Многие меломаны вполне резонно полагают, что гитарные соло лучше всего выражают саму суть рок-музыки. За всю историю её существования они не только яркими жемчужинами вписаны в историю этого жанра, но и воссияли путеводным маяком среди хаоса жанрового многообразия. Бесспорно, это одна из самых великих форм исполнительского искусства во всей современной музыке.
Некоторые из них длятся несколько минут, исследуя бездны вселенной. Другим требуется всего несколько секунд, чтобы произвести неизгладимое впечатление. Гитарный трип может быть криком души, полным ярости, радости, жажды, боли, а может быть, и всего сразу. Среди бесчисленного разнообразия у каждого фаната есть свои любимые, поразившие нас настолько, что мы готовы часами их смаковать, растягивая эстетическое удовольствие и вслушиваясь в нюансы.
Оценить эти сольные экзерсисы непросто: в истории рок-музыки сохранился огромный массив гитарных соло, достойных и признания, и самого пристального внимания. Помимо этого, каждое соло индивидуально, зачастую завязано на мелодической линии произведения и в некоторой степени законченно совершенно само по себе. И каждый любитель составил бы свой именной список «величайших гитарных соло всех времён», и в этом вся суть.
Тем ни менее, периодически проводятся попытки провести некий классификационный рейтинг, что само по себе довольно странная идея, ведь музыка, – она всё же, не из категории точных наук, где можно чётко и предельно ясно описать параметры, по которым будет производиться сам отбор и последующая градация композиций. Но согласитесь, это же так чертовски заманчиво – выбрать из сокровищницы горсть бриллиантов и расставить их в определенном порядке по значимости. Пусть даже здесь будут присутствовать личные вкусовые предпочтения – что с того.
Многие издания регулярно проводят опросы среди своих читателей, журналистов и музыкантов в качестве экспертов, дабы определить некие «объективные» списки, сформированные по их итогам. Это дань уважения традиции и всем сопутствующим ритуалам. Последним по времени была редакция журнала «Rolling Stone», собственными силами сформировавшая такой перечень «величайших гитарных соло». Некоторые из них являются культовой классикой, другие настолько популярны, что даже запрещены к проигрыванию в гитарных магазинах.
Этот список представляет собой потрясающую смесь разных жанров, поколений и грувов. «Мы путешествуем по истории вместе с пионерами блюза, хиппи-джэммерами, панк-рокерами, воинами метала и фанка. У нас есть такие легенды, как Джимми Пейдж, Джерри Гарсия и Джими Хендрикс, а также опытные слингеры Сент-Винсент и Джон Майер и молодые бунтари. Критерием являются не продажи или ротация в эфире, а только великолепие шестиструнной музыки. Мы также приняли во внимание, что соло создаёт песню, а не просто повторяет мелодическую линию».
Наверняка, этот список многим покажется спорным, будет горячо обсуждаться и даже осуждаться. Мне представляется, что правильнее всего к этому отнестись как к чему-то занимательному, и не более того. Всего журнал опубликовал сотню «величайших гитарных соло», я из этого всего ограничился лишь топом-50. Соло представлены в обратном порядке. Поехали.
50. St. Vincent «Rattlesnake» (2014)
Энни Эрин Кларк (сценическое имя St. Vincent) открывает свой одноимённый альбом 2014 года песней «Rattlesnake», где она описывает, как встречает гремучую змею, разгуливая налегке по ранчо в Западном Техасе. «Это было чертовски страшно», – вспоминает Энни. Песня – просторная и леденящая кровь, а её соло – исполненное на её фирменной гитаре «Ernie Ball Music Man» – передаёт это жуткое ощущение в жестокие, захватывающие отрывки, разрывающиеся между свободой и надвигающейся гибелью. «Многие мои гитарные герои – это гитарные антигерои, такие как Роберт Фрипп, Адриан Белью, Марк Рибо», – рассказывала Кларк, – «такие люди, от которых волосы на затылке встают дыбом, потому что их ноты пробирают».
