Как и многие гении, опередившие свою эпоху, Анри Руссо (1844-1910) не знал при жизни ни славы, ни богатства. Талантливый художник, проработавший до 41 года обычным клерком в парижской таможне, нашел в себе силы отказаться от привычного образа жизни и полностью посвятить себя живописи. Единственное, что поддерживало Руссо в его увлечении, — непоколебимая вера в собственный талант, позволившая ему стать одним из величайших мастеров своей эпохи. Удивительно, но стремление подражать приемам прошлого перенесло художника прямо в будущее — его творческая манера станет очень характерной для многих мастеров XX века. «Наивное» искусство Руссо, идя в ногу с импрессионизмом, вскоре выделилось в совершенно другую школу. Оригинальный стиль живописца, изобилующий элементами фантасмагории, восхищал Пабло Пикассо и Робера Делоне, давая самому Руссо при жизни лишь минимальные средства к существованию.
Бурная молодость
Начав свою карьеру художника в возрасте сорока одного года, Анри Руссо был самоучкой. Приехав из провинции в Париж и устроившись мелким чиновником, Руссо писал везде: и при исполнении служебных обязанностей, пользуясь благосклонностью начальства, и по ночам дома. Бедный, но терпеливый, скромный, но уверенный в своей гениальности, он стал одним из ведущих и наиболее признанных мастеров художественного авангарда, которым восхищались передовые современники и поколения потомков.
Когда-то сам Руссо написал автобиографическую заметку к книге «Портреты будущего века» — «Родившись в Лавале в 1844 году в семье с отчаянно скромным достатком, он был вынужден посвятить себя не той профессии, к которой привлекала его любовь к Изобразительное искусство." Правда, книга так и не вышла.
Отцом художника-самоучки был Жюльен Руссо – потомственный жестянщик из городка на западе Франции – Лаваля. А мать его дочь офицера Великой армии Наполеона. Отец Анри отчаянно хотел разбогатеть, поэтому, купив дом на окраине города, он оставляет свое ремесло жестянщика и пытается наладить бизнес по перепродаже различных товаров. Но, увы, дело его прогорело, и с тех пор в доме Руссо поселилась беспросветная нищета.
К счастью, несмотря на крайнюю нужду, семья будущего художника смогла отдать единственного сына учиться сначала в школу, а потом в лицей. Анри был средним учеником, хотя успел получить ряд школьных наград, отличившись в пении и арифметике. Эти, казалось бы, незначительные достижения повсеместно отмечаются в его биографии не потому, что Руссо стал всемирно известным артистом, а потому, что он еще и написал изумительный вальс, названный в честь его первой жены - «Клеманс».
После обучения Генри устраивается на работу в юридическую контору, где совершает большую ошибку. В девятнадцать лет, по наущению друзей, Руссо крадет из бухгалтерии крохотную сумму денег, но этого достаточно, чтобы поставить крест на его адвокатской карьере и попасть под следствие. В суде Генри приходится согласиться на сделку — целых семь лет военной службы, всего один год тюрьмы.
Полк «Руссо», дислоцированный во Франции, никогда не примет участия в боевых действиях за границей. Даже когда Наполеон III отправляет в Мексику французский военный корпус, чтобы поддержать своего протеже Максимилиана в борьбе за императорский престол, будущий авангард не принимает участия в экспедиции. Хотя много позже поэт Гийом Аполлинер (1880 - 1918) пишет стихотворение о пребывании Руссо в красочной Стране ацтеков, художник никогда не пытается опровергнуть его, как и ряд других мифов о его жизни.
В 1868 году умирает отец Руссо, и Генрих, как единственный кормилец семьи, получает увольнение из армии. Покинув свой полк, находившийся тогда в Париже, он с головой окунается в бурную жизнь большого города. В первую очередь молодой человек находит работу и начинает свою жизнь, расположившись недалеко от Le Bon Marche, первого многоэтажного торгового центра французской столицы.
Молодой человек сразу же влюбляется в дочь хозяйки дома мадам Буатар. В 1869 году он берет в жены Клеменс Буатар. Несмотря на постоянную слабость (Клеманс болела туберкулезом), супруга помогает Анри зарабатывать деньги на жизнь, без устали занимаясь шитьем на заказ. По выходным влюбленные часто гуляют по красивым парижским паркам. Правда, счастье Анри и Клеманс омрачается тем, что их дети умирают один за другим прямо в младенчестве.
Из семерых детей любящих супругов выживают только двое — дочь Жюли-Клеманс и сын Анри-Анатоль. Жена Руссо, постоянно мучавшаяся туберкулезом, была слишком слаба, чтобы самой заботиться о детях, поэтому с рождения их воспитывала няня, жившая в парижском пригороде. В 1888 году Клеманс умирает. Анри Руссо никогда не забудет любимую жену. Еще при ее жизни он посвятит ей вальс собственного сочинения, а после ее смерти снова и снова будет создавать ее портреты.
Мелкое официальное живое искусство
Еще в 1871 году молодой Руссо устроился на постоянную работу на таможню Акцизного ведомства, которое в XIX веке собирало налоги с товаров, ввозимых в Париж. Осмотр товаров у городских ворот — скучное и однообразное занятие, но оно не ограничивает внутреннюю свободу человека, его выполняющего.
В одну из очередных смен маленький клерк прямо во дворе здания ведомства устанавливает мольберт и начинает рисовать. К сожалению, картины, написанные Руссо до 1877 года, не сохранились. Исключение составляет только одна, изображающая батальную сцену на фоне местного пейзажа.
