Пабло Пикассо - испанский художник, один из основоположников кубизма. Он оставил после себя огромное количество полотен, некоторые из них входят в список самых дорогих картин мира.
Особенности творчества художника Пабло Пикассо: его творчество принято делить на несколько основных периодов: ранние годы, «голубой», «розовый», «африканский», кубистический (аналитический кубизм и синтетический), неоклассический и сюрреалистический периоды и поздние годы. Каждый из этих творческих отрезков отличается рядом особенностей и по-своему интересен, но чаще всего художника все же рассматривают именно как одного из первых кубистов.
1. "Любительница абсента"
«Любительница абсента» не отличается оригинальным сюжетом. Одиноких людей за столиком кафе до Пикассо и после него изображали многие живописцы. Однако именно в исполнении испанского художника эта тривиальная сцена обретает отпечаток глубокой драмы. На картинах «голубого периода» Пикассо неоднократно будет изображать людей, похожих на героиню этого полотна («Два акробата (Арлекин и его подружка)», 1901, «Женщина с шиньоном», 1901, «Мужчина и женщина за столом», 1903). Более того, любителей абсента за стол в этот период он усадит еще дважды.
Женщина с описываемой здесь картины сидит в углу на фоне грязно-красных стен и, с одной стороны, кажется полностью погруженной в себя, а с другой – производит впечатление сжатой пружины. Окружающее пространство будто бы стискивает ее со всех сторон, а сама она обхватывает себя неестественно длинными пальцами, словно хочет занимать как можно меньше места. Этот эффект «невидимости» только усиливает ощущение отверженности, одиночества среди толпы, которое хоть раз в жизни испытывали большинство людей.
3. Семья комедиантов
Если бы у вас возникла необходимость составить впечатление о «розовом периоде» творчества Пабло Пикассо всего по одной картине, для этой цели как нельзя лучше подошла бы «Семья комедиантов». Это огромное полотно (одно из самых больших за всю жизнь художника) объединяет в себе сразу несколько отличительных особенностей: приглушенные цвета, делающие картину похожей на фреску, композиционное решение и, наконец, выбор героев.
В 1904 году Пикассо окончательно поселяется в Париже и знакомится со своей первой музой – Фернандой Оливье. Благодаря ей он становится завсегдатаем цирка Медрано, который находился неподалеку от студии художника на Монмартре. В частности, именно поэтому героями полотен «розового периода» чаще всего являются цирковые артисты. Они становятся для художника некой новой формой изгоев, которые пришли на смену несчастным, обездоленным и больным людям, населявшим его картины в предыдущие несколько лет.
Однако к этой теме Пикассо неоднократно обращался и в более ранних своих работах. Многие исследователи сходятся во мнении о том, что каждого своего Арлекина художник писал с себя. В некоторой степени он отождествляет себя со всеми героями картины, тонко ощущая и передавая их двойственность. С одной стороны странствующие циркачи являлись для него олицетворением внутренней свободы и независимости, а с другой – едва ли сложно понять, что постоянные переезды и выступления на потеху публики были для этих людей единственным способом выжить.
Что же касается остальных героев полотна, то маленькую девочку, которую Арлекин держит за руку, искусствоведы считают данью памяти сестре художника Кончите, скончавшейся от дифтерии в 1895 году. Считается, что толстый шут изображает Гийома Аполлинера, а прототипами для старшего мальчика акробата по разным версиям стали поэты Макс Жакоб и Андре Сальмон. Сидящая на земле женщина, которая отделена от группы и композиционно, и эмоционально, - это, скорее всего, возлюбленная Пикассо Фернанда Оливье.
Сохранилось несколько предварительных набросков «Семьи комедиантов», на которых видно, что изначальным фоном для циркачей служил ипподром, но в конце концов художник заменил его пустынным пейзажем, похожим на виды его родной Андалусии. Теплые, прозрачные цвета создают ощущение вибрации воздуха, окружающего героев полотна. А лишенный какой бы то ни было жизни фон подчеркивает обособленность этой маленькой группы, обреченной на постоянное бегство и невозможность найти свое место в мире.
