Национальный музей Центр искусств королевы Софии (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) — это известный музей современного искусства, расположенный в Мадриде, Испания. Музей назван в честь королевы Испании Софии и является одним из крупнейших и наиболее влиятельных художественных учреждений страны.
Музей был основан в 1986 году и размещается в бывшем госпитале Святого Карла, значимом архитектурном памятнике XVIII века. Здание претерпело реконструкцию и дополнительное строительство, чтобы соответствовать потребностям музея современного искусства.
Коллекция Центра искусств королевы Софии включает в себя работы мастеров мирового искусства, таких как Сальвадор Дали, Жоан Миро, Хуан Грис, Хоакин Соролья и многих других. Однако, знаменитейшим произведением в музее является картина "Герника" Пабло Пикассо, которая стала своего рода символом музея и всего современного искусства Испании.
Центр искусств королевы Софии служит площадкой для проведения временных выставок, конференций, лекций и других культурных мероприятий. Его целью является продвижение, изучение и популяризация современного искусства, а также обогащение культурного наследия страны.
1. "Герника"
"Герника" — изображение жестокой, драматической ситуации, созданное для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже в 1937 году. Пабло Пикассо нашёл вдохновение для этой великой работы, услышав новости о немецкой бомбардировке баскского города Герника, которое отразилось в фотографиях, опубликованных в различных периодических изданиях, включая французскую газету "L'Humanité".
Тем не менее ни эскизы, ни окончательная картина не содержат ни одного намека на конкретное событие, представляя собой общий призыв против зверств и ужасов войны. Это огромное произведение искусства задумано как гигантский плакат, свидетельство боли, которую причиняла Испанская Гражданская война, и предвестие того, что произойдет во Второй мировой войне.
Подавленные цвета, интенсивность каждого мотива и их артикуляция являются существенными для сцены, которая стала эмблемой всех разрушительных трагедий современного общества. "Герника" вызвала множество противоречивых толкований, частично связанных с осознанным использованием в картинах только серых оттенков.
2. "Великий мастурбатор"
Эта картина, являясь воплощением сексуальных одержимостей Сальвадора Дали, даже была прокомментирована самим художником в его самом известном литературном произведении "Тайная жизнь Сальвадора Дали", опубликованном в 1942 году.
Дали создал картину в конце лета 1929 года, после нескольких дней, проведенных с Галой, которая решила остаться с ним в Кадакесе, несмотря на то что её тогдашний муж, поэт Поль Элюар, вернулся один в Париж, без сопровождения своей жены. "Великий мастурбатор" является в высшей степени автобиографической картиной: огромная голова в центре представляет собой одно из многочисленных воплощений художника, отражая духовное и эротическое преображение, которое пережил Дали после появления Галы в его жизни.
Эта тревожная композиция также демонстрирует достижение вершины фантазий Дали, особенно в отношении мотива кузнечика, кормящегося главным персонажем, поскольку с самого детства у Дали всегда был особый ужас перед этим насекомым.
3. "Забастовка"
На картине изображена всеобщая забастовка 1902 года в Барселоне, вызванная требованием металлистов о девятичасовом рабочем дне и праве на объединение в профсоюзы.
Пережив неспокойные времена в истории своей родной Барселоны, Рамон Касас был узнаваем как выдающийся портретист. Его талант заключался в создании набросков и зарисовок, запечатлевая интеллектуальную, экономическую и политическую элиту Барселоны, Парижа, Мадрида и других мест. Кроме того, он славился своими полотнами, изображающими массовые сцены, начиная от зрителей на корриде и заканчивая собранием бунтовщиков на улицах Барселоны. Графический дизайнер по профессии, он оставил значительный след в мире плакатов и открыток, способствуя формированию каталонского художественного движения, известного как модернизм.
4. "Старый фавн"
Сантьяго Русиньоль прошёл обучение в мастерской знаменитого художника Томаса Морагаса, где освоил искусство рисования и различные художественные техники, включая масло и акварель. Впервые свои произведения он представил на публике в барселонской галерее Sala Parés в 1879 году, участвуя в коллективной выставке. Он устанавливал тесные связи с этой галереей на протяжении всей своей художественной карьеры. Кроме того, его художественный путь включал и пейзажи, фигурные композиции и литературные сцены, в оппозиции к популярным историческим сюжетам того времени.
Часто его полотна оживали природные красоты каталонских пейзажей. Он также создавал произведения, отображающие повседневную жизнь и городские пейзажи, изображая персонажей естественно и занятых своими обыденными делами. Работы художника были тепло приняты критикой своего времени.