Вскоре известный в то время художник Феликс Клеман (1826 - 1888), помогавший молодому Руссо советом, знакомит начинающего живописца с одним из представителей официального французского искусства той эпохи бароном Леоном Жеромом. После этого Руссо арендовал свою первую мастерскую и в 1885 году при поддержке барона впервые выставил две свои работы в Салоне Отверженных.
Через год, в 1886 году, художник Поль Синьяк (1863 - 1935), заинтересовавшись творчеством Анри Руссо, приглашает его принять участие в новой выставке. Синьяк считал, что лучшее место для произведений столь оригинального живописца — в Салоне независимых художников, созданном представителями авангардного искусства. Дело в том, что все ранние попытки создания самостоятельных салонов закончились неудачей — они как по волшебству стали напоминать официальный Салон, что не устраивало прогрессивных живописцев, ощущавших все большую потребность в отдельном выставлении.
Для Руссо было очевидно, что официальные художественные круги, представленные Салоном, с его старой академической традицией навсегда отвергли бы самоучку, по крайней мере, из принципа. Поэтому с этого времени и до самого конца Анри Руссо останется верен новому «салону без жюри».
Уже в 1886 году, выставив четыре свои работы в самостоятельном салоне, начинающий художник будет высоко оценен такими известными живописцами, как Поль Гоген (1848 - 1903) и Пюви де Шаванн (1824 - 1898), которые были в восторге от способности Руссо передать драматические моменты с помощью множества оттенков черного. Но, в целом, его работы остаются для публики непонятными, тем более - они высмеиваются - академики утверждали, что так рисовать способен даже ребенок.
К счастью, Руссо был очень устойчив к сарказму и критике публики. Он даже заключает договор с Аргусом, согласно которому ему присылались все журнальные статьи и газетные вырезки, в которых содержались отзывы и комментарии к его творчеству. В ожидании всеобщего признания своего бесспорного таланта художник педантично вклеивал их в блокнот, который со временем становился толще. Именно из газет Руссо однажды узнает, что мэрия Парижа наградила его медалью. Счастливый, он тут же приказывает упомянуть награду на своей визитной карточке, но позже выясняется, что он торопился: речь шла о другом артисте с таким же именем.
Обеспокоенный после смерти жены поиском средств на нормальное содержание детей и покупку красок, Руссо в надежде на заработок и под впечатлением от Всемирной выставки в Париже 1889 года, на которой Франция представила свою знаменитую Эйфелеву башню, художник снова обращается к музыке и пишет либретто водевиля. К сожалению, это не принесло ни копейки.
Выйдя в отставку со службы в 1893 году, после выслуги лет Руссо получает мизерную пенсию и может только мечтать о том времени, когда его любимое занятие — рисование, наконец, начнет приносить достойный доход. А пока Руссо вынужден давать уроки игры на скрипке и рисовать картины на заказ, продавая их по смешным ценам. Хотя всего через год его работа «Война», выставленная в Салоне Независимых, получает широкий резонанс, в частности, ею восхищается писатель Альфред Жари (1873 – 1907), светом которого получает художник Анри Руссо прозвище «Таможенный офицер» (Le Douanier), закрепившееся за ним на всю жизнь.
Вскоре вся семья Руссо переезжает, кто куда. В 1895 году дочь художника уезжает с мужем в Анжер, расположенный на западе Франции, а живописец переезжает с сыном Анри-Анатолем жить на Монпарнас — знаменитый район на левом берегу Сены, ставший впоследствии любимое место встречи художественного и интеллектуального авангарда. Там, на Монпарнасе, Руссо знакомится с Жозефиной Ле Тензорер — женщиной, жившей по соседству, которая покорила сердце художника. Долгое время Жозефина пренебрегала любовными признаниями живописца и согласилась стать его женой лишь после безвременной кончины Анри Анатоля.
Будучи свободолюбивым масоном, Анри Руссо все же обвенчался в церкви со своей новой любовью в 1898 году. Материальное положение семьи было довольно плачевным, поэтому, чтобы помочь мужу, Жозефина пыталась продавать его работы в своем магазине канцтоваров, а художник, в свою очередь, продолжал давать платные уроки. Тем не менее, по воскресеньям Руссо, несмотря на нужду, в рамках Филотехнического общества, главной целью которого было просвещение масс, учил всех желающих рисовать акварелью, пастелью, а также с гордостью и удовольствием делился его опыт в росписи фарфора и керамики.
Нищий гений
Всего через пять лет, в 1903 году, живописец во второй раз овдовел и, пытаясь справиться с горем, полностью отдался работе. Надо сказать, его карьера художника, наконец, начала стремительно набирать обороты. В 1903 году он снова участвовал в двух художественных салонах - Независимых художников (в марте) и в первом Осеннем салоне, открывшемся в октябре. Но художник по-прежнему остро нуждается. К счастью, скромная, но щедрая папуасская семья, жившая по соседству, часто приглашала его к себе на ужин, а подруга Мари Биш, занимающаяся мелкой торговлей, не раз выручала Руссо в критических финансовых ситуациях.
Перелом происходит лишь в 1906 году, когда художник знакомится с Робером Делоне (1885 - 1941) и поэтом Гийомом Аполлинером. Новые друзья открыто восхищаются талантом живописца, а Пабло Пикассо (1881–1973), случайно приобретя в 1908 году «Женский портрет» Бриса Анри Руссо, устраивает пышный банкет в честь автора.
