История индийской живописи столь же разнообразна и ярка, как и сама страна. Индийское художественное искусство, корни которого уходят собой ещё в древние времена, постоянно адаптировалось к меняющимся социальным, религиозным и политическим событиям. От величия королевских дворов до энтузиазма духовного благоговения – абсолютно каждая эпоха оставляла на полотне свой собственный уникальный след.
Эволюцию индийских художников можно проследить через отдельные этапы: от традиционных стилей живописи, хорошо процветавших в разных регионах, до принятия модернизма и смелых экспериментов современных художников. В Индии было много королевств и империй, поэтому данная статья посвящена индийским творцам, появившимся в период британского правления (1857-1947 годы) и позднее. Ниже представлены лишь некоторые из величайших индийских живописцев в истории этой страны, работавших кистью в период XIX и XX веков.
1 место. Раджа Рави Варма
Раджа Рави Варма (годы жизни 1848-1906 [прожил 58 лет]) был выдающимся индийским художником и живописцем, которого зачастую по праву называют одним из пионеров современного индийского художественного искусства. Он наиболее известен своим самобытным стилем, прекрасно сочетающим в себе европейские академические методы с традиционными индийскими темами, что в итоге и привело к уникальному и увлекательному художественному подходу.
Вклад Раджи Рави Вармы в индийское искусство сыграл значительную роль в преодолении разрыва между традиционными индийскими художественными формами и влияниями западного искусства в колониальную эпоху. Рави Варма родился в Килимануре – княжеском штате на территории современного штата Керала. Он рано проявил склонность к искусству и получил формальное обучение живописи под чётким руководством различных наставников.
Его близкое знакомство с западными методами произошло благодаря тесному общению с британскими чиновниками и художниками во времена своих путешествий. А прорыв Рави Вармы произошёл благодаря его умелому изображению мифологических и исторических сюжетов. Он был особенно известен за отображение на полотнах индуистских божеств, королевских персон и эпических сцен из индийской литературы.
2 место. Абаниндранат Тагор
Абаниндранат Тагор (годы жизни 1871-1951 [прожил 80 лет]) – это выдающийся деятель Бенгальской школы искусств, он был многогранным индийским художником, писателем и мыслителем. Будучи племянником известного писателя, поэта, композитора, художника и общественного деятеля Рабиндраната Тагора (годы жизни 1861-1941), Абаниндранат родился в богатой и культурной семье, которая глубоко повлияла на его творческий путь.
Раннее знакомство Абаниндраната Тагора с искусством было обусловлено сильной любовью его семьи к творчеству в любых его проявлениях. Он обучался традиционной индийской живописи под руководством таких мастеров, как Чарльз Палмер, и развил глубокую склонность к возрождению древних форм искусства. Черпая вдохновение из индийского эпоса, мифов и фольклора, он всячески стремился пробудить в своих произведениях ощущение духовности и самобытности. Его усилия завершились основанием Бенгальской школы искусств – движения, стремившегося объединить в себе традиционные индийские техники с современным искусством.
В основе достижений Абаниндраната лежала его горячо любимая вера в так сказать «индийскость» искусства. Он подчеркнул важность связи с богатым культурным наследием Индии и выступил за использование местных материалов и технологий. Одним из наиболее знаковых достижений Тагора является создание им персонажа по имени «Бхарат Мата» или же «Мать Индия», символизирующего собой нацию как заботливую и жизнестойкую материнскую фигуру.
3 место. Джамини Рой
Джамини Рой (годы жизни 1887-1972 [прожил 85 лет]) – был ещё одним выдающимся индийским художником, хорошо известным своим самобытным художественным стилем, сочетающим в себе традиционное индийское народное искусство с современными мотивами. Он родился в Белиаторе – небольшой деревне в штате Западная Бенгалия, что в Индии. Художественный путь Роя примечателен его переходом от академических европейских техник живописи к более местному и фольклорному стилю, который выделил его как уникальную и влиятельную фигуру в истории индийского искусства.
