Следуя традиционным правилам галереи, художники девятнадцатого века начали реагировать и предоставлять альтернативные методы того, как их искусство будет отображаться в компактных пространственных пространствах публичной галереи или салона.
Французский художник-реалист Густав Курбе (1819-1877), был отмечен как первый художник, восставший против "висячей" философии Салона и создавший в 1855 году свою собственную временную экспозицию.
Одним из художников, сделавшим большой шаг к созданию собственных условий для пространственного соотношения картин в галерее, был Джеймс Эббот МакНилл Уистлер (1834-1903 гг.). Его выставка в торговом центре "Pall Mall" в 1874 году показала его намерение "привести стены в гармонию с картинами на них".
По указанию Уистлера, галерея на выставке Общества изобразительных искусств 1883 года была вывешена белым и желтым, на полу были желтые матрацы, желтые стулья и желтые цветочные горшки.
Присутствующие у дверей были в желто-белой цветовой гамме, художник носил желтые носки, а его ассистенты - желтые галстуки.
Хотя эта стратегическая игра желтого цвета в интерьере галереи показала критический юмор Уистлера, более важно было видеть в ней пример стремления художника манипулировать физическими качествами интерьера, чтобы установить связь с его картинами.
Следуя примеру Уистлера, другие художники проявили интерес к направлению творческого внимания на пространственные аспекты своих выставок.
Работая куратором в Metropolitan Museum of Art, в 1906 году Роджер Фрай попытался манипулировать галерейным пространством для выставки старых мастеров мира.
Его план состоял в том, чтобы создать «эффект Смальто», обработав слои краски и деревянное пятно галереи.
Также Фрай упомянул, как была выбрана цветовая схема «кремниевый зеленый цвет, более темный цвет морской волны, высокие ноты золота и сухой красный», чтобы «соответствовать выставкам Брамантино».
Поэтому художники в конце XIX века начали проявлять интерес к дизайну интерьера музея, чтобы решить типичные проблемы, связанные с экспонированием и экспозицией, в том числе и эстетические.
В рамках поиска путей переосмысления границ живописи и выставочного пространства стоял вопрос идеологических и пространственных границ станковой живописи.
В конце XIX века художники были озабочены тем, что в обществе запрещено отделять "высокое искусство" (станковая живопись) от "ремесленничества" (декоративная живопись). Хотя это и было идеологической проблемой, но имело пространственные последствия.
Стремясь противостоять "висящим" философиям художественных институтов и примирить высокое искусство с художественными достоинствами ремесла, художники бросали вызов пространственным и теоретическим границам традиционной анатомии станковой живописи:
- холсту
- краске
- и обрамлению.
Это привело к убеждению о присущей и решающей взаимосвязи между пространством внутри и снаружи плоскости картины, что в дальнейшем было поощрено путем расширения пространственных границ станковой живописи с помощью как стенной, так и декоративной живописи вместе с рамкой картины.
Настенная и декоративная живопись
"Больше никакой станковой живописи!... Работа художника начинается там, где архитектура считает свою работу законченной. Стена должна оставаться поверхностью, она не должна быть открыта для изображения бесконечных горизонтов" - Веркаде из Le Tourment de Dieu.
В конце XIX века ревностное возвращение к средству настенной и декоративной живописи отчасти было вызвано интересом к совмещению высокого искусства с ремеслом.
Благодаря таким направлениям, как "Искусство и Ремесло" и "Art Nouveau", ознаменовавшим собой начало XVIII-XIX веков, художники почувствовали, что в прошлом настенная, фресковая и декоративная живопись ценились как высокое искусство и получали художественные лицензии, отличные от станковой живописи, находящейся в заключении.
Декоративная живопись стала новым инструментом для художников, которые хотели исследовать границы традиционной живописи и найти свое вдохновение, используя рамки, стены и пространство интерьера, чтобы создать единое целое.
В заключение отмечу, что интерес к пространственной свободе настенной и декоративной живописи будет продолжать развиваться до двадцатого века, когда экспрессионизм и абстрактный экспрессионизм получат свое мощное пространственное развитие.
Спасибо, что дочитали статью до конца! Не забывайте лайк, если тема вас заинтересовала.