Одна из подруг Пикассо, Фернанда Оливье, так описывает Руссо: «Этот респектабельный, слегка сутуловатый человек, который больше склонен к бегу трусцой, чем к ходьбе, волосы у него седые, но густые, несмотря на возраст, имеет повадки маленького рантье, а лицо немного испуганный, но добрый. Он легко краснел, когда смущался или когда кто-то возражал ему. Он соглашался со всем, что ему говорили, но чувствовалось, что он держался в стороне и просто не смел высказать своих мыслей. ”
Среди друзей Руссо был Альфред Жари (1873 - 1907), художник познакомился с ним в то время, когда еще не было написано последнее произведение - "Король Убю" (1896), сделавшее его знаменитым основателем театра абсурда. Возможно, именно страсть к эпатажу и провокациям сближает Руссо и Жари. По словам молодого писателя, наивное искусство таможенника, откровенного и бескомпромиссного, шокирует обывателя. Однажды Жари заказал живописцу свой портрет. Картина, к сожалению, не дошла до наших дней, но известно, что Руссо изобразил своего друга с хамелеоном и совой. Фрай был в восторге! Он платит Руссо деньги из родительского наследства и везде превозносит его талант. Художник дорожил этой дружбой.
У Анри Руссо был чистый детский голос, все считали его наивным и простодушным, но так ли это на самом деле? Непоколебимая уверенность в собственной гениальности позволила живописцу стать целеустремленным человеком с необычайной стойкостью и почти детской наивностью - весьма самобытным художником.
В декабре 1907 года Руссо из-за своей беспечности и доверчивости вновь попал в тюрьму за мошенничество, хотя, по сути, был его жертвой. Чтобы получить свободу, хотя бы для того, чтобы по воскресеньям давать уроки благотворительности, художник пишет прошение в Суд: «Обращаясь к вашей доброте, прошу хотя бы условно-досрочного освобождения, чтобы иметь возможность продолжать работу. Умоляю вас, не разрушайте мою карьеру, ради которой я так много работал. К счастью, после рождественских каникул просьба Руссо была удовлетворена.
Дружеские трюки
По свидетельствам современников, Руссо обычно работал в простой полотняной белой рубашке, но всегда надевал костюм, когда устраивал приемы в своей мастерской. Немецкий коллекционер Вильгельм Угде, первым посвятивший художнику целую книгу в 1911 году, был одним из завсегдатаев вечеринок таможенника. Вот как он описывал улицу, на которой стоял дом Руссо: «Она имеет длину всего несколько шагов и потом упирается в каменную стену. Кажется, что мы где-то в провинции, а не в Париже. В комнатах на первом этаже живет хозяин со своей семьей, а выше расположены апартаменты гостей. На одной из дверей табличка — «Уроки риторики, музыки, рисования, сольфеджио». Звоним и входим: нас встречает Руссо. ”
Почти каждый субботний вечер среди своих картин и друзей таможенник играет на скрипке для художников, коллекционеров и просто любителей искусства. Он снова влюблен, но Леония, вдова 59 лет, отказывается стать его женой. На этих вечерах часто можно было встретить хозяина дома, где жил Руссо, — господина Кеваля, тихого солидного человека, который был коллегой Руссо по работе в таможенном ведомстве Парижа. Среди гостей часто можно было видеть Амбруаза Воллара, который покупал картины художника и не раз приглашал его с собой на артистические вечеринки. Анри Руссо находился на эмоциональном подъеме: наконец пришло время вкусить плоды многолетнего упорного труда – стабильное материальное положение, всеобщее признание. Вот только здоровье... Художника давно беспокоят незаживающие раны на ногах, которые, в конце концов,
Блестящий художник Анри Руссо скончался 2 сентября 1910 года в городской больнице Неккера в Париже. Его похоронили в общей могиле. Провести художника в последний путь пришли Робер Делоне, Амбруаз Воллар и Поль Синьяк.
Через год Делоне организует за свой счет перезахоронение останков художника. А Гийом Аполлинер напишет на своем надгробии сочиненную им же эпитафию: «Прощай, наш добрый друг Руссо! Послушайте нас - Делоне с женой, Кеваль и я. Мы привезем вам кисти, краски и холст в подарок, чтобы вы на святом досуге писали портреты звезд. ”
Ранняя работа
Вглядываясь в первые картины Анри Руссо, кто-нибудь из искусствоведов воскликнет: «Он искренен и наивен, чем-то напоминает примитивистов». Второй критик соглашается: «Эта картина довольно сухая и жесткая, но очень интересная, потому что ее наивность наводит на мысль об итальянских примитивистах». Даже насмешники и ярые противники оригинального творчества Руссо признали мастера выдающимся примитивистом.
Хотя полотна «Прогулка по лесу» и «Встреча в лесу», живописец все же ближе к национальной живописи эпохи рококо XVIII века, чем к итальянским примитивистам. Во многом это связано с хорошо просматривающимся традиционным мотивом галантных сцен (fetes galantes), очень характерным для французского художника Антуана Ватто (1684 - 1721), картины которого экспонировались в Лувре. Кстати, именно их репродукции украшали стены мастерской Руссо.
Произведения раннего периода в Руссо очень отличали его от современников - импрессионистов. Это хорошо видно в сложной цветовой гамме картин «Встреча в лесу» и «Прогулка в лесу», в которых живописец изображает реальные и воображаемые деревья, используя большое количество различных оттенков коричневого и зеленого цветов.
