XVII век – это время перемен в искусстве, особенно в живописи. Время барокко в искусстве. Одну из первых ролей в живописи стали играть свет, цвета, динамичная композиция. Это было время, когда стремились уйти от маньеризма, стремились передать красоту этого мира во всех деталях, как можно подробнее.
Одним из первых художников, кто стал работать в этом стиле был Микеланджело Меризи да Караваджо. Он считается настоящим реформатором в искусстве, тем, кто основал реализм, творчеству которого подражали во всём мире.
Караваджо родился в 1571 г. в семье архитектора Фермо Меризи в Милане. Когда ему было 5 лет, его отец умер и Караваджо вместе с матерью переехал в её родной город Караваджо [6, с. 178].
С 13 лет он учился в мастерской художника Симоне Петерцано, который относился к бергамасской школе живописи. От него он воспринял внимание к реальным событиям, которые не напыщенны [6, с. 179-180].
Среди его произведений этого времени можно выделить картину «Мальчик, чистящий фрукты». Датировка этой картины точно неизвестна, но исследователи творчества Караваджо относят её к раннему периоду творчества художника. Сама манера изображения, цвета, момент, который удалось уловить – всё это выдаёт Караваджо. Он отчётливо выделил фигуру мальчика на тёмном фоне, сумел хорошо передать его задумчивость, тот момент, когда он погружён в свои мысли. Всё это ещё более усиливает свет, который падает слева. Несмотря на то, что это ранняя работа художника уже видны его отличительные черты, по которым в будущем будут узнавать его картины.
Караваджо с ранних лет был известен своим взрывным характером, из-за которого часто попадал в неприятные ситуации. Он был вспыльчив и часто попадал в тюрьму из-за драк, оскорблений и т.п. Одна из таких ситуаций вынудила его в 1791 г. бежать в Рим [6, с.180].
Именно в Риме он сложился полностью как художник и приобрёл свою известность. Здесь он первое время работал в мастерской художника Дж. Чезари. Затем торговец картинами Валентино познакомил Караваджо с кардиналом Франческо Мария дель Монте. Последний стал его покровителем и помогал получать заказы со всего Рима [1].
К этому периоду творчества художника относится картина «Корзина с фруктами». Это натюрморт, который в те времена считался практически бесполезным в том смысле, что он не мог передать эмоции, какое-то событие и т.д., а лишь показывал окружающие нас вещи. Но Караваджо даже в «незначительной» натюрморт сумел вложить глубокий смысл: фрукты показаны неидеально, а с гнильцой, повреждёнными листьями, они уже увядают. Этим автор хотел сказать то, что всё в нашей жизни не вечно и не идеально.
Картины Караваджо этого периода несут скрытый смысл, часто непонятный нам сегодня. Многие его работы написаны в т.н. «авантюрном жанре». Примером может служить картина «Гадалка». На ней изображены молодой человек и гадалка, которая якобы предсказывает ему судьбу. Самовлюблённый юноша смотрит в лицо гадалке и даже не подозревает, что она поглаживая его руку ловко снимает с его пальца кольцо. В этой картине автор как бы насмехается над богатым простаком. У Караваджо есть множество картин на подобную тематику: «Шулера», «Игроки в шахматы».
Уже в это время он пишет картины на религиозную тематику, но и здесь он не отходит от своего стиля: всё изображено реалистично, все переживания, мысли главных героев автор легко и понятно доносит до зрителя. Примером может служить картина «Отдых на пути в Египет». На первый взгляд изображены простые люди, которые устали во время долгого путешествия и лишь ангел выдаёт их. Иосиф изображён как старик, который держит ноты для ангела, Дева Мария и Христос расположились справа от Иосифа. От них не исходит божественное сияние, как мы привыкли видеть в работах других художников, наоборот Караваджо изобразил их как можно ближе к простым людям. Таким образом, даже в картинах подобного плана он остаётся верен себе и помогает нам взглянуть на все эти события под другим углом, он помогает нам более глубоко прочувствовать весь драматизм ситуации, ведь изображая святых как простых людей, он сближает нас.
Всё это лишь популяризирует Караваджо, о чём может свидетельствовать крупный заказ для церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези в Риме. Картины были посвящены Св. Матфею. Стоит отметить, что не все его работы для данной церкви были приняты сразу, некоторые из них были отправлены на доработку. Примером может служить работа «Святой Матфей и ангел», первый вариант которой был отвергнут (на утрачен на сегодняшний день), но второй всё-таки одобрили. На нём Караваджо запечатлел момент, когда Св. Матфею что-то диктует ангел, а тот в свою очередь это старательно записывает. Обе фигуры изображены очень реалистично, они чётко выделяются на темном фоне.
