Добрый день, уважаемые читатели!
Сегодня мы обобщаем наш рассказ о великом Микеланджело, подробно рассмотрев стиль и технику одного из гениев Возрождения.
Прекрасное в героях Микеланджело восхищает, однако для самого мастера более значимыми оказались разум и духовная сущность человека, нежели безупречность телесных форм. Когда современники описывали мощь его творений, они часто прибегали к понятию «terribilita», что можно интерпретировать как "вызывающая благоговение". Столетия, прошедшие со времен Микеланджело, не снизили этот эффект. По-настоящему удивляет универсальность гения Микеланджело. Его кисти, резцу и замыслу равно подчинялись шедевры живописи, скульптуры и архитектуры. Не стоит забывать и о таланте Микеланджело как непревзойденного рисовальщика и глубокого поэта.
Его личность и образ мышления раскрываются в пяти сотнях сохранившихся его писем, а также в оценках современников, что дошли до нас. Все авторы мемуаров единодушны в том, что Микеланджело целиком отдал себя творчеству. Сохранились свидетельства, что он даже ложился спать в обуви и одежде, не желая тратить время на переодевание. За день он нередко довольствовался "куском хлеба, съедаемым прямо во время работы".
Микеланджело был выше показной славы, однако, родословная его льстила. Художник превыше всего ставил созидание, полагая, что мастерство лишь вторично. К своим работам он подходил с сердцем, чувством. Неудача с погребальным комплексом для Юлия II погрузил мастера в уныние. "В этом склепе я схоронил свою молодость", - сетовал он в 1542 году. Он имел сложный нрав, был мнителен и недоверчив, бывал резок и не сдержан на язык. Смело пререкался с самим Юлием ІІ. Но в кругу родных и близких был неизменно ласков, великодушен и заботлив.
О жизни Микеланджело у нас имеется немало информации. Однако, и в ней присутствуют загадки. К примеру, не ясно, где, как и когда он достиг такого выдающегося мастерства в живописной технике. В 1488 году, в возрасте 13 лет, Микеланджело был зачислен в ученики к Доменико Гирландайо, что случилось на несколько лет позже, чем это было принято в те времена. Необычным является и тот факт, что юный художник не только не платил за обучение, но и получал зарплату. Это наводит на мысль о том, что к этому моменту он уже располагал определенными навыками. В дальнейшем Микеланджело вообще не упоминал ученичество у Гирландайо, предпочитая представлять свой талант как дар свыше, тем самым придавая ему мифический оттенок.
Если даже в живописи Гирландайо можно было считать наставником Микеланджело, то вопрос о том, где именно Микеланджело постигал искусство резьбы по мрамору, остаётся без ответа. Бертольдо ди Джованни, у которого он проходил обучение в «академии» Медичи, специализировался на бронзе, но эту технику Микеланджело применял крайне редко. Несмотря на это, его первые же скульптурные работы снискали ему славу непревзойдённого мастера, известного своей ювелирной точностью.
В то же время, он всегда тяготел к масштабным проектам, из-за чего его излюбленной живописной техникой на протяжении всей жизни оставалась фреска. Микеланджело питал антипатию к жанровой и орнаментальной живописи, а также не испытывал симпатии к современным ему фламандским художникам. Их произведения, по его собственным словам, могли прийтись по вкусу лишь женщинам или тем, кто совершенно не разбирался в гармонии. "Живопись фламандцев, - утверждал художник, - направлена исключительно на внешнее восприятие... Их картины выглядят грубо сложенными из кирпичей и раствора, выполнены без понимания основ искусства, без симметрии и пропорций, без должного отбора предметов и, в конечном итоге, без намека на талант".
Сам Микеланджело неизменно отдавал предпочтение глубоким темам, сосредотачиваясь на изображении человеческих тел, в особенности обнаженных мужских фигур. Джорджо Вазари отмечал: «Этот гениальный мастер непрестанно стремился запечатлеть совершенное по формам и пропорциям человеческое тело в широком спектре поз, позволяющих передать весь спектр эмоций и переживаний». В период творческого формирования Микеланджело во Флоренции доминировал декоративный стиль. Не найдя в нем удовлетворения, юный художник обратился к наследию старых флорентийских мастеров. Среди ранних рисунков Микеланджело, датируемых пятнадцатилетним возрастом, встречаются копии произведений Джотто (1267-1337) и Мазаччо (1401-1428).
Оба творца являли собой пример могучей, строгой и безукоризненной манеры изображения. На Микеланджело значительное воздействие оказали античные римские изваяния. Когда в 1506 году мир узрел легендарную скульптурную композицию "Лаокоон", он оказался в числе первых, кто поспешил воочию убедиться в возрождении этого выдающегося произведения искусства. При этом Микеланджело с упорством изучал человеческое тело. Он не просто регулярно прибегал к натурным зарисовкам, но и, перенимая опыт Леонардо, присутствовал на анатомических вскрытиях, желая досконально постичь устройство человеческой плоти.