На первом снимке лес густой и непроходимый, на втором — светлый и прозрачный. Все дальние планы выполнены расплывчатыми, мелкими мазками, что облегчает зрительное восприятие, нейтрализуя слишком насыщенный темный лес. Небо, занимающее треть картины, нарочито уменьшенные деревья вдали - все это говорит о попытке художника - самоучка как-то определить границы пространства, придать ему глубину, то есть показать перспективу, которая для Руссо, лишенного академических знаний и умений, была настоящим камнем преткновения. Возможно, поэтому впоследствии он намеренно отказался от какой-либо перспективы в своих полотнах.
На картине «Встреча в лесу» изображены влюбленные, едущие верхом и смотрящие друг на друга. Они одеты в типичные костюмы 18 века. Длинные волосы женщины свободно распущены по плечам — мотив, присутствующий во многих женских образах кисти Руссо. Сила чувств, взаимные объятия, нежность во взгляде мужчины создают явный эффект присутствия этой пары на полотне, несмотря на то, что их тела практически не видны за буйной растительностью. Любя только в своем мире, они ненадолго появлялись из-за леса, и казалось, что вот-вот снова исчезнут из виду навсегда.
На полотне «Прогулка по лесу» мы видим женщину, очень похожую на Клеманс, она словно замерла — возможно, ее напугали несущиеся отголоски кавалькады, тревожный шелест листьев или внезапный хруст ветки.
Женские образы
Женские образы, как и изображения животных, занимали огромное место в творчестве художника. Два больших женских портрета, написанные Руссо с небольшим просветом, представляют собой очень похожие композиции. На обоих изображены женщины в черном, стоящие в полный рост. Формат работ и позы персонажей позволяют отнести картины к жанру парадных портретов. Возможно, обе они были изготовлены на заказ, хотя принадлежность моделей так и осталась неизвестной.
Первое полотно — «Портрет женщины» (альтернативное название «Портрет госпожи М.») было создано около 1895 года. Именно эту картину приобрел по очень скромной цене в 1908 году другой гениальный художник — Пабло Пикассо (1881 г. -1973), который был в восторге от этого. Эта работа также известна как «Ядвига», хотя нет никаких доказательств того, что название модели совпадает.
Существует легенда, согласно которой девушка на полотне была красивой полькой, очаровавшей живописца. И хотя эта версия не имеет доказательств, факт остается фактом: это имя нравилось Руссо. Им он сам назвал главного героя пьесы собственного сочинения — «Месть русской сироты». Возможно, именно она воплотила для художника некий образ идеальной женщины. Этим же именем мастер назовет героиню другого своего полотна — «Сон» (1910).
Композиция первого портрета напоминает постановочную фотографию из магазина того времени. Женская фигура стоит на балконе, полном ваз с цветами, на фоне массивной занавеси, в окружении фантастического пейзажа. В руках Ядвиги ветка дерева. Эта деталь представляет особый интерес тем, что является традиционным символом смерти. Это можно объяснить, если верить сторонникам теории реального существования этой женщины, утверждающим, что на момент написания полотна Ядвига уже была мертва. Это предположение косвенно подтверждается тем, что художник избрал для женского платья черный цвет, что всегда подчеркивало особую драматичность изображаемой сцены.
Женщина на втором портрете изображена среди захватывающего разнообразия зелени. Ее рука упирается в бедро, а выглядывающие из-под платья ноги едва касаются земли, что создает иллюзию движения. Внизу полотна мы видим котенка, играющего с клубком ниток, что вносит живость и непосредственность в официальный тон портрета.
Свое знаменитое произведение «Спящая цыганка», также посвященное женскому образу, Руссо заканчивает всего через месяц после смерти единственного сына Анри Анатоля.
В 1897 году он выставил работу в Салоне Независимых, сопроводив ее легендой, написанной на раме: «Хищник, обуреваемый жаждой крови, замирает на месте, не решаясь напасть на крепко заснувшую жертву». Фигура цыганки с платком и яркой одеждой, резко контрастирующей со смуглой кожей, немного напоминает восточных женщин с картин академических художников. Именно эту работу Руссо активно предлагал приобрести меркам своего родного города Лаваля, в память о себе.
Художник даже написал мэру города: «Здесь все залито лунным светом». Разумеется, мэрия отклонила его предложение. Произведение исчезает и вновь обнаруживается только в 1923 году и, поскольку не все картины Руссо получили широкую известность, вызывает массу споров и слухов. Довольно многие считают это фальшивкой, шуткой, которую приписали другому художнику — Дерену. Те, кто не сомневался в истинном авторстве картины, считали это весьма решительным шагом живописца от реализма к сюрреализму.
Вскоре Руссо отошел от импрессионистов, хотя еще разделял их неприязнь к традиционным канонам изобразительного искусства. Импрессионизм подразумевал творческую свободу, которая была так необходима Руссо. Его искусство, основанное на совершенно плоской трактовке всех форм, не только не учитывает стандартных правил изображения перспективы, принятых в эпоху Возрождения, но и сознательно ими пренебрегает. Художник упрощает форму, создавая свой неповторимый стиль живописи. Реальные пропорции здесь искажены, цветовая проработка объема отсутствует, а тени вообще нет. Руссо не хотел изображать скучную и обыденную действительность, пропуская через свое богатое воображение все образы и формы.
