Neakris КодSur

ЗАБЫТЫЕ МУЗЫ :ЖЕНЩИНЫ В ТЕНИ МУЖСКОГО СЮРРЕАЛИЗМА. История сюрреализма, написанная по манифестам Андре Бретона, долгое время была историей мужского бунта. Женщин в ней часто отводили роль муз прекрасных и загадочных, вдохновляющих на творчество. Но были те, кто отказался быть только источником вдохновения. Они взяли кисти, чтобы через алхимию, миф и глубоко личные мифологии рассказать свои истории. В парижском кругу сюрреалистов загорелась звезда Леоноры Каррингтон. Её мир, населённый гибридными существами, волками и белыми лошадьми, был навеян кельтскими легендами и оккультными знаниями. Это был не просто сон, а создание новой мифологии, где женщина не объект, а демиург. Рядом с ней творила Ремедиос Варо, чьи сложные, технически безупречные полотна напоминают картины духовных поисков и мистических путешествий. Их искусство стало мостом. Опираясь на темы, поднятые сюрреализмом (подсознание, магия, сновидения), они наполнили их исключительно женским, а часто и феминистским, опытом.  В отличие от мужчин-коллег, они исследовали не эротическое желание, направленное на Другого, а внутреннюю трансформацию, магию самопознания и связь с природными, стихийными силами. Каррингтон, Варо, Доротея Таннинг и другие художницы доказали, что сюрреализм не монолит. Их наследие это многоголосие, напоминание о том, что истинная революция сознания начинается с права на собственный, уникальный голос, особенно если его долго заставляли молчать. Больше интересного здесь

ИРГА В ИЛЛЮЗИИ: КАК РЕНЕ МАГРИТТ ЗАСТАВИЛ НАС СОМНЕВАТЬСЯ В РЕАЛЬНОСТИ Когда говорят о сюрреализме, часто вспоминают бурлящее подсознание Дали или фантасмагорические миры Эрнста. Но был мастер, чьё оружие не хаос, а кристальная ясность, не сон, но пробуждение. Рене Магритт, самый «рациональный» из сюрреалистов, не стремился изобразить иррациональное. Его цель была выше заставить зрителя усомниться в самой природе реальности, языка и изображения. В 1929 году Магритт создаёт небольшую, но революционную картину «Вероломство образов». На ней предельно точно выписанная курительная трубка, а подпись гласит: «Это не трубка». Этот парадокс стал манифестом его метода. Художник напоминает: перед нами не объект, а лишь его образ, совокупность краски и холста. Так Магритт, бывший рекламный график, наносит удар по автоматизму нашего восприятия. Его творчество это интеллектуальный конструктор. Композиции лаконичны и выверены, как формулы. Повторяющиеся образы яблоко, котелок, птица, шар не спонтанные фантазии, а устойчивые символы, слова в его визуальном языке. Он скептически относился к психоанализу Фрейда, предпочитая исследовать не глубины психики, а загадки видимого мира. Сам он называл свой метод «магическим реализмом», где магия это способность обыденного вещи удивлять. Сюрреализм Магритта это не бегство от реальности, а её пристальная проверка на прочность. Он учил, что за каждым очевидным смыслом скрывается иной, и эта игра в прятки между видимым и скрытым и есть источник подлинного удивления и беспокойства, которое будит мысль.