49. Sonic Youth «The Diamond Sea» (1995)
Гитаристы Sonic Youth, Ли Раналдо и Терстон Мур, всегда были бесстрашными импровизаторами, начиная с первых нью-йоркских авангардных панк-нойзовых дней. Но Раналдо был в душе фанатом американской рок-группы Grateful Dead, и эта сторона Sonic Youth расцвела на альбомах 90-х, таких как «Washing Machine» и «A Thousand Leaves». «The Diamond Sea» – это свободная, 20-минутная буря, которая каждую ночь уходила в новое направление. «Мы часто использовали слово «экстраполяции» как обозначение места для отправного пункта исследования», – рассказывал Раналдо. – «И это очень по-Grateful Dead-овски. Это не единственное: это может быть одновременно похоже на Джона Колтрейна или Альберта Эйлера. Эти люди делали то же самое – начинали с основы, потом отключались на 20 минут и вновь возвращались к теме». Джон Освальд, продюсер «пландерфоника», который смешал когда-то «Dark Star» Grateful Dead, придаёт такую же обработку композиции Sonic Youth, перенеся разные 32 живые версии в текущую компиляцию «The Diamond Seas».
48. Joe Satriani «Surfing With the Alien» (1987)
Если и есть гуру шред-гитары, то это, без сомнения, Джо Сатриани, чьи знаменитые ученики включают героев шестиструнной, таких как Стив Вай, Кирк Хэмметт из Metallica и Алекс Сколник из Testament. Его альбом 1987 года «Surfing With the Alien» стал обязательным для каждого начинающего гитариста того времени и получил «золотой» сертификат. «Заглавный трек альбома был записан под большим давлением, потому что мы опоздали с выходом из студии в тот день», – рассказал Сатриани. Он по-прежнему звучит так же круто, скользя с максимальной сдержанностью и используя педаль «wah-wah», чтобы вызволить из гитары вокальную выразительность. По мере развития композиции Джо увеличивает количество нот в секунду – невероятно быстрым использованием медиатора и ловкими неоклассическими пассажами, не оставляя сомнений в том, что он такой же мастер, как и любой из его звёздных учеников.
47. Howlin’ Wolf «Spoonful» (1960)
Хаулин Вулф сделал свой собственный вид блюза злым, но угроза в его музыке исходила от его правой руки – Хьюберта Самлина, который вызывал эти пугающие гитарные звуки. Коллеги-гитаристы произносят его имя с редким восхищением. «Я люблю Хьюберта Самлина», – однажды сказал Джимми Пейдж. – «Он всегда играл правильно, в одно и то же время». Он повторял рычание Вулфа мрачными риффами, такими как «Smokestack Lightning» и «Killing Floor», а также резкими соло – вроде «Spoonful». Он был ещё ребёнком, когда впервые встретил Вулфа – тайком пробравшись на одно из его концертов – но стал его гитаристом в 1954 году, сформировав самый культовый дуэт певца и гитариста в истории блюза. «Мы были как отец и сын, хотя у нас были серьёзные ссоры», – вспоминал Самлин. – «Он выбил мне зубы, а я его вырубил. Всё это не имело значения. Мы всегда сразу же сходились».
46. The Rolling Stones «Sympathy for the Devil» (1968)
Взгляд «Роллингов» на мир, вращающийся от своей оси в 1968 году, может похвастаться солом Кита Ричардса – строгим, лаконичным и воплощающим простую элегантность. Как оно вылетает и оставляет паузы между первыми несколькими всплесками! Эти согнутые высокие ноты! Этот быстрый всплеск, который звучит как «SOS» прямо перед тем, как группа возвращается к припеву! Это тот самый сольный номер, который взрывается в середине песни, но никогда не превращается в яркое, виртуозное фейерверковое шоу, затмевающее его. В 1969 году, когда журнал «Rolling Stone» спросил его о предстоящем альбоме «Let It Bleed», Ричардс отметил, что там много узких мест, добавив: «Я действительно застрял на этом, когда мы делали Sympathy for the Devil». Однако его задержки окупились. Сатанинское величие этого соло до сих пор вызывает восхищение и всё ещё настоящую дрожь.