Искусство художника сильно напоминает декоративные расписные картины с разноцветными фигурами гладкой фактуры и незатейливой формы. Его картина «Ребенок с куклой» производит странное впечатление, заставляющее содрогнуться. Мастер сначала очерчивает контуры фигуры ребенка, напоминающей фарфоровую куклу, оставляя ее саму ненаписанной, затем работает над фоном рисунка и снова возвращается к фигуре. Руссо, как и Эмиль Бернар (1868 - 1941) и Поль Гоген, совершенно игнорирует принципы классической перспективы. Кроме того, живописец отдает явное предпочтение предметным условностям, а не скучной конкретике.
Детские портреты
Кисти Руссо принадлежат многие детские портреты. Неизвестно, почему тема детей была так важна для художника, если это были работы на заказ, если художник переживал потерю своих шестерых детей. Точный ответ на этот вопрос неизвестен, можно лишь предположить, что, изображая детей, живописец пытался с помощью красок, кистей и воображения оживить образы своих близких. Многие детские портреты Руссо выполнены в большом формате.
Например, ребенок в красном платье выглядит таким большим, что кажется, будто его фигура едва помещается на холсте. Судя по всему, ребенок сидит: об этом говорят согнутые в коленях и почти спрятанные в траве ноги. Сама фигура словно парила между небом и землей, что незаметно сглаживает ощущение излишней массивности. Как и в «Ребенке с марионеткой», малыш на этой картинке тоже держит в руке странную куклу, чертами лица напоминающую взрослого человека.
На другой картине того же периода — «Крестьянская свадьба» мы видим невесту, которая смотрит на нас со смиренным благоговением. Фигуры окружающих ее людей настолько плоские, что кажутся отдельно вырезанными из цветной бумаги и приклеенными к фоновому пейзажу. Даже несмотря на тщательно выстроенные буквой «V» деревья и какую-то неуклюжую собаку, расположенную на переднем плане, что теоретически должно было быть композиционным обозначением перспективы, они не смогли стереть коллажного впечатления, производимого этой картиной.
Фигура невесты – бесспорная доминанта картины, именно она своим белоснежным поясом как бы связывает остальных персонажей в единую группу. На полотне художник символически обозначил преемственность поколений, с помощью длинной фаты невесты, слегка прикрывающей сидящую рядом пожилую женщину, которая, очевидно, является бабушкой жениха или невесты. Фигура сидящего отдельно от группы главных героев старика, ноги которого спрятаны в траве, навевает мысли о связи современности и вечности, жизни и смерти, земли и неба. Торжественность, с которой вся группа расположилась под деревьями, снова напоминает магазин 19 века. Вот в таких статичных позах люди и замирали перед фотообъективом на фоне нарисованных плоских декораций: «Мы не двигаемся! Не дыши! Возможно, что во время работы над «Свадьбой» живописец черпал вдохновение из какой-то фотографии, но о причинах его обращения к этой теме, как и о личностях прототипов персонажей, ничего неизвестно. мужчина, стоящий справа от невесты, отдаленно напоминает самого художника.
Символические работы
В 1906 году Анри Руссо представил публике свою новую работу — «Свобода, призывающая живописцев к участию в 22-й выставке Независимых художников», которая, даже находясь в экспозиции Салона Независимых, вызывает у посетителей только смех. Новым произведением художника восхищается только узкий круг друзей, остальные же не могут понять ни самого замысла, ни способов его воплощения.
Друг живописца — Роббер Делоне восклицает: «В другую эпоху он расписал бы стены дворцов по заказу меценатов. У нас он вынужден быть шутом для обывателей, такой он серьезный, такой спокойный. Какая бессмысленная ирония судьбы! Руссо отмечает Салон своей новой работой, которая сделала его полноправным художником во всех смыслах этого слова. Композиционным центром произведения является аллегорическая фигура Свободы, изображенная в манере, напоминающей академическую. Она играет на трубе, традиционно являющейся символом поклонения.
Через год Руссо вновь веселит публику в Салоне Независимых своим произведением «Иностранные представители прибыли под знаменем мира приветствовать Республику». На полотне мы узнаем шестерых президентов Французской Республики (в черном), стоящих на трибуне, российского императора (в желто-синем мундире), короля Англии (с левой стороны), а также на справа: Франц Иосиф из Австрии, Петр I из Сербии, Вильгельм II из Германии, Леопольд II из Бельгии, Георг I из Греции, персидский шах и король Эфиопии. Республика в красных одеждах и фригийском колпаке (головной убор эпохи Французской революции 1789 года) торжествующе возвышается над всеми, держа в протянутой руке оливковую ветвь. Эта разноцветная феерия, расцвеченная иностранными флагами, проходит под лозунгом, написанным на трех черных постаментах, стоящих на переднем плане полотна: «Труд, свобода, равенство. А на заднем плане мы видим людей, собравшихся в круг, чтобы начать свой праздничный танец.
Художник очень любил аллегории, столь популярные среди представителей политических кругов. Неоднократно Руссо принимал участие в различных конкурсах, которые время от времени устраиваются парижскими властями для украшения помещений различных ведомств. Живописец всегда хотел получить официальный заказ, хорошо оплачиваемый и престижный, потому что, во-первых, постоянно испытывал нужду в деньгах, а, во-вторых, еще мечтал о всеобщем признании.
