Довольно часто мы выходим с выставки современного искусства с противоречивыми чувствами и испытываем недоумение. Задаемся вопросами, глядя на очередной экспонат: будь то разрез на холсте Лучо Фонтана или палитру Марка Ротко. Можно ли назвать это искусством, ведь любой может сделать разрез лезвием на бумаге или заполнить холст одной краской? Зачастую мы идем к экспертам, т.к. самостоятельно не в силах разобраться и отличить искусство от китча. Знакомо? В статье мы попытаемся проанализировать, что такое современное искусство, причины его возникновения.
Философия искусства менялась с течением времени. Античность видела в искусстве божественное начало. Гераклит впервые выразил суть искусства в мимесисе (подражании). Аристотель делил искусства на подражающие природе и созидающие новое в дополнение к природным вещам. Он же определил необходимость катарсиса в искусстве. Плотин увидел значение искусства в созидании прекрасного, в стремлении человека к гармоничному абсолютному миру. Гегель выдвинул важнейшую категорию искусства - идеал (прекрасное), а Кант - функцию прозрения.
К 20 в. при разности подходов в европейской культуре сформировалось единое семантическое поле термина "искусство" - творение человека, выполненное по принципу подражания объективно существующей реальности (духовной, божественной, материальной, природной, социальной, психологической и др.) и представленное в художественных образах.
Во второй половине 20 в – 21 в. произошло смещение акцентов. Важен стал контекст, идея произведения искусства. Эстетическая и познавательная функции утратили свое первостепенное значение. Утеряно понятие гениальности. На его место выходит зависимость художника от арт-дилеров, которые формируют рынок, но не прививают вкус, не анализируют сущность и ценность произведения.
Новое толкование искусства дает нам возможность считать «Дерьмо художника» Пьеро Мандзони произведением искусства, равно как «Сикстинскую Мадонну» Рафаэля, под девизом «художник так видит». Все, что подарил нам 20-21 век, будь то «разрезы в холсте», «черные квадраты», «супы Кэмпбелл», «незаправленные постели», экспонат Пьеро Мандзони – результат творческой деятельности, передающий идею нетрадиционными средствами. Это современные произведения искусства, хотелось бы нам того или нет. Попытаемся разобраться, почему искусство стало примитивным, технически бедным, мимолетным, порой нелицеприятным. Какие внешние факторы способствовали этому.
Середина и вторая половина 19 века. Искусство еще подчинено классическим канонам, салонная академическая живопись не ушла со сцены, а элита художественного общества решает, кому быть на пьедестале славы. Но в 1839 году появляется фотография, которая предрекет дальнейшее развитие искусства и ход истории.
С появлением фотографии значение искусства переосмысляется. Уже нет необходимости копировать окружающую действительность, искусство перестает быть реалистичным. Появление импрессионистов явилось настоящей революцией. Художники начинают поиск новых значений и смыслов. Живопись становится выражением личных впечатлений автора. На фоне традиционного салонного искусства произведения импрессионистов казались лишь наброском, незавершенной картиной. Размытые контуры, полутона. Сюжеты становятся более демократичными, бытовыми, что не было свойственно академической живописи (Клод Моне «Завтрак на траве»). На полотнах импрессионистов все чаще появляются обычные люди: танцовщицы, парижане, завсегдатаи кафе. Эдгар Дега погрузился в закулисный будничный мир балета «Голубые танцовщицы». Особое место занимает пейзаж, наблюдение за изменчивостью природы.
Неоимпрессионизм продолжил традиции предшественников, внеся технику точечного нанесения контрастных чистых цветов, что вызывало эффект оптического перехода одного цвета в другой. Ярким представителем школы является Винсент Ван Гог («Подсолнухи», «Едоки картофеля», «Красные виноградники в Арле»). Грубые мазки, контрастные чистые цвета, бытовые сюжеты, пейзаж –живопись становится более примитивной, экспрессивной. Поль Гоген отказывался признавать себя представителем какого-либо направления. Он хотел создавать свое искусство: варварское, отличное от условностей и правил.
Исторические и политические реалии 20 в. предопределили дальнейшее развитие искусства. Научно-технический прогресс, появление промышленности, войны и революции, трагедии человечества 20 в. оставили глубокий след в живописи, музыке, литературе. Вновь происходит переосмысление, расстановка приоритетов. На этой почве зародился авангард - обобщающее понятие нескольких направлений: модернизм, супрематизм, экспрессионизм, абстракционизм.
Вершиной авангарда является «Квадрат» Казимира Малевича. Под влиянием событий первой мировой войны и революции искусство, по мнению К. Малевича, нуждалось в коренных переменах. Живопись более не нуждалась в отражении жизни вообще. Увлекшись пространственно-временной физикой, Малевич описывал искусство, как преобладание «чистого» восприятия, которое не имело ничего общего с природой. Убирая любой намек на реальность, К. Малевич совершил революцию в искусстве. Основоположник абстракционизма В. Кандинский также стремился стереть границы традиционного искусства, создавая композиции линий, геометрических фигур. Он считал, что искусство должно быть свободным и не ограничиваться имитацией окружающего мира.