Вскоре Караваджо пришлось бежать из Рима в Неаполь, из-за совершённого им убийства. Из Неаполя он отправляется на Мальту, где вступает в Мальтийский рыцарский орден, но вскоре попадает в тюрьму из-за ссоры с одним из главных членов ордена. Из тюрьмы он бежит на Сицилию, откуда решает вернуться в Рим, но по дороге в Вечный город он умирает. Но даже во время этих четырёхлетних скитаний он продолжает работать и восхищать своим творчеством [6, с. 181].
Караваджо черпал идеи для своих работ в окружающем его мире, что особенно ярко бросается в глаза, как ни странно, в картинах на религиозную тематику. Благодаря резкой светотени, смелым мазкам, хорошему чувству цвета Караваджо мог передать динамизм, напряжённость, глубокий смысл через образы на картине.
Караваджо не имел учеников, но своим талантом он сумел привлечь многих и, таким образом, у него было множество последователей по всему миру. Среди последователей Караваджо такие художники как О. и А. Джентилески, Б. Манфреди; представители «утрехтской» школы: Х. Тербрюгген, Д. ван Бабюрен, Г. ван Хонтхорст; Валантен, Ж. де Ла-тур, бр. Ленен; Х. де Рибера, Ф. Сурбаран, Д. Веласкес (в ранний период) и др.
В XIX в. возникло понятие «Караваджизм», под которым понимается направление в живописи, сформированное под влиянием творчества Караваджо. Это направление впитало в себя основные черты творчества Караваджо: интерес к бытовым сюжетам и типажам, трактовка религиозного сюжета как жизненного события, активное использование светотени для передачи эмоционального состояния героев картины [2, с. 215].
Начнём с итальянских последователей Караваджо: О. и А. Джентилески, Б. Манфреди.
Джентилески родился в начале 1560-х гг. в семье ювелира. В 1580 г. он переезжает в Рим, где живёт и учится у своего дяди, фамилию которого он, в последствии, взял [6, с. 182].
В его ранних работах чувствуется влияние маньеризма, но с начала 1600-х гг. он попал под влияние караваджизма. Он был лично знаком с Караваджо: они впервые встретились ещё в 1590-х гг.
В 1621 г. Орацио переезжает в Геную, но через 3 года он уезжает во Францию, куда его пригласила сама Мария Медичи. Через 2 года, в 1626 г., он прибывает ко двору Карла I. В Великобритании он стал любимым художником Генриетты-Марии. Там он живёт до самой своей смерти в 1639 г. [1].
Орацио Джентилески писал картины на различные темы. Среди них можно выделить работу «Даная» (1621 г.), посвящённая древнегреческому мифу о Данае и Зевсе. На полотне запечатлён момент, когда на юную девушку проливается золотой дождь, который её и оплодотворит. Здесь уже прослеживается влияние Караваджо: тёмный фон, на котором ярко выделяется Даная, реалистичная передача облика героини, её окружения и т.д.
Среди картин на бытовую тематику можно выделить работу «Две женщины с зеркалом» (1620 г.). Две женщины будто обсуждаю то, что они увидели в зеркале: одна из них указывает на что-то пальцем, а вторая прислушивается к ней. На коричневом фоне они прекрасно выделяются, тщательно проработаны цвет, фактура ткани, румянец на щеках женщин – всё изображено с высокой степенью реализма. Мы как будто слышим о чём разговаривают обе женщины, мы будто нечаянные свидетели этого действия.
Картина на религиозную тему «Отдых на пути в Египет» (1626 г.). Здесь на фоне каменной стены и неба расположилось Святое семейство. Иосиф после долгой дороги уснул, а Мария кормит младенца грудью. Они изображены как обычные люди, ничто не выдаёт их особого предназначения. Их фигуры ярко выделяются на тёмном фоне неба и стены, цвета одежды и окружающих их вещей естественные. Такими образами святых, автор делает эту историю более понятной для зрителя. Он хорошо передал усталость главных героев, напряжение данного момента.
Как видим Орацио Джентилески был достойным продолжителем дела Караваджо, об этом так же говорит и тот факт, что он пользовался популярность при королевских домах Европы.
Его дочь, Артемизия, унаследовала талант отца и, как результат, стала одним из востребованных художников своего времени. Она стала первой женщиной, которую приняли в флорентийскую Академию искусства. Она много помогала отца и даже отправилась в Англию, где работала вместе с отцом при дворе Карла I.
В юном возрасте она подверглась насилию со стороны друга отца и психологическая травма, нанесённая ей, затем прослеживалась в её творчестве [1].