Однако таможеннику не удалось победить ни того, ни другого. Кроме того, все время находились люди, которые, пользуясь слабостью этого художника и присущей ему наивностью, неоднократно разыгрывали бедного Руссо. Дошло даже до того, что живописец чуть не отправился на Елисейские поля, чтобы лично поблагодарить президента Французской Республики за награждение его главной государственной наградой - орденом Почетного легиона, о вручении которого художнику было объявлено злыми шутниками.
Экзотическая Индия
Однажды мать художника Робера Делоне, поддавшись на уговоры сына, решила заказать картину Руссо. Ее рассказы об экзотическом путешествии в Индию вдохновили таможенника на создание полотна, выдержанного в насыщенных зеленых тонах, характерных для тропических джунглей. В центре картины мы видим фигуру черноволосой женщины - заклинательницы змей, которая очень напоминает древнее мистическое божество. Черные змеи, словно завороженные волшебными звуками ее дудки, медленно выползают отовсюду, и если на первый взгляд они едва различимы, то, когда взгляд привыкает к пестрому разнообразию и начинает различать детали, видишь их больше. и больше. Удивительно, но их движение по полотну ощущается почти физически. Глаза женской фигуры, единственное яркое пятно на картине,
Река, освещенная полной луной, густая и таинственная пелена растений, переливающихся всеми оттенками зеленого, экзотическая розовая птица, ярко сияющие желтые цветы - вся сцена излучает невероятный рай и покой. Вертикальные линии фигуры и окружающие ее растения смягчены горизонтальными лучами света, идущими от месяца. Это принципиально отличает композицию «Чародейка» Руссо от его «Войны», где горизонтальное построение всего полотна создает эффект тления и символизирует разрушение и разрушение.
Неприятный сюрприз чем-то близок к Заклинателю змей. На этой картине мы видим женщину, напуганную медведем. Фигура женщины вновь напоминает мифическую богиню, или ветхозаветную Еву, затерянную в Эдемском саду. Ее круглые бедра слегка прикрыты волосами, ниспадающими до колен. Как и в «Кастере», женщина окружена такими же причудливыми деревьями с яркой листвой, а на заднем плане — на берегу волшебного озера, изображающего густые леса причудливых деревьев. А в глубине едва заметна фигура затаившегося охотника. Когда ее видишь, на душе становится спокойно - он обязательно выстрелит и спасет женщину от хищника.
Современники запишут высказывание итальянского критика, посвященное Руссо: «Он живет в странном мире, фантастическом и реальном одновременно, близком и далеком, иногда смешном, иногда трагическом. Он любит буйство красок, фрукты и цветы, диких животных и сказочных птиц. Он живет, работая бессознательно, сосредоточенно и терпеливо, встречая насмешки и недружелюбные крики каждый раз, когда решает нарушить свое одиночество, чтобы представить свое творение миру. ”
Бадди портрет
Герой картины «Шезлонг отца Жюнье» (1908) — реальный персонаж — продавец овощей, бывший друг Руссо (правда, настоящее его имя — Клод Жюнье). Его магазин на Монпарнасе располагался всего в нескольких метрах от мастерской художника. Джунье всегда помогал художнику, которому часто не хватало денег на продукцию. Иногда Жюнье вместе с друзьями брал Руссо кататься на его фаэтоне, служившем ему для перевозки грузов. Любимица Джуньеры — кобыла Роза, тянувшая бричку. У продавца овощей была большая слабость к лошадям и собакам, одна из которых изображена на картинке рядом с фаэтоном.
При создании полотна художник использовал фотографию, сделанную в Кламаре в 1908 году. Руссо перенес композицию фотографии на полотно, добавив к ней собаку на дороге и несколько фигур. Пока живописец работал над картиной, его мастерскую посетил американский художник Макс Вебер (1881-1961). Рассматривая произведение, Вебер обратил внимание автора на дисбаланс в размерах между собаками и другими предметами и персонажами. Руссо ответил: «Все должно оставаться, как есть».
Возможно, художник прав, полагаясь только на собственное видение, ведь когда долго смотришь на эту работу, то начинает казаться, что именно эта абсолютно непропорциональная, а потому какая-то загадочная собака придает картине оттенок сказочности. Именно измененные пропорции и нарушенная перспектива, обильно дополненные элементами фантасмагории, придают бытовым сценам Руссо элемент притягательности и таинственности.
В фаэтоне сидят пять человек и собака. Все они изображены лицом к зрителю, как бы выстроившись в линию, как группа с полотна «Крестьянская свадьба», но под четким углом по отношению к сиденьям брички и направлению дороги. Полотно имеет внушительные размеры, весьма характерные для произведений декоративно-прикладного искусства, и это, по мнению искусствоведов, роднит его с «гобеленами тысячи цветов» — популярными в XV в. растения.
Впервые художник использует в картине абсолютно гладкий холст, благодаря которому мазки практически незаметны. Весь колорит картины четко делится на две гаммы: черный, белый и красный на переднем плане и охристый, зеленый и синий - на «заднем».
Городские пейзажи
Менее известная, но не менее значительная часть творческого наследия Руссо — городские пейзажи. Многочисленные виды Парижа и его предместий пользовались большим коммерческим спросом, поэтому художнику, постоянно стесненному в средствах, приходилось писать их не покладая рук. В те далекие времена окраины Парижа были еще мало застроены и буквально утопали в первозданной зелени лесов. Эскизы к будущим картинам художник делал сразу масляными красками, не используя гуашь или уголь. Он уверенно пишет с натуры, прямо на холсте, лишь изредка зарисовывая.
