звуки многочисленных инструментов чудовища запускают пыточные машины, где страдают те, кто еще недавно беззаботно фланировали по саду наслаждений.
С обратной стороны створок — сотворение мира. «В начале сотворил Бог небо и землю. Земля же была безвидна и пуста, и тьма над бездною, и Дух Божий носился над водою.»
Скорее всего, Босх хотел показать тлетворные последствия чувственных удовольствий и их эфемерный характер: алоэ впивается в обнаженную плоть, коралл прочно захватывает тела, раковина захлопывается, превращая любовную пару в своих пленников. В башне Прелюбодеяния, чьи оранжево-желтые стены сверкают подобно кристаллу, обманутые мужья спят среди рогов. Стеклянная сфера, в которой предаются ласкам любовники, и стеклянный колокол, укрывающий трех грешников, иллюстрируют голландскую пословицу: «Счастье и стекло — как они недолговечны».
Ад же изображен максимально кровожадно и недвусмысленно. Жертва становится палачом, добыча — охотником. Самые обычные и безобидные предметы повседневной жизни, разрастаясь до чудовищных размеров, превращаются в орудия пытки. Все это как нельзя лучше передаёт хаос, царящий в Аду, где перевёрнуты нормальные взаимосвязи, некогда существовавшие в мире.
4. "Большая волна в Канагаве" Кацусика Хокусай
Вопреки распространенному среди европейцев мнению, это не цунами. Японцы считают, что на гравюре изображена так называемая "волна-убийца", которая, в отличие от набирающих силу у самого берега разрушительных цунами, внезапно возникает посреди океана, поднимается на огромную высоту и способна перевернуть судно.
«Большая волна в Канагаве» - не только одна из наиболее известных гравюр Хокусая, но и один из самых узнаваемых образов японской культуры в целом. Это первый лист «36 видов Фудзи» – серии настолько популярной, что отпечатки с нее делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться. Предположительно, с оригинальных досок Хокусая было отпечатано около 5 000 копий.
Конечно, не все они дожили до нашего времени: бумага менее долговечна, чем холст, и многие отпечатки были утеряны в результате землетрясений, пожаров, войн и других напастей. А уцелевшие листы заняли почетные места в собраниях по всему миру: лучших музеях США, Национальной галерее Виктории в Австралии и даже доме-музее Клода Моне в Живерни.
5. "Герника" Пабло Пикассо
26 апреля 1937 года над городом Герника, историческим и культурным центром Страны Басков, разверзся ад. Около 16:30 началась двухчасовая бомбардировка города немецким легионом «Кондор». За ней последовал масштабный пожар, превративший Гернику в руины. По данным из разных источников, бомбардировка унесла жизни от нескольких сотен до нескольких тысяч человек. Страшнее всего тот факт, что большинство погибших были женщинами и детьми, поскольку основная часть мужского населения в то время была вовлечена в боевые действия испанской Гражданской войны.
Трагические новости с родины не смогли оставить Пикассо, неоднократно заявлявшего о своей аполитичности, равнодушным. В то время художник работал над полотном для Испанского павильона на предстоявшей Всемирной выставке в Париже. Узнав о бомбардировке Герники, художник мгновенно меняет концепцию и берется за новое полотно, ставшее одним из самых мощных художественно-политических заявлений в истории.
«Герника» Пикассо стала вечным напоминанием об ужасах войны и одним из самых знаменитых антивоенных символов. Монументальное полотно размером почти четыре на восемь метров, написанное в рекордно короткие сроки (работа над картиной заняла у Пикассо немногим больше месяца - с 1 мая по 4 июня), изображает не абстрактных героев на поле боя, подвиги которых будут неоднократно воспеты. Пикассо пишет самых обычных людей, имена которых не напишут в учебниках истории, но именно они во все времена становились истинными жертвами любой войны. Художник не случайно выбрал для «Герники» такую черно-белую гамму, и даже чисто белого цвета здесь нет, есть только разные оттенки серого. Для Пикассо мир, по которому прокатились колеса войны, - это мир, лишенный красок, мир, из которого ушла сама жизнь.
Существует множество интерпретаций картины, которые часто противоречат друг к другу. В частности, это касается изображенных на полотне быка и коня. Некоторые критики утверждали, что картину не стоит воспринимать как политическое высказывание, поскольку образ быка или Минотавра символизирует здесь в первую очередь эго самого Пикассо. Однако, комментируя полотно, художник заявлял, что бык – это зло и жестокость, олицетворением которых накануне и во время Второй Мировой войны стал фашизм. По словам Пикассо, раненый конь символизирует жителей Герники, пострадавших и погибших в кровавой бойне. Но, несмотря на несомненную мрачность полотна и ужас, который оно вселяет, художник оставляет его героям и зрителю надежду в виде мирно горящей лампы под абажуром.
Пикассо однажды сказал, что «свет на картине и есть тот мир, к которому вечно будет стремиться всякое живое существо».
Автор
Член Scientists of test tubes
AimaSkeli
Labomember 001
По этой ссылке, вы можете попасть в нашу Лабораторию, где ведутся научные дискуссии и публикуются различные творческие работы наших участников