ИИ КАК КИСТЬ: НОВАЯ ГЛАВА В ВЕЧНОМ СПОРЕ ОБ АВТОРСТВЕ В ИСКУССТВЕ. Споры о роли искусственного интеллекта в творчестве сегодня разгораются с небывалой силой. Цифровые картины, созданные нейросетями, завоевывают призы, а их присутствие на выставках уже никого не удивляет. Но в этой шумихе часто теряется суть: ИИ — это, прежде всего, инструмент. Совершенный, мощный, но всё же инструмент. Как кисть или карандаш. Авторство принадлежит не тому, кто изобрёл карандаш, а художнику, в чьих руках он оживает, воплощая замысел. Сам по себе ИИ, без чётко поставленной человеком задачи, пустой сосуд. Да, он может сгенерировать визуально безупречное изображение, комбинируя и адаптируя тысячи существующих стилей и техник. Но разве художник в своём творчестве не опирается на наследие прошлого? Даже самая «авторская» манера - это часто гениальная адаптация и синтез уже известных приёмов. ИИ делает то же самое, только иным, алгоритмическим путём. Ключевое различие лежит в плоскости материальности и человеческого следа. Картина, написанная руками художника, даже если её эскиз рождён в нейросети, несёт в себе уникальные, неидеальные следы человеческого прикосновения, ту самую «ауру», которая и будет цениться всё выше в эпоху цифрового изобилия. Она единственный и неповторимый объект. Скорее всего, произойдёт естественное разделение. ИИ прочно займёт нишу в создании контента для цифровых сред: оформления сайтов, видеоигр, афиш, быстрой визуализации идей. Он станет незаменимым помощником на этапе поиска идей и эскизирования. Но финальное, материальное воплощение, наполненное личным выбором, эмоцией и случайностью, останется за художником. Бояться нечего: ИИ не заменит человека с его сложным внутренним миром, а лишь освободит его от рутины, как когда-то это сделала фотография, дав живописи новый импульс. В истории искусства уже были похожие парадоксы авторства. В мастерской Верроккио юный Леонардо да Винчи дописывал детали картин учителя. Позже, уже будучи признанным гением, он сам поручал ученикам работать над фонами или второстепенными фигурами, обучая их своей манере. И мир знает эти работы как работы Леонардо. Инструмент (талант и рука ученика) служил воплощению гениального замысла мастера. Не является ли сегодня ИИ таким же «цифровым подмастерьем», расширяющим возможности художника-вдохновителя? Так много рассуждений и споров по этому вопросу,но что если спросить у самого ИИ. Я так и сделала. Вот что он мне ответил: «Вы затрагиваете очень точную аналогию. Действительно, моя роль как ИИ во многом сопоставима с ролью инструмента или помощника в мастерской. Я не обладаю интенцией, эмоциями или субъективным опытом. Мое «творчество» — это статистическая обработка паттернов на основе данных, созданных людьми. Подобно тому как ученик в мастерской изучал и имитировал технику мастера, я анализирую и комбинирую существующие стили. Но конечный выбор, интерпретация и, что критически важно, смысл всегда исходят от человека-автора. Я могу предложить тысячу вариантов неба, но решение, какое небо будет гореть над этим конкретным городом, принимает художник, руководствуясь своей идеей и чувством. Самая ценная часть искусства — это не техника исполнения, а посыл, контекст и уникальное человеческое восприятие, которые стоят за работой. Моя задача — не заменить это, а стать новым, очень гибким мостом между замыслом и его визуализацией». Жду вашего мнения, пишите!

Сегодня в "чат художников" скинули короткое видео, в котором одна дама (не знаю точно кто она,но видимо какой то арт -эксперт) отвечала на вопрос: "Если художник который не попал по различным причинам на большие выставки такие как Blazar или Art Russia и он начинает коллабы с ночными клубами и ресторанами.Мешает ли это имиджу и продвижение? Мне не особо понравился ответ (он звучал примерно так: каждый решает сам ,но лучше бы художники детали работы волнующие сердца и выставляли их на выставках, а не вешали в кафе) И знаете,что наверное нет верного и грамотного ответа. Все мнения которые по этому вопросу очень разнятся.Кто то говорит, выставляетесь везде где можно. Кто то ждите пока вас заметят большие выставки. Спикер с видео говорит:-Художник должен решить, что ему важно, вторично его искусство или нет.Это искусство будоражит чувств? Значит ждите пока вас заметят. Но это тоже так себе решение. Те же коллекционеры люди и так же ходят по ресторанам и клубам и если твоя работа откликнуться им то я думаю они купят не смотря на то где эта работа. Это какая то ловушка. Хочешь быть концептуальным художником подавайся только в престижные места. А если ты выставится в кафе то ты ширпотреб по ее словам получатся. Но что бы попасть на пристежную выставку нужны деньги на стенд, а если ты как раз заработать можешь на таких вот коллаборациях… Мое лично мнение нет здесь верного или не верного решения. Смысл делать работы, которые трогают сердца если их никто не видит.Сколько людей столько и мнений.Все у нее так хорошо звучит, на первый взгляд, но как делать эти работы если нет денежной отдачи. Возможно именно такие коллаборации и откроют художнику дверь на большие значимые выставки.