Прописывая на пленэре размашистыми резкими движениями кисти отдельные фрагменты, Руссо завершает картину уже в мастерской, тщательно дорабатывая детали каждой составляющей. Два самых известных образца городского пейзажа в творчестве Руссо – это полотна «Мебельная фабрика в Альфорвиле» и «Вид с Севрского моста». На них живописец изобразил вольную интерпретацию фабрики по производству кресел и стульев в Альфорвилле и одном из районов Севри на юго-западной окраине французской столицы.
«Мебельная фабрика в Альфортвигле» была написана на десять лет раньше, чем «Вид с Севрского моста». Когда смотришь на картину, сразу бросается в глаза небо, с причудливыми облаками на нем. Слева река, а на заднем плане мост. Но оба элемента имеют, скорее, второстепенное значение. Все композиционное построение картины исходит от волнистого тротуара, что неожиданно создает редкое для картин Руссо впечатление правильной перспективы. Само здание завода сильно напоминает картонный домик из театральных декораций, а фигуры людей вокруг выглядят неестественно. Все это делает сцену очень условной, почти сюрреалистичной.
Ярким элементом картины является фигура рыбака на переднем плане. Первоначально его изображение было лишь композиционной необходимостью. Однако после того, как персонаж был завершен, художник обнаружил, что этот рыбак, ожидающий поклевки, символизирует некое существование вне времени и пространства, таким образом воплощая в картине вечность. Именно этот своеобразный подход к изображению времени резко отличает Руссо от импрессионистов, для которых было характерно любование моментом, взятым отдельно от жизни.
Композиционным центром второй картины является мост через Сену, соединяющий ее лесистые берега. Черно-белая лодка, расположенная на переднем плане, очень выразительна, ее корпус странно похож на лицо человека. Маленькие фигурки пешеходов сливаются с домами, затененными красной листвой. Красные и серо-зеленые крыши прекрасно сочетаются с гаммой осеннего пейзажа. Воздушный шар, дельтаплан и аэроплан символизируют три эпохи покорения неба, о которых часто упоминалось в прессе того времени и которыми восхищался сам Руссо.
мечты
В 1910 году Анри Руссо создает свой величайший шедевр — полотно «Сон», выставленное им в том же году на 26-м Салоне Независимых. Все его друзья и коллеги в один голос утверждают, что работа достойна самых лучших отзывов. Поэт Гийом Аполлинер пишет о ней в одной из своих статей: «Я думаю, что в этом году никто не смеет смеяться. Можно спросить у художников - все единодушны, все ими восхищаются, даже этот диван в стиле Луи-Филиппа, затерянный в девственном лесу. И они правы. ”
Руссо снабжает произведение следующими комментариями: «Ядвиге снится волшебный сон. Она тихо уснула под флейту неизвестного обольстителя. Когда месяц бросает свет на цветы и зеленые деревья, животные и даже хищники замирают, слушая чудесные звуки музыки. Андре Бретон (1896 - 1966) через несколько лет заметит: «Я близок к тому, чтобы сказать: это великое полотно вобрало в себя всю поэзию и все тайны нашего времени. Для него характерна неиссякаемая свежесть открытий…»
Картина «Сон», ставшая одной из последних работ Руссо, считается завещанием художника. Переплетаясь, растения создают на холсте иллюзию пространства, которой вторит вся цветовая гамма картины. Ощущение глубины подчеркивают переливающиеся оттенки зеленого. Обезьяны резвятся в причудливых ветвях, где повсюду видны яркие экзотические птицы, а внизу, под ними, в траве бродят хищники. Только черный музыкант стоит в густой траве и играет на флейте, словно не замечая ничего вокруг. И персонажи, и растения вырваны из реального пространства, их характерной формы и их истинного состояния, но все они выписаны настолько тщательно, что выглядят невероятно правдоподобно. Словно предчувствуя свою кончину, Анри Руссо оставляет нам в наследство настоящий рай.
В том же 1910 году Руссо написал еще одну картину — «Нападение ягуара на лошадь», купленную впоследствии меценатом Амбруазом Волларом. Сам художник гордился работой. «Двадцать два оттенка зеленого!» - с гордостью сообщил живописец известному итальянскому критику Арджендо Соффиччи, пришедшему к нему посмотреть на новую работу. Соффикки был потрясен живописной манерой Руссо. Нарисовав карандашом все контуры экзотических растений, художник отдельными мазками наносил различные оттенки зеленого, прописывая каждый фрагмент по несколько раз, и тщательно чистит палитру при каждой смене цвета.
Среди незнакомцев
Несмотря на то, что личные симпатии Руссо всегда были на стороне академической живописи, признание он получил лишь у самых прогрессивных современников — художники-авангардисты всю жизнь были его лучшими друзьями. Творческую манеру самого художника относят к примитивизму, благодаря его оригинальному стилю и любви к итальянским художникам-примитивистам, таким как Фра Анджелико (ок. 1400 - 1455) и Джотто (1267 - 1337), работавшим в XIV и XV веков, когда еще не были открыты законы классической перспективы, отсутствие которых станет настоящей визитной карточкой всего творчества Руссо. «Только в 1885 году, после многочисленных разочарований, я смог посвятить себя искусству, сам занимался, познавал природу и следовал советам Жерома и Клемана», — говорит о себе Анри Руссо.