Среди её работ стоит выделить картину «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» (1611-1612 гг.). Артемизия передала сам момент убийства, в то время как многие художники, писавшие картину на эту тему, изображали либо приготовление к убийству, либо уже свершившееся деяние. Фигуры выступающие в полумраке буквально пропитаны напряжением. Лицо уже мёртвого Олоферна застыло с выражением ужаса, боли, удивления, на лицах же Юдифь и её служанки отвращение и желание поскорее закончить всё это. Артемизия изобразила очень достоверно момент убийства: брызги крови, неестественное положение тела Олоферна, напряжение в руках женщин – в этом и прослеживается влияние Караваджо.
Её картина «Клеопатра» (ок. 1633-1635 гг.) изображает уже мёртвую Клеопатру, тело которой оплакивают её служанки. Тело Клеопатры выделяется на тёмном фоне, корона упавшая с её головы символизирует её потерянную власть как над государством, так и над собственной жизнью, а рядом с ней лежит маленькая змейка, при помощи яда которой и отравилась знаменитая царица. Артемизия и здесь смогла передать момент смерти, мучений и страданий сильной женщины, на плечи которой легла нелёгкая ноша. Светотень, яркость красок, реалистичное изображение только помогают передать драматизм произошедшего.
Артемизия писала картины и на религиозную тематику, например «Мадонна с младенцем и чётками» (ок. 1650-1651 гг.). Здесь Мадонна, держа на коленях младенца, забавляет его чётками. Они изображены совсем как обыкновенные мать и дитя, лишь нимб над Мадонной и свечение над головой Иисуса выдаёт их. Всё в этой картине изображено жизнерадостно: яркие цвета, улыбка на устах младенца, любовь и забота со стороны Марии.
Как видим, творчество Артемизии так же ощутило влияние Караваджо. Она прекрасно умела передать настроение картины, вызвать интерес к ней со стороны зрителя. Её талант в купе с реализмом давал потрясающее результаты.
Среди итальянских последователей Караваджо стоит выделить и Бартоломео Манфреди, который некоторое время работал с самим Караваджо. Он оставил после себя множество работ на светские темы, так как у него было множество заказов именно подобного плана. Он так же был знаменит и за пределами Италии о чём свидетельствует тот факт, что среди его заказчиков были кардинал Мазарини, Бэкингэм, Леопольд-Вильгельм. Так же его заслуга состоит и в том, что он распространял стиль Караваджо далеко за пределы Италии: во Францию, Нидерланды [4, с. 53].
Его картина «Бахус и пьяница» (1600-1610 гг.), изображает, выступающих из полумрака, божество и пьяницу. Первый, насмехаясь, дразнит пьяницу кистью винограда, в то время как второй готовится выпить из бокала вино. Манера написания картины выдаёт караваджизм. Это картина как насмешка над одним из пороков людей, с которым они не могут бороться.
Другая его работа «Караульная», изображает солдат, которые отдыхают после службы. Каждый из них занят чем-то своим: кто-то играет в карты, другие наблюдают за этой играй, а кто-то разговаривает и чём-то серьёзном, судя по выражению их лиц. Фоном служит тёмная коричневая стена, с помощью которой фигуры людей отчётливо видны на переднем плане. Художник тщательно прорисовал лицо каждого, что позволило уловить настроение солдат, понять их характер. Цвета картины не тёмные, но они приглушены, свет очень мягкий – всё это придаёт работе некую уединённость и даже уют, зритель может почувствовать себя одним целым с этой картиной.
Были у Манфреди работы и на религиозную тематику, например картина «Христос появляется пред матерью после смерти». Тона картины тяжёлые, темные, что только усиливает её эмоциональное воздействие. Мы видим Христа, фигура которого сразу же бросается в глаза, а затем взгляд переходит на Марию. Она изображена в изношенной одежде, на её лице отпечатались горе и страдания, но в тоже время мы видим, что лицо проясняется, ведь она увидела своего сына. Мария простирает руки к Христу, он, в свою очередь, делает тоже. Манфреди изобразил Марию и Христа как простых мать и сына, которые после долгой и тяжёлой разлуки рады, наконец, встретится.
Как видим, Манфреди многому научился у Караваджо. Он умело использовал различные приёмы в живописи, чтобы передать смысл картины и у него хорошо это получалось.
Теперь перейдём к голландским последователям Караваджо: Х. Тербрюгген, Д. ван Бабюрен, Г. ван Хонтхорст. Все они относятся к «утрехтской школе», которая следовала принципам Караваджо в искусстве, а так же имела связи с Римом, так как Утрехт был католическим городом.