Вторая половина 20в. В то время, когда в СССР все экспериментальные течения в искусстве запрещены и осуждены за формализм, а главенствующим направлением признан социалистический реализм, в Западном мире на сцену вышел поп-арт. Капиталистический мир вкупе с внешним благополучием и самодостаточностью породил новые проблемы в обществе, которые не могли быть не замечены искусством. Безудержное потребление, поклонение брендам и деньгам, преобладание материального над духовным, контраст между бедными и богатыми. Искусство в этот период становится еще более демократичным, массовым, доступным. Звездой поп-арта Энди Уорхола сделали 30 полотен с изображением «Банок с супом Кэмпбелл». Что заставило задуматься о бездушии, пошлости и одинаковости современного мира. Вдохновившись идеями из бизнеса, коммерции и масс медиа, Э. Уорхол в пику высокому искусству создавал обезличенные репродукции и обеспечил этому направлению всемирное признание. Тогда всерьез заговорили о смерти искусства, которое утратило главную миметическую функцию.
Жан-Мишель Баския сделал искусством граффити. В своих работах он обращал внимание общества к проблемам расизма, неравноправия по национальному признаку, бедности афроамериканцев. А. Джакометти взывает к гуманистическим идеям. Он акцентирует внимание на хрупкость человеческой жизни перед такими явлениями 20 в., как война, нацизм, геноцид. «Шагающий человек» Джакометти нарочито вытянутый, с заостренными чертами, хрупкий, сгорбившийся, одинокий.
С развитием капитализма искусство все больше становится неотделимым от конъюнктуры и рынка, все чаще идет по пути эпатажа, громкого привлечения внимания, скандала. Новаторство Ива Кляйна состоит в том, что он запатентовал свое изобретение – синий цвет, а также впервые художник, как создатель идеи, не принимает участие в ее воплощении. Так, женщины-натурщицы, нанеся синюю краску Кляйна на тело, прикасались к полотну и оставляли следы. Данное произведение спровоцировало большой резонанс в обществе.
Еще одной арт-революцией становится дадаизм. Теперь художники отвергают все каноны традиционного искусства. Вершиной и знаковой фигурой дадаизма, перевернувшей представления об искусстве, становится произведение Марселя Дюшана «Фонтан». Художник приобрел обычный писсуар в магазине сантехники и представил экспонат на выставке. Важность идеи в произведении искусства превалирует над средствами, мастерством художника, сюжетом и смыслом. По мнению М. Дюшана, если художник видит под другим углом обычный бытовой предмет, он может стать произведением искусства. Тем самым М. Дюшан высмеивал традиционные понятия об эстетике, оригинальности и вкусе. Пьеро Мандзони решает, что искусством могут быть и испражнения художника. Он законсервировал в банки собственные экскременты и стал представлять это, как произведение искусства, назначив цену выше, чем стоимость золота. Тем самым художник высмеивает капиталистическую мораль, арт-рынок, потребительское общество и культ художников, называющих себя гениями.
Далее с развитием дадаизма и новых направлений произведения искусства становятся все более разнообразными, абсурдными и все более далекими от традиционного понимания эстетики, «кантовского прозрения». Смыслы современных арт-экспонатов от глобальных до сугубо личных, интимных. Так Трейси Эмин представила на экспозиции собственную постель, где провела несколько дней в депрессии: неприбранную, с окурками сигарет, использованными презервативами, бутылками вина и прочим хламом. Экспонатом «Моя постель» Т. Эмин продемонстрировала ту строну жизни, с которой никто не хотел бы столкнуться. Тем самым инсталляция представляет, как сугубо личные переживания художницы, так и является отражением глобальной проблемы неравенства женщин. Еще одна представительница современного искусства Пипилотти Рист акцентировала внимание на проблеме сексуальности, телесности, выставив на обозрение люстру, выполненную из нижнего белья своих друзей. Автор привлекла внимание к запретным темам о части человеческого тела, которая является и сакральным органом зарождения новой жизни, одновременно центром сексуального наслаждения и местом выделения отходов жизнедеятельности.
Пройдя экскурс с середины 19 в. до наших дней, рассмотрев, как искусство менялось на протяжении времени, сравнив знаковые произведения традиционного искусства и современного, мы, действительно, видим перелом. Высший уровень мастерства в изображении внешнего и внутреннего мира вдруг сменяется на примитивизм, небрежность, грубость. В произведениях исчезает сюжет. Живопись становится беспредметной. Затем художник и вовсе абстрагируется от воплощения творческой идеи, а предметом искусства становятся различные бытовые вещи. Художество невозможно понять без коннотации и описания. Отсутствие мастерства, отсутствие смысла, эпатаж, конъюнктурность, абсурд – верные спутники современного искусства. Эти высказывания верны, если бы не одно, Но.
Эстетика, отображение гармонии окружающего мира, стремление к эйдосу и прозрению – одни из граней искусства, но не единственные. Искусство является полным отражением мира вокруг с его проблемами, острыми вопросами, с его красотами и болями. Предвидит изменения, стоит на пороге всего нового и меняющегося. Могло ли искусство 20 в. быть гармоничным и прекрасным, подобно эпохе Возрождения, во время великих человеческих трагедий? Какими средствами могли художники разговаривать со зрителем во время научно-технического прогресса, открытий в науке, космосе? Каковым искусство должно было быть в эпоху капитализма, где высшая ценность – деньги, а миром правят крупнейшие корпорации?
Мир сегодня вновь находится на пороге переосмысления феномена искусства. Цифровая эпоха также породит новое, совершенно отличное от традиционного, непохожее на искусство второй половины 20 в. Оно точно будет вызывать отторжение, т.к. не будет соответствовать нашим представлениям. И возможно мы будем говорить о деградации, упрощении и роботизации. Можно предположить, что искусство будет создаваться искусственным интеллектом, станет типовым, но тем ценнее станет человеческий гений. А как будет на самом деле, история покажет.
P.S. А как Вы относитесь к современному искусству? Делитесь в комментариях.