45. The Velvet Underground «I Heard Her Call My Name» (1968)
К моменту основания The Velvet Underground Лу Рид уже был мастером всех ритмов рок-н-ролла (Бо Диддли и Чака Берри, серфинга, ду-вопа, рокабилли и ритм-энд-блюза) до такой степени, что мог играть любой стиль музыки и давать ему непристойную пульсацию. Но он действительно сорвался в «I Heard Her Call My Name» – взрыве обратной связи от авангардного панк-опуса «White Light/White Heat» (второго студийного альбома группы – прим.). Он черпал вдохновение из фри-джаза: «Я много слушал Сесила Тейлора и Орнетта Коулмана и хотел получить что-то подобное с атмосферой рок-н-ролла». В кульминации Рид заявляет: «А потом моё полумление раскрылось!» Затем он погружается в безумное соло, которое запустило миллион нойзовых групп, в то время как Стерлинг Моррисон, Мо Такер и Джон Кейл бьют этим примитивным бэк-битом. Это самый громкий, жестокий, самый ошеломляющий момент для The Velvet Underground.
44. Rage Against the Machine «Killing in the Name» (1991)
Ещё до того, как Rage Against the Machine сыграли хотя бы один публичный концерт, они уже отработали основу для своего дебютного сингла «Killing in the Name» – поколенческого призыва к действиям, который остаётся их фирменным произведением и единственным в каталоге, превышающим миллиард прослушиваний на портале «Spotify». Основной рифф пришёл к Тому Морелло, когда он давал уроки игры на гитаре, чтобы оплачивать счета. «Я показывал этому молодому человеку, как делать строй Drop-D», – вспоминал Морелло в 2025 году. «А потом я подумал: «Подожди секунду». У меня есть маленький кассетный магнитофон, я нажал запись, сохранив это для себя». Песня достигает кульминации хаотичным гитарным соло, которое звучит так, будто Морелло каким-то образом объединил свой инструмент с проигрывателем. Секрет идеального звучания: поставьте педаль «whammy» на две октавы выше.
43. Wilco «Impossible Germany» (2007)
Трудно вспомнить гитариста XXI века, более ассоциированного с конкретным соло, чем Нельс Клайн с «Impossible Germany» – краеугольным камнем любого живого выступления Wilco. Клайн говорил, что ему не очень нравится тон, в котором он играет соло: «Немного триольно для меня, но почти каждую ночь на сцене он расширяет сновидческий транс двух с половиной минутного выступления в студийной версии «Sky Blue Sky» 2007 года. Все – от певца и автора песен Джея Сома до любителей джемов – влюбились в соло Клайна, которое погружается, летит и сверкает, не отходя слишком далеко от самой песни, прежде чем переплетается с основным риффом, исполненным Джеффом Твиди и Пэтом Сансоном. Это главное событие любого шоу Wilco, и на то есть веские причины.
42. The Band (It Makes No Difference) (from «The Last Waltz», 1976)
Соло Робби Робертсона в «It Makes No Different», особенно версия на «The Last Waltz», – это мастер-класс по тону и настроению. Она достигает самого конца баллады, до этого момента определяемая разрушительным вокалом Рика Данко – потрясающим выступлением, которое Робертсон повторяет своим собственным. Вместо того чтобы броситься в водопад плача, Робертсон берёт острые ноты, пронзающие сердце. Его гитара, кажется, ломается, сбивается и спотыкается, как у Данко, когда он напрягается в поисках строк вроде: «Ну, я так сильно тебя люблю / И это всё, что я могу сделать». Не менее важным является то, как сольное партии Робертсона сочетаются с саксофоном Гарта Хадсона в аутро. Если Робби озвучивает тысячу разбитых моментов, то Хадсон придаёт «It Makes No Difference» катарсический всхлип, которого песня заслуживает.