Начнём с Хендрика Тербрюггена. Родился он примерно в 1588 г. предположительно в Гааге. Начал своё обучение живописи в Гааге, с 1602 г., после переезда его семьи в Утрехт, продолжил там обучение. Через несколько лет он отправился в Рим, где познакомился с Караваджо и Рубенсом. После своего небольшого путешествия (он побывал ещё в Милане, Швейцарии) Тербрюгге стал изучал творчество Караваджо и его последователей, что затем повлияло на его творчество. Большинство его работ были небольшого размера и на светские темы. Умер он во время эпидемии чумы в 1629 г. Стоит отметить, что творчество очень ценили такие мастера как Рембрандт и Рубенс [1].
Одной из его интереснейших работ является картина «Флейтист» (1624 г.). Интересно то, что мы видим лишь профиль молодого человека на фоне его тёмно-бордовой шляпы. Возможно, художник хотел передать таким образом чувство слуха или музыку. Здесь влияние Караваджо проявилось в построении композиции и использовании светотени. Сама по себе картины не тёмная, но цвета приглушённые, что несколько умиротворяет зрителя и даёт погрузится ему в размышления, например, о той же музыке.
Ещё одной работой Тербрюггена является картина «Мальчик с трубкой» (1623 г.). Цвета здесь так же мягкие, коричневого оттенка и лишь немного выделяется красная накидка малька. Сам мальчик изображён в профиль, в одной его руке трубка, а другой он держит свечу от которой прикуривает. Свет от свечи полностью освещает лицо мальчишки. Здесь так же ярко прослеживается влияние творчества Караваджо: полумрак, маленький источник света, реализм исполнения.
Картина «Ужин», показывает нам вечер простой семьи, когда все её члены собрались за столом, чтобы поесть. Источником света является свеча, стоящая в середине стола, в остальном вся картина погружена в полумрак. Мы видим мужчину, который что-то внимательно рассматривает на столе, рядом с ним его жена, подающая на стол, напротив, по всей видимости, их сыновья, а рядом с ними собака. Цвета всё те же, что и в предыдущих работах. Здесь уже в самом сюжете виден след Караваджо: интерес к простой жизни и его реалистичная передача.
Теперь перейдём к творчеству Дирка ван Бабюрена. Он родился ок. 1595 г. недалеко от Утрехта. Вскоре его семья перебралась в Утрехт. Там он учился у Паулюса Мореелсе.
В 1612 г. он переезжает в Рим, где живёт и работает 8 лет. Там он знакомится с Караваджо и проникается его творчеством. Особенно выдаёт влияние Караваджо освещение композиции картины и простонародность персонажей.
Вскоре он возвращается в Утрехт, где открывает свою мастерскую. В этот период его творчества преобладают работы на жанровые сюжеты, в то время как итальянский период его творчества был богат на религиозную тематику.
Умер ван Бабюрен в 1624 г. [4, с. 153].
Одной из его работ, ещё итальянского периода, является картина «Святой Франциск» (1618 г.). На не изображён основатель ордена францисканцев, монах, который был возведён в лик святых – Франциск. Его можно узнать по простой одежде, так как он придерживался аскетичного образа жизни. Художник запечатлел момент молитвы. Череп в руке Франциска может означать скоротечность этой жизни, временность и бренность всего в этом мире. Фигура монаха хорошо освещена и ясно выделяется на темном фоне. Влияние Караваджо заметно здесь в освещённости картины и манере изображения Франциска: нет нимба и стигматов, мы видим лишь человека, который предан вере.
Картина «Сводня» (1622 г.) относится уже к голландскому периоду творчества ван Бабюрена. Уже сам сюжет данной работы выдаёт след Караваджо. На картине изображены молодая женщина с лютней, которая в те времена часто служила признаком согласия, её приобнимает мужчина с монетой в руке, а справа от них страху, которая, по-видимому, требует деньги за услуги девушки. Мастер использовал яркие краски, освещение падает слева, хотя нельзя сказать, что в картине есть полумрак.
Были у ван Бабюрена картины и на мифологические сюжеты. Примером может служить картина «Вулкан, сковывающий цепями Прометея». Из полумрака кузницы Вулкана чётко выступают фигуры Прометея, самого Вулкана и Гермеса. Художник запечатлел момент наказания Прометея за то, что он даровал людям огонь. Прометей раскрыл рот в ужасе от своей участи, а Гермес посмеивается над ним, в то время как Вулкан с серьёзным лицом приковывает Прометея цепями. Здесь Олимпийские боги изображены как простые люди. Их чувства, тела, реакция на происходящие – всё это можно увидеть в простой жизни.
Несомненно, Дирк ван Бабюрен был талантлив как художник и оставил после себя прекрасные работы, но влияние Караваджо вывело их на новый, более совершенный уровень.
