На днях стало известно, что музей LAM купил работу американского концептуалиста Тома Фридмена. Свои скульптуры и инсталляции он создает из повседневных предметов и материалов. Та, что теперь принадлежит LAM (а это автопортрет), Фридмен сделал из нескольких тысяч кусков сахара. Мы решили вспомнить, кто из художников превращал вещи с чердаков и барахолок в искусство.
— И первым здесь был все тот же Марсель Дюшан.
Один из самых радикальных реформаторов искусства XX века взял обычную табуретку, велосипедное колесо, сушилку для бутылок, вешалку, лопату для уборки снега, флакон для духов, писсуар и превратил их в арт-объекты — реди-мейды. Художник не менял предметы. Но выводил их из традиционного нехудожественного пространства в художественное. «Сделал ли господин Mutt фонтан своими руками или нет, неважно. Он сделал ВЫБОР. Он взял бытовое стандартное изделие, поместил его в необычную среду, да так, что в новой обстановке исчезло его привычное значение. Благодаря новому взгляду и новому названию он создал новую идею предмета», — писала Беатрис Вуд в статье о «Фонтане» Дюшана в журнале The Blind Man.
— Роберт Раушенберг начинал с оформления витрин, поэтому предметная организация пространства была ему близка.
Американский концептуалист придумал «комбинированную живопись» — на холст он добавлял предметы одежды, подушки, газетные вырезки. На это реагировали по-разному. Пол Шиммель из Музея современного искусства в Лос-Анджелесе описывал работы Раушенберга как «одни из самых влиятельных, поэтических и революционных произведений в истории американского искусства». А вот в одной из статей The Guardian их называли «ветхими гибридами между живописью и скульптурой, сценическим реквизитом и трехмерным ломом искусства». Использовал Раушенберг и чучела животных. Для своего знаменитого объекта «Monogram» художник приобрел чучело козы — в комиссионном магазине за $15. Чучело Раушенберг поставил на деревянную платформу, а сверху надел на него автомобильную покрышку.
— Еще один автор, который отыскивал материалы для своих арт-объектов в универмагах и на барахолках, — Иза Генцкен.
Биполярное расстройство не помешало ей стать одной из ведущих художниц арт-сцены Германии 80-х годов. Центральное место в ее работах занимают композиции из обыденных вещей. Для своих инсталляций она использовала гладильные доски и зонтики, искусственные цветы и сосновые шишки, вазы и игрушечные фигурки. При этом в работы Генцкен вкладывала актуальные послания. Так, инсталляция «Две гладильные доски» символизировала отчуждение женщины под гнетом домашних обязанностей.
— Еще один немецкий художник — Гюнтер Юккер — в середине 1950-х начал использовать в своих работах гвозди.
Он покрывал ими не только плоскость, но и готовые объекты: предметы мебели, музыкальные инструменты, бытовые принадлежности, превращая те в произведения искусства. В плоских же работах — принтах и рисунках — изображения гвоздей были для него своеобразным противопоставлением классической живописи.
— Трейси Эмин — ключевая участница движения «Молодые британские художники» — превратила в арт-объект не один бытовой предмет.
Например, обыкновенную палатку. В 1995 году Эмин представила инсталляцию «Все, с кем я спала в 1965-1995». Именами этих людей художница украсила стены палатки изнутри. Речь шла не только о любовниках Эмин, но и о ее родственниках и даже неродившихся детях. Спустя пару лет, в 1999-м, британка показала не менее скандальную инсталляцию «Моя кровать». Работа представляла собой неубранную постель самой художницы, в которой она провела несколько дней, находясь в депрессии. Вокруг кровати валялось окровавленное белье, пустые бутылки из-под водки и использованные презервативы.
— «Венера в лохмотьях» — одна из знаковых работ Микеланджело Пистолетто.
Римскую богиню итальянский художник установил спиной к зрителям, обращенной лицом к груде хлама. «Венера в лохмотьях» была создана в 1967 году — тогда же, когда возникло движение арте повера. Его представители, и в том числе Пистолетто, отказывались от привычного богатства культуры в пользу нехудожественных материалов. За два года до этого Пистолетто начал работу над серией «Объекты минус». Для нее художник использовал повседневные предметы: деревянный стол и стулья, лампу, сломанные рамы, ванну, одежду. «Это был приговор консюмеризму», — говорил Пистолетто.
— Современные художники продолжают создавать объекты из бытовых предметов.
Например, нью-йоркская художница Сара Зе. Ее скульптуры или, как их еще называют, конструкции, собраны из большого количества мелких хозяйственных предметов. Зе создает свои произведения по одной схеме. Она обходит окрестные хозяйственные магазины и скупает там мелочи — прищепки, провода, мелкие пластиковые товары. А затем строит, начиная с пола. «Я приношу в выделенное мне место все, что скупила поблизости, и размещаю эти обыденные вещи в пространстве так, чтобы в своем значении они возвысились от просто знакомого к личному и собственному», — говорит художница.
Ставьте лайк! И подписывайтесь на наш канал, чтобы узнавать еще больше интересного!
Хотите научиться понимать современное искусство? Покупайте нашу книгу, которая написана простым языком со множеством интересных примеров — «Как понимать современное искусство и как перестать его бояться» — в Читай-городе или Лабиринте.