3. "Девочка на шаре"
Начиная с 1905 года настроение картин Пикассо ощутимо меняется. Художник уже почти оправился после самоубийства своего друга Касагемаса, в его жизни наконец-то наступила светлая полоса. Изменения происходят постепенно, и чем больше Пикассо переживает радостных моментов, тем больше жизни появляется в его работах. В первую очередь это отражается на цветовой гамме картин: на смену холодным оттенкам синего и серого приходят теплые, приглушенные цвета – красный, розовый, оранжевый, коричневый. Но предпочтение Пикассо отдает розовому, который и дал название новому периоду в творчестве художника.Картину Пикассо "Девочка на шаре" можно назвать неким синтезом "голубого" и "розового" периодов. Она удивительным образом совмещает в себе и неуловимую тревожность первого, и легкую безмятежность второго. Это как будто столкновение прошлого и будущего в одной точке, видимая трансформация творческих методов и приемов Пикассо. Противоречие усиливается и за счет использования двух разных цветовых палитр, и за счет противопоставления главных героев картины.
4. Авиньонские девицы
Пикассо кардинально меняет свой стиль в один момент. С одной стороны это уже практически кубизм в чистом виде, но в то же время лица героинь полотна имеют неоспоримое сходство с масками, что было свойственно «африканскому периоду» в творчестве художника.
Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене».
Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены.
5. Герника
26 апреля 1937 года над городом Герника, историческим и культурным центром Страны Басков, разверзся ад. Около 16:30 началась двухчасовая бомбардировка города немецким легионом «Кондор». За ней последовал масштабный пожар, превративший Гернику в руины. По данным из разных источников, бомбардировка унесла жизни от нескольких сотен до нескольких тысяч человек. Страшнее всего тот факт, что большинство погибших были женщинами и детьми, поскольку основная часть мужского населения в то время была вовлечена в боевые действия испанской Гражданской войны.
Трагические новости с родины не смогли оставить Пикассо, неоднократно заявлявшего о своей аполитичности, равнодушным. В то время художник работал над полотном для Испанского павильона на предстоявшей Всемирной выставке в Париже. Узнав о бомбардировке Герники, художник мгновенно меняет концепцию и берется за новое полотно, ставшее одним из самых мощных художественно-политических заявлений в истории.
«Герника» Пикассо стала вечным напоминанием об ужасах войны и одним из самых знаменитых антивоенных символов. Монументальное полотно размером почти четыре на восемь метров, написанное в рекордно короткие сроки (работа над картиной заняла у Пикассо немногим больше месяца - с 1 мая по 4 июня), изображает не абстрактных героев на поле боя, подвиги которых будут неоднократно воспеты. Пикассо пишет самых обычных людей, имена которых не напишут в учебниках истории, но именно они во все времена становились истинными жертвами любой войны. Художник не случайно выбрал для «Герники» такую черно-белую гамму, и даже чисто белого цвета здесь нет, есть только разные оттенки серого. Для Пикассо мир, по которому прокатились колеса войны, - это мир, лишенный красок, мир, из которого ушла сама жизнь.
Существует множество интерпретаций картины, которые часто противоречат друг к другу. В частности, это касается изображенных на полотне быка и коня. Некоторые критики утверждали, что картину не стоит воспринимать как политическое высказывание, поскольку образ быка или Минотавра символизирует здесь в первую очередь эго самого Пикассо. Однако, комментируя полотно, художник заявлял, что бык – это зло и жестокость, олицетворением которых накануне и во время Второй Мировой войны стал фашизм. По словам Пикассо, раненый конь символизирует жителей Герники, пострадавших и погибших в кровавой бойне. Но, несмотря на несомненную мрачность полотна и ужас, который оно вселяет, художник оставляет его героям и зрителю надежду в виде мирно горящей лампы под абажуром.
Автор
Член Scientists of test tubes
AimaSkeli
Labomember 001