Ещё одним последователем Караваджо был Геррит ван Хонтхорст. Он родился в 1590 г. в семье художника в г. Утрехт. Там же он начал своё обучение у Авраама Блумарта. Через некоторое время он переезжает в Италию и довольно продолжительное время живёт и работает там. Именно здесь, в Италии, он познакомился с творчеством Караваджо и проникся им. В 1620-х гг. он вернулся в Утрехт.
Особенно ему удавалось создавать картины, действие которых происходит ночью, за что он получил прозвище ночной Герард. Так же он был известен своей способностью виртуозно менять технику написания картины. Он был довольно популярным художником своего времени: работал на Карла I, Вильгельма II Оранского и др.
Умер художник в 1656 г.
Перейдём к работам ван Хонтхорста. Его картина «Самсон и Далила» (1615 г.)ярко демонстрирует нам умение ван Хонтхорста передавать ночные сцены. Мы видим три фигуры, освещённые свечой: спящий на коленях Далилы Самсон, сама Далила, которая отрезает прядь волос Самсона тем самым лишая его силы и служанку Далилы, которая держит свечу. Картина буквально переполнена напряжением, которое больше всего исходит от служанки, следящей, чтобы никто не увидел происходящего. Сама Далила относительно спокойна и сосредоточена на своём деле. Контрастность изображения, натурализация персонажей – выдаёт влияние Караваджо [1].
Среди его картин на религиозную тематику можно выделить работу «Детство Христа» (1620 г.). Действие картины происходит веером или ночью в мастерской Св. Иосифа, который что-то мастерит, а маленький Христос помогает ему, освещая ему рабочую поверхность свечой. Справа видны фигуры двух детей. Художник изобразил их как простых людей и только нимб над головой Иосифа выдаёт их. Ван Хонтхорст использует здесь мягкие, приглушённые цвета, лишь красное одеяние Христа сразу же бросается в глаза.
Ван Хонтхорст был знаменит и своими портретами. Примером может служит «Портрет Уильяма, графа Крейвен» (1642 г.) Здесь мы видим мужчину богато одетого, который выглядит мужественно и самоуверенно, интересно, что его голова повернута влево и он не смотрит на зрителя, он будто бы задумался о чём-то. Позади него развалены и могучее дерево, как и он сам, а чуть дольше поле и тёмное небо, которое вот-вот рассеется. В целом картина внушает нам уважение к изображённому на ней человеку и, даже, некий трепет перед ним – сразу видно, что это сильный мира сего.
Теперь перейдём к французским представителям караваджизма: Валантен, Ж. де Латур, бр. Ленен. Они оставили значительный след не только во французской, но и в мировой живописи в целом. Их ещё называют «живописцами реальности», так как у них жанровые композиции, множество бытовых мотивов, неидеализированный пейзаж.
Начнём с Валантена, полное имя которго Валантен де Булонь. Он родился в 1591 г. в Куломье. Он учился у своего отца, а примерно с 20-и лет жил в Риме с его другом и художником Н. Пуссеном, где и познакомился с творчеством Караваджо. Круг его работ разнообразен: от религиозных сюжетов до бытовых. Он многое перенял от Караваджо, но при этом его композиции были более сдержанны. Стоит отметить, что итальянцы признают Валантена как одного из лучших последователей Караваджо [1, 4, с. 211].
Умер Валантен в возрасте 41 года.
Картина «Плут» (1620 г.) содержит в себе многое от творчества Караваджо – сам сюжет картины говорит нам об этом. Валантен изобразил игру в карты, а именно момент, когда один из мальчишек помогает выиграть другому, подсказывая карты соперника. Обманутый хорошо одетый юноша ничего не подозревая думает над своим ходом (автор замечательно передал его задумчивость и сосредоточенность). Видно, что ему уже давали выигрывать: монеты рядом с ним, что бы он клюнул на уловку обманщиков. Фигуры мальчиков отчётливо видны на тёмном фоне, свет идёт с левой стороны снизу. Оттенки Валантен использовал естественные, приглушённые.
Следующая работа художника уже на религиозную тему – «Христос, изгоняющий торгующих из храма» (ок. 1620-1622 гг.). На этой картине нам сразу же бросается в глаза фигура Христа, который ломает стол одного из торговцев. Особый интерес вызывает то, как автор изобразил эмоции персонажей. На лице Христа нет ярости или злобы, скорее мы видим усталость, эмоции торговцев же разнообразны: кто-то в ужасе, кто-то просто удивлён, некоторые даже с интересом наблюдают, а что же будет дальше, но у всех присутствует некая сдержанность – характерная черта для работ Валантена. Оттенки здесь всё те же приглушённые, всё фигуры помещены в полумрак, лица некоторых освещены и только фигура Христа полностью освещена. Так же автор всех действующих лиц изобразил в современной ему одежде, кроме Христа.