Из этих источников сформировался особый, "фигурный" стиль, присущий Микеланджело. Однако со временем внимание художника претерпело изменения: он всё меньше стремился к внешней красоте и сосредоточился на выражении внутренних переживаний. Это отчетливо видно при сравнении "Страшного суда" и росписи потолка Сикстинской капеллы. Мастерство Микеланджело достигло таких высот, что его творчество стало образцом для многих поколений живописцев. На протяжении столетий каждый художник, приезжавший в Рим, первым делом стремился увидеть знаменитые фрески в Сикстинской капелле. Те, кто не мог попасть туда, изучали их по копиям, имевшимся в каждой европейской академии живописи. Существовало общепринятое мнение: научиться писать мужскую натуру без освоения наследия Микеланджело - невозможно. Для некоторых его творчество послужило фундаментом для создания собственного, индивидуального стиля (например, Рубенс), хотя, следует признать, что некоторым художникам и скульпторам это не пошло на пользу - копируя стиль Микеланджело, они так и не смогли вырваться из-под его влияния и создать собственный художественный мир.
На протяжении XVI и XVII столетий слава Микеланджело несколько померкла. Лидерство в искусстве перешло к Рафаэлю, чьи главные произведения, тоже находятся в Риме. Это объясняется тем, что манера Рафаэля, отличавшаяся пестротой и живостью красок, лучше гармонировала с направлениями, доминировавшими в европейской живописи той эпохи. Но с приходом романтизма, знаменитая «terribilita» Микеланджело вновь заняла лидирующую позицию, послужив источником вдохновения для нового поколения европейских живописцев. Благотворное влияние творчества Микеланджело сохраняется и поныне - его работы ничуть не устарели.
Картины на деревянных досках
Единственным произведением на доске, принадлежность которого авторству Микеланджело подтверждена без каких-либо сомнений, является «Тондо Дони». Однако в среде экспертов в последнее время набирает силу мнение о причислении к подобным работам и незаконченного полотна «Мадонна с младенцем, Иоанн Креститель и ангелы», датируемого приблизительно 1495 годом.
По традиции, ее называют «Манчестерской Мадонной», поскольку впервые она предстала перед широкой публикой на экспозиции в Манчестере в 1857 году. «Манчестерская Мадонна» разительно отличается от «Тондо Дони», проявляя более грубую манеру письма, а также тем, что исполнена темперой, а не маслом (которое вскоре обрело популярность). Указанные особенности позволяют отнести «Мадонну» к самым ранним этапам творчества Микеланджело. Важно отметить, что в эпоху Возрождения художники, включая самого Микеланджело, чаще всего использовали для основы деревянные доски из тополя. Также следует упомянуть две другие картины, принадлежащие кисти Микеланджело и исполненные на досках: «Леда и лебедь» и «Искушение святого Антония». К сожалению, до наших дней они дошли лишь в копиях.
Скульптура
В скульптуре, хоть Микеланджело иногда прибегал к бронзе и дереву, львиная доля его произведений создана из мрамора. Значительное время он проводил в каррарских мраморных каменоломнях, где лично подбирал материал для своих будущих шедевров. Превосходство Микеланджело над современниками-скульпторами стало совершенно ясным уже после представления скульптурной группы «Пьета», установленной в римском соборе Святого Петра.
К моменту завершения работы над "Пьетой" Микеланджело было всего двадцать пять лет. «Пьета» стала единственной работой Микеланджело, подписанной им самим, объяснение этому даёт нам Джорджо Вазари. Он повествует о всеобщем восхищении, вызванном выставленной на всеобщее обозрение скульптурой. Затерявшись в толпе очарованных зрителей, Микеланджело однажды подслушал, как два миланца клялись, что столь прекрасную скульптуру мог создать лишь их земляк. Той же ночью он тайно проник в собор с лампой и резцами и высек на поясе Мадонны гордую надпись: «Микеланджело Буонарроти, флорентиец». Уже на склоне лет Микеланджело вновь вернулся к этой теме. В его композиции «Снятие с креста», примерно 1550-55 годов присутствует фигура Иосифа Аримафейского, которая, по общему мнению, является скульптурным автопортретом Микеланджело.
Капелла Паолина
Последние творения кисти Микеланджело украсили собой капеллу Паолина, находящуюся в Ватикане, и стали для него завершающим этапом творческого пути. Само имя капеллы говорит о том, что она была возведена по приказу папы Павла III. Строительные работы стартовали в 1537 году, и, по всей видимости, изначально предполагалось, что именно Микеланджело возьмёт на себя роль оформителя интерьеров. Занятый колоссальным трудом над фреской «Страшный суд» в Сикстинской капелле, художник сумел приступить к созданию фресок для капеллы Паолина лишь в 1542 году.
Тематика выбранных сюжетов для росписи в капелле Паолина («Обращение Савла» и «Распятие святого Петра»), вероятно, обусловлена желанием угодить заказчику: апостол Павел был небесным заступником папы Павла III, в то время как апостол Петр считался первым римским папой. В 1550 году работа над фресками была завершена. Папа Павел III, к сожалению, ушел из жизни годом ранее, но успел лично удостовериться в величии таланта художника.