Рой начал своё художественное образование в традиционном академическом стиле, обучаясь в Государственном Колледже Искусств в Калькутте, штат Западная Бенгалия. Однако уже вскоре он сильно почувствовал необходимость воссоединиться со своими культурными корнями и приступил к поиску вдохновения в местных формах искусства сельской Бенгалии.
Рой опирался на технику и эстетику традиционных деревенских художников, включая в свои работы элементы картин Калигата (один из индийских храмов) и терракотового храмового искусства в целом. Его творения часто изображали на себе обычную повседневную жизнь, сельские сцены, религиозные повествования и мифологические сюжеты. Роя особенно привлекало изображение Иисуса Христа и Матери с Младенцем. Он практически постоянно рисовал их с нетрадиционной художественной точки зрения.
4 место. Амрита Шер-Гил
Амриту Шер-Гил (годы жизни 1913-1941 [прожила 28 лет]) часто называют одной из самых выдающихся индийских художниц в Индии XX столетия. Она хорошо известна своим значительным вкладом в современное индийское искусство, особенно запоминающимися и эмоциональными изображениями человеческого тела и уникальным сочетанием западных техник с традиционными индийскими темами.
Амрита Шер-Гил родилась в семье венгерки и отца – индийца-сикха. Годы своего становления девочка провела в Венгрии, где и получила раннее художественное образование. Однако позднее она переехала вместе со своей семьёй в Индию, и данное возвращение к своему индийскому наследию сильно повлияло на творческий путь девушки. Она изучала искусство на территории Европы, опираясь как на академические европейские стили, так и на движение постимпрессионистов, которое и повлияло на её более поздний подход к творчеству.
Работы Шер-Гил часто затрагивают темы, тесно связанные с человеческой идентичностью, полом и социальными нормами в обществе. Её глубоко интересовало изображение жизни обычных людей, персонажами девушки зачастую были индийские деревенские жители, разные женщины и она сама. Картины Амриты известны своей эмоциональной глубиной, очень смелыми цветами и уникальным сочетанием в себе таких художественных стилей, как реализм и символизм.
5 место. Нандалал Бос
Нандалал Бос (годы жизни 1882-1966 [прожил 84 года]) – был известным индийским художником и одним из ведущих деятелей Бенгальской школы искусств. Нандалал Бос родился в индийском штате Бихар. Он изучал живопись в Государственной Школе Искусств в Калькутте, а затем у одного из предыдущих наших героев – Абаниндраната Тагора – выдающегося художника и основателя той самой Бенгальской школы искусств.
Ранний художественный стиль Боса находился под сильнейшим влиянием акцента школы на возрождении традиционных форм индийского искусства. Бос был хорошо известен своей универсальностью и способностью адаптировать личный стиль к различным средам и предметам. Он отлично владел разными техниками, включая живопись, фреску и гравюру.
Его искусство часто изображало собой сцены из индийской мифологии, сельской жизни и повседневного опыта самого творца. Его уникальный подход характеризовался гармоничным сочетанием традиционной индийской эстетики и современных идей.
6 место. Сайед Хайдер Раза
Сайед Хайдер Раза, также широко известный как просто С.Х. Раза (годы жизни 1922-2016 [прожил 94 года]), был одним из основателей так называемой Группы Прогрессивных Художников – коллектива индийских живописцев, основанного сразу же после обретения страной независимости, которые всячески стремились порвать с традиционными художественными условностями и тщательно исследовать новейшие формы самовыражения. Он родился в штате Мадхья-Прадеш, Индия. Для начала парень обучался в Школе Искусств Нагпура, а затем посещал Школу Искусств сэра Джей Джея (Джамсетджи Джиджибой [годы жизни 1783-1859]) – известнейшую школу искусств в Мумбаи.
На его ранние творения сильно повлияли академический и реалистический художественные стили, с которыми он столкнулся во время своего обучения, но творческий путь парня принял значительный поворот только в ту пору, когда в 1950 году он переехал во Францию. Именно в столице страны – городе Париже – Раза познакомился с европейским модернизмом и абстракцией, которые сильно повлияли на его художественное развитие. Искусство мастера стало отражением его глубокой связи с индийской философией и его стремления исследовать саму суть существования на Земле.