Ещё одна из его работ – «Юдифь и Олоферн» (ок. 1626 г.). Построение композиции этой картины напоминает композицию картины на эту же тем у Артемизии Джентилески. Автор запечатлел сам момент убийства Олоферна: Юдифь, держась за волосы Олоферна, отрезает ему голову. Выражение лица у Юдифь спокойное, даже служанка за её спиной смотрит на это без особых эмоций, в то время как на лице Олоферна застыла боль и страдания, а из его шеи брызжет кровь. Валантен не хуже Артемизии уловил момент сметри Олоферна и смог передать его очень достоверно.
Как видим, Валантен перенял многое от творчества Караваджо, но при этом, он смог сохранить свою индивидуальность.
Ещё один французский последователь Караваджо – Жорж де Латур. Он родился в 1593 г. в семье булочника. О его обучении сведения скупы и противоречивы, но точно известно то, что с творчеством Караваджо он познакомился благодаря нидерландским художникам. Так же он прославился своими ночными стенами [1].
Ж. де Латур некоторое время жил и работал в Люневиле, затем переехал в Нанси, бывал в Париже, там с его работами познакомился Людовик XII, на которого они произвели большое впечатление.
Большинство его работ на жанровые темы были написаны в ранний период его творчества, уже, когда он достиг зрелости, картины, в основном, были посвящены религиозной тематике.
Умер Жорж де Латур в 1653 г. [4, с. 189-190]
Его картина «Игроки в кости» хорошо показывает умение да Летура играть со светом. Здесь источник света – свеча – закрыт одним из молодых людей, который уже бросил кости. Автор запечатлел четырёх игроков, которые стоят за столом, а слева от них стоит пожилой мужчина с трубкой. Мы видим по форме, в которые одеты мужчины, что они солдаты. Манера изображения людей выдает голландское влияние на де Летура. В остальном же прослеживаются черты караваджизма.
Интересна его картина «Едоки гороха» (1620-25 гг.). На ней изображены простые старики, которые, собственно, едят горох. Де Латур детально передал их лица, с портретной точность, он так же связал зрителя с картиной: старуха, беря в рот горох, смотрит на зрителя. Поскольку художник видел много людей, которым пришлось нелегко в жизни он смог отлично передать настроение этих людей.
Его картина «Шулер» (1635 г.) близка по тематике к картинам Караваджо. Молодые люди развлекают себя игрой в карты, женщина за столом возможно проститутка. Молодой человек слева и есть шулер: у него за поясом припрятаны карты. Женщины, переглядывающееся между собой, как-будто догадываются об этом, а возможно они втроём в сговоре. Здесь так же видно влияние голландских художников особенно в изображении женщин. Здесь возможна показана притча о блудном сыне.
Как видим, де Латур интересовался жизнью простых людей и мог её мастерски передать без прикрас. Творчество этого художника интересно ещё и потому, что в нём переплелись элементы различных художественных школ.
Братья Ленен: Антуан, Луи, Матьё являются ещё одними представителями караваджизма во Франции. Они родились в провинции в семье сержанта и прожили там достаточно долго и это затем повлияло на их творчество: интерес к изображению жизни простого народа. Антуан, старший из братьев, родился в 1588 г., Луи в 1593 г., а Матьё в 1607 г. Точно неизвестно кто обучал их живописи, но в их творчестве прослеживается и голландское влияние. В 1629 г. они перебираются в Париж, где в предместье Сен-Жермер открывают свою мастерскую, которую возглавляет Антуан. Они работали вместе и это, на сегодняшний день, вызывают проблему атрибутики их творчества. Но предполагается, что Антуан больше писал портреты, Луи картины на крестьянскую тематику, Матьё писал картины на различные темы. Старшие братья в 1648 г. были приняты в Королевскую академию живописи и скульптуры, но вскоре они умерли. Но младший брать Матьё продолжил их дело и стал по-настоящему знаменит. Среди его заказчиков были богатые люди Франции. Умер Матьё в 1677 г. [3].
Авторство картины «Музыкальное собрание» (ок.1642 г.) приписывают Антуану. Здесь мы видим богато одетых людей, которые слушают игру на лютне, а слева стоит маленькая девочка и она, в отличие ото всех изображена в простой одежде. Практически все они смотрят на зрителя, что создаёт контакт последнего с картиной. Люди изображены с портретной точностью в манере, напоминающей манеру голландских художников. В остальном здесь множество черт от караваджизма: светотень, композиция картины и др.