В поисках собственного стиля Руссо много работал в Лувре, создавая копии шедевров великих мастеров прошлого. Разрешение на работу в знаменитом музее живописец получил благодаря своему другу Феликсу Клеману (1826 - 1888), который, как и сам Руссо, был художником-самоучкой. Но, в отличие от таможенника, Климент был признан и обласкан властями. Ему, счастливому обладателю римского Гран-при Французской Республики, оплатили проживание и обучение в Италии. Интеллигентный Климан, преданный друг и деликатный советчик, никогда не позволял высмеивать или издеваться над Руссо и его картинами. Наоборот, он всегда настаивал на том, чтобы художник оставался верен своему стилю и не сворачивал с избранной дороги. Климент знакомит таможенника с Леоном Джеромом (1824 - 1904), работавших в это время над художественным воплощением возвышенных сцен античной мифологии и древневосточных сюжетов. Иероним - звезда официального искусства - принадлежал к группе художников-помпьеров, названных за присущую их полотнам помпезную роскошь и вычурную пышность, и за характерные головные уборы их античных героев, напоминающие каски пожарных (помпьеров).
За редкими исключениями, такими как Клеман и Джером, друзья Руссо принадлежали в основном к кругу независимых художников. Именно представители неоимпрессионизма, в частности Жорж Сера (1859 - 1891) и Поль Синьяк (1863 - 1935), первыми признали в Руссо гениального и оригинального мастера в 1886 году. Синьяк высоко оценил его талант как художника. колорист, а Камиль Писсарро (1831-1903) громко восхищался работами художника, признавая, что именно «чувства на первом месте». Робер Делоне, бывший вместе с женой Соней (1885 - 1979) одним из основоположников абстракционизма, выразил свое восхищение художником.
Делоне и Руссо становятся друзьями, несмотря на то, что таможенник не всегда проникает в суть творческих изысканий своего друга. «Почему Роберт сломал Эйфелеву башню?» - Искренний вопрос Руссо по поводу картины Делоне привел к появлению легенды о Таможеннике как о наивном гении, никогда толком не разбиравшемся в изобразительных приемах авангардного искусства.
Автором этой, как и многих других легенд о жизни художника, был поэт-модернист Гийом Аполлинер. Он создавал мифы о Руссо, пропуская через свое поэтическое воображение историю своей жизни, а художник, в свою очередь, увековечивал его образ на холсте. Аполлинер так описывал процесс написания собственного портрета: «Прежде всего он измерил мой нос, рот, уши, лоб, руки, все мое тело и очень точно перенес все эти измерения на свой холст, сократив его в соответствии с размер рамы. (…) Я не шевелился, с восхищением наблюдая, как трепетно он относится к работе своего воображения, не позволяя никому и никому вмешиваться в творческий процесс, чтобы не нарушить гармонию картины. А как математически точно он изобразил фигуру человека! Если бы мой портрет не имел ничего общего с моей внешностью, это произошло бы не по вине Руссо, а по какой-то досадной расчетной ошибке. Впрочем, меня на снимке узнали даже те, кто со мной не знаком. В роли музы поэта на полотне изображена художница и близкая подруга Аполлинера Мари Лоренсен (1883 – 1956).
Вечер в истории искусства
Вот пример одной из историй, связанных с жизнью Руссо и его друзей. Однажды январским вечером 1908 года Руссо и Аполлинер появились в Баго-Лавуар, где Пабло Пикассо (1881 - 1973), художник из Каталонии, устроил в небольшом деревянном домике свою мастерскую. Таможенник в мягкой фетровой шапке занимает почетное место за столом, оставляя у дверей верхнюю одежду и трость. На стене висит работа художника-самоучки "Портрет госпожи М." (та самая загадочная «Ядвига»). Саму стену украшают флаги, фонари и большой плакат с надписью «В честь Руссо». Присутствующие гости все в приподнятом настроении, некоторые уже побывали в соседней таверне.
Аполлинер торжественно читает оду, написанную им к этому вечеру: «Мы собрались, чтобы почтить вас вином, которое наливает Пикассо. Есть повод выпить, и мы будем пить и радоваться: «Да здравствует Руссо!» Вокруг стола собрались: художники Жорж Брак (1882 - 1963), Мари Лоренсен и Андре Дерен (1880 - 1954), писатель Андре Саломон, поэт Макс Жакоб (1876 - 1944) и две американки - известная писательница Гертруда Стайн (1874 - 1946) и Алисия Токлас. Вино льется рекой, Руссо берет скрипку и играет вальс, который когда-то написал для Клеманс. Потом он подходит к Пикассо и тихо говорит ему на ухо: «Мы два величайших художника эпохи». Тогда Аполлинер снова встает и читает придуманное им стихотворение, повествующее о путешествии Руссо в Мексику: «Помнишь ли ты, Руссо, пейзаж ацтеков? Леса, где росли ананасы и манго, Веселые обезьяны, арбузная мякоть, Гонка согрела императора Максимилиана? «Ваши картины родом из Мексики, Где палящее солнце и буйство природы». Художник, который никогда не был в этой стране, даже не пытается возражать, ведь сегодня долгожданный день его триумфа.
Позже подруга Пикассо Фернанда Оливье будет утверждать, что праздничный прием в Бато-Лавуар был шуткой, розыгрышем. Однако Андре Саломон пишет в своих мемуарах: «В Бато-Лавуаре у нас была только одна задача — мы хотели подарить Руссо заслуженный им отпуск». Этот прием в Бато-Лавуар стал одним из ключевых моментов в истории развития современной живописи: именно там встретились два поколения художников, благодаря которым родилось новое искусство.