Одним из самых знаковых мотивов Разы является так называемый «Бинду» – единственный пункт или же точка, которая символизирует собой семя, начало и космос в индийской философии. Данный мотив стал центральным элементом его абстрактных композиций, часто контрастирующих с яркими цветовыми палитрами, вызывающими ощущение энергии и духовности. Работы Разы характеризуются тщательной геометрией, яркими цветами и духовной глубиной. Он часто давал названия своим картинам на санскрите, тем самым отражая свою прочнейшую связь с индийской культурой и доскональное исследование её философских основ.
7 место. Макбул Фида Хусейн
Макбул Фида Хусейн, также известный как просто М.Ф. Хусейн (годы жизни 1915-2011 [прожил 96 лет]), был очень влиятельным, но весьма неоднозначным индийским художником и творцом. Из-за своего разностороннего художественного стиля и значительного влияния на индийскую художественную сцену его даже стали называть «Индийским Пикассо». Ранние годы Хусейна были отмечены трудностями, поскольку он вырос в бедности и лицом к лицу столкнулся с многочисленными проблемами на своём творческом пути. Однако его талант и целеустремлённость привели парня к обучению в Школе Искусств Джей Джея в Мумбаи, где он оттачивал своё мастерство и лично разработал особый стиль, сочетающий в себе элементы индийского народного искусства с модернистскими течениями.
Хусейн стал одним из основателей Группы Прогрессивных Художников – коллектива живописцев, стремившихся освободиться от традиционных художественных норм и исследовать новые творческие направления. Его кубистические произведения искусства зачастую демонстрируют собой его свободный и спонтанный подход к живописи. Они включают в себя яркие цвета, смелые линии и уникальный визуальный язык. Одним из значительных вкладов Хусейна было изображение индийских божеств и мифологических фигур в современном контексте. Его интерпретации были одновременно уважительными к древним традициям, и смело современными, вызывая собой как восхищение, так и множественные споры. Хусейна хвалили за способность уловить суть индийской культуры, наполняя её свежей и динамичной энергией.
Несмотря на все свои творческие достижения, карьера Макбула Фиды Хусейна была отмечена и противоречиями. Некоторые из его картин, на которых индуистские божества были изображены совсем нетрадиционным образом, вызывали собой массу протестов и даже судебные иски. Весь этот спор со временем обострился ещё сильнее, и, в конце концов, Хусейн покинул Индию, последнюю часть своей жизни прожив в добровольном изгнании фактически абсолютным затворником.
8 место. Тайяб Мехта
Тайяб Мехта (годы жизни 1925-2009 [прожил 84 года]) – был хорошо известен своим самобытным художественным стилем, в котором частенько исследовались темы страданий, насилия и условий жизни человека. Он был важнейшей фигурой в индийском движении современного искусства, Тайяб прославился своими впечатляющими и эмоционально заряженными работами. Мехта родился в индийском штате Гуджарат, он обучался в Школе Искусств Джей Джея в Мумбаи, а затем продолжил обучение в Лондоне – столице Англии. Его ранние произведения находились под сильнейшим влиянием фигуративного стиля, но со временем он разработал свой собственный уникальный визуальный язык, прекрасно сочетающий в себе абстракцию с чувством боли и интенсивности.
Одной из самых знаковых серий Мехта является так называемая серия «Племенные Женщины», в которой он изображает борьбу и невзгоды женщин из различных племенных общин Индии. На всех этих полотнах женщины часто отображались сильными и стойкими даже перед лицом мощнейших бедствий. Пожалуй, Мехта наиболее известен своей серией творений под общим названием «Махишасура», в которой тщательно исследуется мифологическая история о демоне Махишасуре и богине Дурге. В данной серии художник использовал смелые, угловатые линии и яркие цвета, дабы передать напряжение и конфликт между двумя главными персонажами.
Однако значительное внимание привлекло именно его произведение искусства под названием «Празднование». Данная картина, характеризующаяся четырьмя фрагментированными фигурами и кроваво-красным задним фоном, стала ярким изображением насилия и трагедии раздела территории Индии, который происходил в 1947 году.