Картина «Посещение бабушки» приписывается Луи. Здесь в самом сюжете прослеживается влияние Караваджо, но манера изображения комнаты, людей показывает и голландское влияние на творчество художника. Здесь изображены простые люди, которые пришли в гости. Мальчик играет на дудочке, развлекая всех вокруг. Автор решил показать часть жизни простых крестьян как она есть.
Картина же «Картёжники» приписывается Матьё, младшему из братьев. Уже сам сюжет является классическим для творчества Караваджо. Здесь так же представлены простые мужчины, которые собрались где-то в кабаке. На тёмном фоне достаточно хорошо выделяются фигуры трёх мужчин, которые сидят за столом и играют в карты. Здесь буквально всё: сюжет, манера изображения отсылает нас к творчеству Караваджо.
К сожалению, творчество братьев Ленен было забыто вскоре после смерти младшего из них, но о нём все-таки вспомнили, по прошествии многих лет, и оно снова стало популярно, что говорит о несомненном таланте братьев.
Теперь перейдём к испанским последователям Караваджо. Самые яркие из них – Х. де Рибера, Ф. Сурбаран, Д. Веласкес. У них был разный творческий путь, но их объединил интерес к творчеству Караваджо и то, что они продолжили его дело в своих картинах.
Хусепе де Рибера родился в 1591 г. в Валенсии в семье сапожника. Вероятно, он учился у Ф. Рибальты. В начале 1610-х гг. он уезжает в Италию, где продолжает своё образование знакомясь с творчеством знаменитых мастеров и параллельно работая. Так же он работал и с утрехтскими караваджистами. С 1616 г. он обосновывается в Неаполе, где его карьера начинает идти в гору [1].
Особенно ярко черты караваджизма проявляются в его раннем творчестве: острый натурализм, драматизм образов, резкие светотеневые контрасты, точный рисунок. Но затем, примерно с 1630-х гг., на его творчество всё большее влияние оказывает академизм братьев Карраччи и он отходит от караваджизма. К этому времени он пишет в основном картины на религиозную тематику, в отличии от своего раннего творчества, где преобладали жанровые сюжеты [5, с. 110] .
Умер де Рибера в 1652 г.
Картина «Ощущение вкуса» (1613-1616 гг.) ярко демонстрирует нам влияние караваджизма на творчество художника. Здесь показан крестьянин за обедом. Он сидит за столом, готовясь выпить вина. Автор включил в картины маленький натюрморт: миска с едой, кулёк оливок, булочка. Свет падает с левой стороны сверху и хорошо освещает крестьянина. Всё это взято от Караваджо. Автор показал просто момент из жизни простого человека.
Интересна его картина на религиозную тематику «Святой Андрей» (1616-1618 гг.). Автор отошёл от каноничного изображения святых: мы видим просто пожилого мужчину, который о чём-то задумался, при этом он смотрит на зрителя – это очень интересный способ его показа, явно прослеживается влияние караваджизма так же и в светотени, палитре красок. При этом автор изобразил атрибуты святого – косой крест (символ его мученической казни), рыбку в левой руке, так как он был рыбаком что и позволяет понять нам кто изображён на картине.
Ещё одна его картина «Архимед» (1630 г.) интересна тем, что она практически полностью темная и лишь некоторые, самые значимые, элементы её выделены – лицо Архимеда, его руки и записи. Этим автор сделал акцент на главном – мыслях античного учёного и его трудах и результатах.
Теперь перейдём к Франсиско Сурбарану. Он родился в крестьянской семье в 1598 г. Учился художественному мастерству в Севилье у местного художника. Он никогда не покидал пределы Испании, но в его творчестве, особенно периода 1630-40-х гг., много черт караваджизма, от которых он позднее станет отходить. О его жизни мало что известно. Большинство заказов он получал от монастырей, так же он работал и на королевский двор. Часто ему поступали заказы из Нового света, что говорит о его популярности как художника [5, с. 111].
Умер Сурбаран в возрасте 65 лет.
Картина «Чаша воды и роза серебреном блюде» (1630 г.) относится к периоду расцвета творчества Сурбарана. Здесь виден интерес художника к простым вещам, а так же его талант в умении передать окружающую нас красоту, которая проявляется в простом. Он хорошо изобразил предметы на столе, но лучше всего, по-моему мнению, ему удалась роза и её отражение в блюде. В то время натюрморт считался не самым достойным жанром, но ведь это достаточно сложно изобразить достоверно всё то что окружает нас в повседности, а Сурбаран смог это сделать.