Распятие
Микеланджело, всю свою жизнь оставаясь верным католицизму, к концу своего жизненного пути стал ощущать всё более острое религиозное переживание. Выражением этого стал его интерес к теме Страстей Христовых. Данное увлечение можно заметить и в его поэтических произведениях, и в серии рисунков, запечатлевших Распятие. Один из этих рисунков предназначался в дар Виттории Колонна, поэтессе и вдове маркиза Пескара, а остальные, вероятно, служили этюдами к задуманной скульптурной группе на ту же тему. На некоторых рисунках можно увидеть следы размышлений художника о христианской вере; их отличает особая сила и глубина передаваемых душевных переживаний. В частности, представлен рисунок "Этюд с тремя крестами", выполненный красным мелом.
Подарочные рисунки
Подарочный рисунок можно рассматривать как отдельный жанр искусства, отличающийся от обычных набросков тщательной проработкой деталей и завершённостью образа. Родоначальником жанра принято считать Италию первой половины XV столетия. Одним из первых примеров подобного направления служит подарок кисти Леонардо да Винчи, датируемый началом XVI века. Примерно в 1530-х годах этот жанр активно развивали великие итальянцы эпохи Ренессанса, такие как Микеланджело Буонарроти, чьи серии рисунков включают широко известную работу «Сон человеческой жизни» (около 1533).
Микеланджело часто дарил свои творческие работы близким людям, в особенности юным аристократам, таким как Томмазо Кавальери, которому посвятил ряд аллегорических изображений и идеализированных портретов, среди которых известен рисунок «Идеальная голова». Важно отметить, что сам Микеланджело придерживался гомосексуальных предпочтений, что придавало особое значение подобным подаркам.
Позднее художник обратился к религиозной тематике, создавая подарочные рисунки специально для подруги последних лет жизни - Виттории Колонна, знакомство с которой произошло в 1538 году.
Битва при Кашине
Когда Леонардо да Винчи и Микеланджело получили предложение расписать зал Палаццо Веккьо во Флоренции сценами битв, оба принялись подбирать наилучшую тематику. Леонардо, чьи знания анатомии коней превосходили мастерство других художников, остановился на эпизоде конной схватки. Микеланджело, чей талант к передаче красоты обнаженного мужского тела был общепризнанным, избрал сцену, где флорентийские воины, застигнутые врасплох пизанцами на берегу реки, были в процессе купания. Это позволило Микеланджело продемонстрировать мастерство, изображая сложные позы человеческих фигур. Картон для этой картины в натуральную величину был принят с одобрением, но, увы, не сохранился до наших дней. Однако копия центральной части, известная как «Подготовительный этюд к картине "Битва при Кашине"», дает общее представление об оригинальном замысле.
Кроме того, сохранилось несколько подготовительных этюдов к "Битве при Кашине", среди них - "Этюд фигуры к картине "Битва при Кашине"».
Усыпальница Юлия ІІ
В 1505 году Папа Римский Юлий II поручил Микеланджело создание грандиозной гробницы, предназначенной лично для себя и претендующей стать величайшим захоронением христианского мира. Предполагалось сооружение отдельного мавзолея площадью 9 на 6 метров, содержащего просторную камеру для погребения. Интерьер гробницы предполагалось украсить сорока статуями, установленными на трёх уровнях. Несмотря на обозначенный папой пятилетний срок завершения строительства, практически каждому современнику было очевидно, что столь амбициозная задача требует значительно большего времени, даже учитывая невероятную работоспособность Микеланджело. Однако в 1506 году приоритеты Юлия II изменились: он начал реконструкцию храма Святого Петра в Риме, перенаправляя своё внимание и ресурсы на новый монументальный проект. Интерес папы к строительству собственной гробницы существенно снизился, и, несмотря на первоначальную договорённость, проект долгое время оставался замороженным.
Завершение гробницы растянулось на десятилетия и состоялось лишь в 1545 году. Итоговая конструкция была размещена не в Соборе Святого Петра, как первоначально планировалось самим понтификом, а в другой римской церкви — Сан-Пьетро-ин-Винколи. Основная заслуга в оформлении памятника принадлежит самому Микеланджело, чья скульптура «Моисей» и две другие крупные фигуры украсили интерьер гробницы. Остальные скульптуры были созданы учениками мастера.
Примечательно, что две превосходные статуи, выполненные Микеланджело для этой гробницы в 1513 году («Раб умирающий» и «Раб взбунтовавшийся»), ныне находятся в коллекции Лувра, так и не будучи использованы в оформлении монумента. Причины, почему эти произведения остались вне финального ансамбля, остаются неизвестными.
Поддержать канал автору на мечту здесь:
Для новых материалов подписывайтесь на канал:
Ставьте лайки и комментируйте
Читайте также: