Дэвид Линч говорил, что внутри каждого человека есть «океан чистого вибрирующего сознания», который способен расширяться. Именно поэтому говорить об искусстве — всегда хорошая идея. Особенно с теми, кто его не понимает, потому что это шанс как для них, так и для ценителей узнать что-то новое и проанализировать свой прошлый опыт.
Чтобы не спугнуть собеседника и выстроить интересный диалог, читайте, как это делают эксперты нашего нового курса «Почему это ART?». Художники, кураторы и галеристы поделились своим опытом взаимодействия с разной аудиторией и рассказали, как вовлечь человека даже в «самое сложное» искусство.
Как начать разговор о современном искусстве с человеком, который считает его непонятным или глупым?
Анна Асатурова, искусствовед, продюсер цифровых проектов в сфере культуры:
Я бы предложила начать разговор с конкретного арт-объекта и задать вопрос: «А что ты думаешь об этой работе?». Важно дать человеку возможность сформулировать свое отношение к произведению, выразить свои мысли понятным языком. Это создает открытый диалог. В итоге собеседник может не согласиться с вашей точкой зрения, но у него уже появится первый опыт анализа искусства. А это — очень важный шаг.
Виктория Мизиано, арт-консультант, куратор
и культурный обозреватель:
Прежде чем начать разговор о современном искусстве с тем, кто считает его непонятным или глупым, я бы сначала убедилась, что человек в таком разговоре заинтересован. Если он идет на выставку, берет в руки книгу об искусстве или подключается к образовательному курсу — значит есть не только сопротивление, но и потребность разобраться.
В таком случае я бы попробовала задать вектор разговора, например, пригласила посмотреть удачный, с моей точки зрения, выставочный проект, рассказала немного о концепции и художниках, а потом попросила бы поделиться впечатлениями и эмоциях, которые человек испытал во время просмотра. Искусство не существует без зрителя, и я всегда напоминаю, прежде всего, неподготовленным людям, что они имеют право на собственное мнение.
Илья Слуцкин, галерист, коллекционер, партнер
арт-вселенной Yoomoota и учредитель галерей Stargift:
С перспективы галериста могу сказать, что в таком разговоре необходимо самому верить в идею и успех искусства, которое вы представляете. Знать его от и до — это вроде базовые, но очень значимые пункты для всех, кто является посредником между художником и зрителем с любым уровнем подготовки. Непонятного в широком смысле много во всех формах искусства, но оно всегда предлагает вступить в диалог.
И тут важно, что все, в том числе скептические, вопросы имеют место быть. Я всегда показываю, что искусство гораздо ближе к нам, чем кажется на первый взгляд. Рассказываю о контексте и сторителлинге, который заложил художник, делюсь собственными эмоциями. Порой личные ассоциации оказываются человеку ближе, вызывают эмоции и интерес. На примере проекта Yoomoota — это буквально вселенная о нас, где можно углубиться в наше физическое и психологическое устройство, а это уже понятно и близко любому. Подобные истории простым языком реально подсветить в разных видах искусства, избежав снобизма в общении с неподготовленным человеком.
Какую роль играет контекст при объяснении значения произведения искусства?
Анна Асатурова: Мое мнение: искусство не существует вне контекста. Личное восприятие, безусловно, важно, но без понимания исторического и культурного фона настоящая ценность работы художника останется нераскрытой. Без контекста оценка произведения рискует свестись к двухмерной плоскости: «нравится» или «не нравится». Это субъективный подход, зависящий только от личного опыта.
Андрей Сяйлев, скульптор, живописец, фото-
и видеохудожник, стрит-артист, куратор:
Дело в том, что произведение искусства и есть «носитель» контекста, подобно капсуле времени, оно регистрирует собой текущий момент. Но это не значит, что без знания контекста зритель не способен раскодировать и познать искусство. Например, знаменитые граффити из пещеры Труа-Фрер во Франции или фаюмские портреты — все они до сих пор воспринимаются очень современно.
И, на мой взгляд, это важный критерий для художника, который нужно учитывать, когда работаешь над чем-то. Как будет восприниматься зрителем то, что ты делаешь, через 50, 100, 500 лет…
Дарья Кузнецова, искусствовед, соосновательница галереи современного искусства Shift:
Он не всегда присутствует, но когда появляется, важно раскрыть этот контекст, обращаясь к произведениям искусства, которые также были им вдохновлены. Это поможет показать значимость процесса, повлиявшего на создание работы, его воздействие на общество и определенные группы людей.