Интересна его картина «Детство Девы» (1658-1660 гг.). Здесь мы не видим Деву Марию с Христом на руках, здесь она сома ещё ребёнок. Сурбаран изобразил её сидящей на стульчике, руки е сложены в молитве, а взгляд одухотворён. Над её головой нет нимба, но она как бы подсвечена. Здесь следы караваджизма в композиции, в натурализации образа, в манере исполнения.
Сурбаран писал так же и портреты и один из них – «Портрет герцога Мединачели». Перед нами престаёт мальчик в богатой одежде и со шпагой. Хоть Сурбаран и писал портрет ребёнка, но он смог передать черты настоящего мужчины. Мы видим, что мальчик уверен в себе, он смел и знает чего хочет. Фон для портрета выбран достаточно простой – тёмная стена и красная портьера.
Картины Сурбарана разнообразны, но во всех видно желание передачи реального момента, эмоции, настоящей жизни, что и связывает художника с караваджизмом.
Теперь перейдём к творчеству Диего Веласкеса. Он родился в 1599 г. в Севилье. Диего Веласкес учился у Эрреры Старшего и Пачеко. Уже тогда он начинает писать картины в основном в жанре «бодегонес» - сцены из жизни простых людей. В 24 года он переезжает в Мадрид, где вскоре становится королевским живописцем с правом писать портреты короля, его семьи и придворных. Так же он изучает королевскую коллекцию живописи и, таким образом, совершенствует своё мастерство. В 1629 г. по поручению короля он отправляется в Италию на 2 года, после возвращения, из которой он обогатился как художник.
Веласкес вскоре делает карьеру при королевском дворе и становится очень востребованным художников, слава о котором вышла далеко за пределы Испании [5,с. 113].
Одна из ранних его работ – картина «Голова мужчины» (1616 г.). Здесь мы видим голову мужчины, изображённую в профиль. На его лице застало удивление от чего-то. Художник детально прорисовал лицо, не упустив не одной черты лица. Свет падает прямо на лицо мужчины, что лишний раз акцентирует внимание на нём. Эта картина не несёт никакой смысловой нагрузки, просто Веласкес интересовался работами на подобную тематику.
Ещё одна его интересная картина «Голова оленя» (1626-1627 гг.). То, что на этой картине просто изображен олень, уже выделяет её на фоне работ других художников, ведь мало кто в те времена писал подобные картины. Здесь на фоне ясного неба мы видим оленя, который смотрит на нас. Эта картина производит неизгладимое впечатление, Веласкес смог связать зрителя с миром природы.
Веласкес был известен своими портретами, так как мог блестяще передать характер человека. Примером может служить портрет инфанты Доны Марии, королевы Венгрии. Мы видим молодую, хорошо одетую девушку, которая смотрит как-будто с усмешкой. Не смотря на то, что это официальный портрет мы чувствует жизнь, радость и молодость, которые есть в этой девушке.
Веласкес своим творчеством не только заработал себе имя, но и прославил Испанию.
Караваджо был талантливым художником, имя которого известно до сих пор. Но он прославился не только этим, вернее его прославили не только его работы, но и его последователи. Его талант проявился и в том, что его полюбили, его дело решили продолжить, чтобы показать людям красоту реальности. Выше перечисленные художники – это далеко не полный список последователей этого великого художника. Наверное, именно это доказывает величину его таланта как мастера. Под влиянием его творчества создавались целые направления в живописи разных стран, его имя никогда не покидало умы людей, его картины снова и снова заставляли задумываться – это значит, что он умел донести до зрителя, то главное, что есть в мире.
Список использованных источников
1. Большая российская энциклопедия [электронный ресурс]. Москва, 2005. – Режим доступа : https://bigenc.ru. – Дата доступа : 15.11.2017.
2. Борко, Т.И. Мировая культура и искусство: учебное пособие / Т.И. Борко. – 2-е изд. – Тюмень : издательство тюменского государственного университета, 2011. – 348 с.
3. Булгакова, А. Живопись братьев Ленен. Проблемы авторской атрибуции полотен из Большого собрания изящных искусств ASG / А. Булгакова // Мир искусств. – 2013. – № 3. – С. 150-153.
4. Всеобщая история искусств : в 6 т. / редкол.: Р.Б. Климов (гл. ред.) [ и др.]. – Москва : Искусство, 1956–1966. – Т. 4 : Искусство 17-18 вв. / Ю.Д. Колпинский [и др.]. – 1963. – 500 с.
5. Ильина, Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство / Т.В. Ильина. – Москва : Высшая школа, 2000. – 368 с.
6. Котельникова, Т.М. Вся история искусства. Живопись, архитектура, скульптура, декоративное искусство / пер. с ит. Котельниковой. – Москва : Астрель: АСІ, 2007. – 414 с.