5. "Секрет ухаживания"
Рене Магрит не любил объяснений, пытающихся разъяснить содержание его картин. Он всегда предпочитал сохранять тайну вокруг своих произведений, настаивая, что это просто выражение личных вымышленных сюжетов или неврозов.
Возможно, эта загадочная картина отражает некоторые интересы и переживания художника, такие как любовь к кино или его увлечение приключениями Фантомаса, вымышленного персонажа, который был с удовольствием изображён художниками того времени, включая Хуана Гриса, который посвятил ему картину в 1915 году. На другом уровне основным элементом в картине могла быть память о личной трагедии, которая постигла Магритта после драматической гибели его матери, бросившейся в реку Самбр в 1912 году и была обнаружена утопшей с белой тканью на лице.
6. "Дом с пальмой"
Исследования Жоана Миро в поисках новых решений в период с 1916 по 1918 год привели к созданию четырёх "детализированных" пейзажей, выполненных в Монтроиге летом 1918 года. Эти композиции, в свою очередь, привели к знаменитой работе "Ферма" (La masía) в 1922 году, и считаются несомненно важными в эволюции стиля Миро, демонстрируя значительное изменение по сравнению с его творчеством непосредственно перед этим.
Одной из этих четырёх ключевых работ является "Дом с пальмой", в которой отношение Миро к пейзажу настолько дотошно реалистично, что его фактически описывают как "реестр объектов". Эта картина становится первой важной творческой вехой для каталонского художника, который начинает создавать произведения, ближе подходящие к сюрреализму, начиная с 1923-1924 года.
7. "Арлекин со скрипкой"
Работы Гриса с конца 1916 по 1917 год демонстрируют упрощение геометрической структуры, стирание различий между объектами и обстановкой, между сюжетом и фоном. Наклонные перекрывающиеся плоские конструкции, стремящиеся к нарушению равновесия видны и на картине "Арлекин со скрипкой".
Четкие геометрические рамки, лежащие в основе работы, по-видимому, управляют более мелкими элементами композиции; составляющие компоненты, включая небольшие плоскости граней, становятся частью единого целого.
8. "Красные птицы"
Летом 1925 года Макс Эрнст переехал из Парижа в небольшой городок на Атлантическом побережье, где он открыл для себя процесс фроттажа, наблюдая за узорами на полах своей гостиничной комнаты. Эрнст наносил мягкими и равномерными движениями карандаш на лист бумаги, положенный поверх поверхности, и начал выявлять изображения, минимизируя своё сознательное участие в создании произведения.
"Красные птицы" представляют собой следующий шаг в исследованиях Эрнста с использованием сюрреалистических методов, когда, через год, в 1926 году, художник открыл для себя граттаж, скребя ещё мокрую краску с холста, размещенного на грубой текстурной поверхности, такой как камни, раковины, дерево и так далее. Результаты его экспериментов включают некоторые из самых характерных серий художника, такие как леса или птицы, причем "Красные птицы" относятся к последней из них.
9. "Максимальная скорость Мадонны Рафаэля"
Интерес Сальвадора Дали к новым научным открытиям, особенно квантовой и ядерной физике, имел ключевое значение для произведений, созданных им в этот период. В 1940-е годы это увлечение объединилось с приближением художника к католической религии, а также возвратом к академическому искусству через темы, вдохновленные западной традицией, такими как Возрождение в Италии и Золотой Век в Испании. Эти влияния привели к так называемому "атомному периоду" и публикации "Мистического манифеста" (1951), где Дали объяснил симбиоз, приведший его к мистико-ядерной теме.
В "Максимальной скорости Мадонны Рафаэля" художник заимствует изображение Мадонны Рафаэля Санти, одного из великих мастеров Возрождения почитаемого Дали. Произведение синтезирует великую классическую традицию через тему религии с открытиями и опытом современного искусства, создавая изображение, построенное на основе интерпретации теоретических принципов физики и визуальных возможностей искусства. Лицо Девы распадается на сферы, геометрически идеальные фигуры, а также на формы, напоминающие рога носорога, когда Дали обнаруживает логарифмические спиральные формы, основанные на закономерности Божественной пропорции.
10. "Бюст молодой женщины"
Пребывание Пабло Пикассо в пиренейском городке Госоль летом 1906 года было решающим для художественной революции, которая привела к возникновению кубизма всего год спустя. Пикассо оставил позади свой "розовый период", чтобы начать новый примитивный и антиакадемический язык, который был намеренно недописанным, схематичным, с четкими контурами и монументальными формами.