Как объяснить значение концептуального искусства тем, кто привык оценивать произведения только визуально?
Александр Быковский, автор деловых СМИ, редактор телеграм-канала «Стрит-арт хранитель»:
Даже в случае с концептуальным произведением всегда есть внешняя форма, порой невзрачная или аскетичная, которая служит выражением идеи. Смысловая и визуальная составляющие в любом искусстве идут «рука об руку», поэтому и рассматривать их стоит как неразрывную связку.
Оценивая только одну из них, вы упускаете возможность взглянуть на произведение во всей его целостности. Это все равно, что судить о книге по обложке.
Петр Иванов, куратор, PR-специалист, программный директор Flor et Lavr Gallery:
Вовлекайте своего слушателя эмоционально. Тем, кому концептуальное искусство чуждо – также инородны и сложные концепции. Простыми словами и яркими образами легче всего донести смысл до неискушенного зрителя.
Андрей Сяйлев: Я бы не разделял интерпретацию художественного произведения на концептуальную и визуальную составляющие.
Для меня концептуальная составляющая искусства так же значима, как и визуальное воздействие произведения на зрителя, они усиливают друг друга. Это мое личное мнение, как художника. В качестве дополнения к своей позиции приведу цитату немецкого художника Улая «Эстетика без этики просто косметика».
Какими словами лучше всего описать эмоции и идеи, заложенные художником в произведение, чтобы они стали понятны неподготовленному зрителю?
Тарас Желтышев (Taras Yoom), мультидисциплинарный художник, создатель арт-вселенной Yoomoota:
Создавать истории, понятные на любом языке, — мой каждодневный процесс. Я выбрал форму альтернативной вселенной, где у любого персонажа есть своя планета, легенда, даже окружение и развитие в рамках общей истории. Как и в мире людей, есть сильные и слабые стороны, страхи, мечты и зоны для роста — это категории, понятные любому из нас.
Эти слова и ассоциации можно увидеть в любых произведениях, а эмоции, которые они вызывают, — это индивидуальный опыт, для которого не нужна подготовка. Мы любим истории о нас самих, и для меня самая понятная призма для описания искусства — показать в нем человека и аспекты жизни, где у каждого — свой путь.
Как реагировать на критику тех, кто считает, что любое произведение должно быть «красивым», а не провокационным или возможно «страшным»?
Анастасия Свиридова, искусствовед, арт-консультант, директор галереи К-35:
Думаю, что нужно также объяснять зрителю, что искусство постоянно претерпевает изменения. В этом и суть — в эволюции. Современное искусство «шагает в ногу со временем». Оно отражает происходящее и вместе с тем его формирует. В мире не бывает только хороших и красивых вещей. Он гораздо разнообразнее, чем просто быть черным или белым. И это множество оттенков происходящего находит отражение в современном искусстве.
Ксения Воскобойникова, художник, преподаватель в Новой Школе дизайна и искусства в Санкт-Петербурге:
Красота — категория субъективная, а искусство выходит за ее рамки. Оно создано для того, чтобы будить чувства, мысли, иногда даже дискомфорт. «Красота» может быть в гармонии формы, а «страшное» — в правде жизни, которую мы избегаем. Вместо попытки переубедить, я бы спросила: «что они чувствуют, глядя на это?» Ведь в эмоциях — главная цель искусства.
Григорий Корбасов, арт-консультант и эксперт современного искусства:
Искусство никому ничего не должно, в этом его главная сила. Но тема красоты в искусстве — одна из основных. Поэтому она стала предметом исследования как для искусствоведов (например, Николя Буррио), так и для философов (например, Теодора Адорно). Ссылаясь на последнего, можно сказать: разрушение гармонии в обществе приводит к тому, что искусство больше не может служить простым отражением идеализированной реальности без риска превратиться в китч.
Однако смена угла зрения способствует пониманию красоты (ссылаясь уже на Буррио), как качества отношений между произведением и его восприятием зрителем, иными словами, красота заключается не во внешнем виде, а в создании ситуации, которая вовлекает зрителя и вызывает у него глубокие эмоциональные или интеллектуальные переживания.