Извлекая вдохновение из творчества мастеров, таких как Сезанн и Гоген, а особенно из иберийского искусства, с которым он познакомился в Париже в тот же год, этот новый период продолжился в месяцах, следующих сразу после его возвращения в Париж, и достиг своего апогея в "Дамах из Авиньона" летом 1907 года.
Его тогдашняя партнерша и спутница в поездке в Госоль, Фернанда Оливье, стала повторяющейся моделью в этот ключевой период художественных экспериментов. "Бюст молодой женщины" — произведение, в котором художник изобразил Фернанду по памяти, с лицом, напоминающим маску, с пустыми глазами, характерными для иберийской скульптуры.
11. "Розовые колокольчики, изодранное небо"
Одним из основных элементов, который появляется в произведениях Рене Магритта, является колокольчик, возвращающаяся икона его творчества, загадочно напоминающая детство художника и позже становящаяся частью символического арсенала его работ.
"Розовые колокольчики, изодранное небо" — одна из картин, в которой Магритт использует этот символ, наряду с еще одним из его любимых мотивов, облаками. Колокольчики физически парят в воздухе, занимая половину картины, свободные от своего веса, что придаёт им нереальный вид, подчеркивая их мощь. Это также обусловлено техникой, почти фотографически точной, которая кажется замораживает изображение во времени и пространстве. Вторая половина сцены занята небом, полным пушистых облаков.
Контраст — яркий голубой для облачного фона и электрический лососевый для пространства колокольчиков — способствует общему ощущению недоумения и беспокойства, исходящего от картины, как и происходит с лучшими произведениями сюрреалистического искусства.
12. "Кубический автопортрет"
Знакомство Сальвадора Дали с кубизмом началось в 1922 году, когда он был студентом в Мадриде и прочитал журнал "L’Esprit Nouveau", который его дядя смог достать ему из Барселоны. В течение примерно пяти лет он создавал кубистские произведения, экспериментируя с различными стилями, влияниями и техниками, которые проявились в течение пятнадцатилетнего периода движения. В конечном итоге ему ближе оказались основы пуризма, более поздней версии кубизма. Его автопортрет в кубистском стиле 1923 года служит хорошим примером этого влияния.
13. "Шествие смерти"
Солана, очарованный Жнецом Смерти и необратимыми последствиями его посещения, наилучшим образом представлен в произведении "Шествие смерти". Основное восхищение, которое здесь выражает художник, связано с конкретной испанской традицией, воплощенной в "ванитас" Вальдеса Леаля. Внушительные барочные композиции, созданные для того, чтобы напомнить зрителю о том, что время бежит и смерть неизбежна, возрождаются на этой картине.
14. "Паровой каток и роза"
В мае 1936 года Оскар Домингес совершил своё последнее путешествие на Тенерифе, где он услышал о Гражданской войне. В октябре того же года он вернулся в Париж и начал сотрудничество с издателем и типографом Ги Леви Мано. В этот период он иллюстрировал произведения Лотреамона и Андре Бретона, обе работы были опубликованы в 1938 году. Интенсивный контакт с миром литературы породил картины фигуративного сюрреализма с ярко выраженным литературным компонентом, как, например, "Паровой каток и роза".
Эта картина несёт явное послание протеста, ставя художника на сторону творчества, в отличие от предположительно разрушительной технологии. Похоже, что это была тема, которая беспокоила Домингеса, поскольку в 1937 году он также создал версию этой же идеи "Адская машина", которая включает основные элементы "Парового катка и розы": розу и огромную машину, ролик которой ломается о цветок, который она пытается раздавить.
15. "Кровь Христа"
Игнасио Сулоага является величайшим художником баскской школы и одним из её самых известных международных представителей. Он добился широкого признания в начале XX века благодаря своим характерным пейзажам, портретам и сценам из народной жизни.
В этой последней группе его новаторские замыслы в области композиции не имеют никакого отношения к достижениям новых художественных выражений того времени. Однако, парадоксально, эта картина получила много признания от самых передовых художественных кругов. Например, когда она была выставлена в Салоне общества изящных искусств в Париже в 1912 году, она была тепло встречена Гийомом Аполлинером, ярым сторонником новых течений.
***
Спасибо, что уделили время для прочтения нашей статьи! Мы надеемся, что Вы нашли её интересной и полезной. Ваше внимание и поддержка значат для нас очень много. Вы можете поддержать развитие канала по ссылке:
Если Вы ещё не подписаны на наш канал, то подпишитесь, чтобы не пропускать новые публикации.
Мы также приглашаем Вас ознакомиться с другими статьями:
#музей #художники #искусство #мадрид #дали #пикассо #грис #магритт #миро #картины