41. Elvis Presley «That’s All Right» (1954)
Ускоренная версия Элвиса Пресли 1954 года песни Артура «Биг Боя» Крудапа «That's All Right» помогла сформировать звучание и дух рок-н-ролла, и большая часть её величия связана с гитарным соло Скотти Мура. Поначалу в мемфисской студии «Sun» после записи множества дублей разных баллад ничего выразительного не выходило, и было решено сделать перерыв. Тут Пресли стал наигрывать на гитаре «That’s All Right», к нему присоединились Блэк и Мур. Этой блюзовой композиции музыканты придали неожиданный ритм. Услышавший их игру, глава студии Сэм Филлипс спросил музыкантов, что они играют. Те признались, что сами не знают. Филлипс попросил их начать песню сначала; после нескольких проб интерпретация Пресли – кокетливая и озорная – была записана. Мур отвечает здесь голосу Элвиса рокабилли-риффами, которые не менее игривы. «Билл Блэк начал просто хлопать по басу. И то, что они делают, звучало довольно хорошо, поэтому я начал играть с ними какую-то ритмическую музыку», – вспоминал позже Мур. Это хорошее время, которое изменило историю.
40. Bonnie Raitt «Three Time Loser» (1976)
В танцующей слайд-гитаре Бонни Рэйтт в этой R&B-прогулке, впервые прославленной Уилсоном Пикеттом в 60-х, нет ничего театрального, эффектного или самовлюблённого. Рэйтт впервые записала эту песню на своей классике 1977 года «Sweet Forgiveness» и с тех пор превратила её в живую жемчужину. Слайд-соло – это полный старт-стоп-стаккато и точный ритм. Всё едва заканчивается, когда ты понимаешь, что всё только началось. «Я сама научилась играть», – однажды сказала Рэйтт о своём фирменном стиле слайдов, – «поэтому мои позиции рук не на сто процентов правильны – и я надела слайд не на тот (средний – прим.) палец».
39. Phish «Stash» (from «A Live One», 1995)
«A Live One», первый официальный живой релиз Phish, содержит отличные версии классического репертуара группы, наполненные одними из самых ярких соло Трея Анастасио. В других местах он более мелодичен, но «Stash» выделяется своей агрессивной, эксцентричной игрой. Песня начинается с формальности струнного квартета, где каждый участник группы играет чётко озвученные партии, после чего Анастасио и клавишник Пейдж Макконнелл начинают дергать ниточки. Гитарист взрывается со стремительной интенсивностью, играя повторяющийся рифф, который ведёт группу в открытый космос. По мере нарастающей насыщенности они готовы к разрыву, затем отступают к риффу и групповому вокалу и безопасно приземляют корабль. Это тот тип коллективного взаимодействия из плотной композиции, который отражает Phish в их вдохновлённых лучших проявлениях.
38. B. B. King «Sweet Sixteen» (1970)
Когда в 50-х годах появился Би Би Кинг, он изменил то, как люди воспринимали гитару. Как сказал Бадди Гай: «До Би Би все играли на гитаре, как на акустике». Кинг изменил это своим флэшом с изгибанием струн своей «Gibson Lucilles», которую он мог заставить плакать, как настоящую женщину. Он перенял свой блюзовый стиль у своего кумира – Ти-Боун Уокера, но доработал его в хитах вроде «Sweet Sixteen», заставляя всех возжелать играть как он. «Каждый электрогитарист, которого ты слушаешь, в нём есть немного от Би Би», – сказал Гай. – «Он был отцом сжатия струны на электрогитаре». «Sweet Sixteen» стала символом возвращения блюзовой короны Кингу в 1970 году после неудачной серии поп-баллад. Он прославился этой эпической версией на битве Мухаммеда Али и Джорджа Формана «Rumble in the Jungle» в Заире в 1974 году – где его гитара заставила Али подпрыгнуть со своего места.
37. Rush «Limelight» (1981)
Вклад Алекса Лайфсона в Rush незаменим, что он демонстрирует в «Limelight» – ведущем сингле с альбома группы «Moving Pictures» 1981 года. Громоздкий тембр Лайфсона и мерцающие пауэр-аккорды придают вступительному риффу и куплетам – оба исполненные в странных размерах – мощь арена-рока, а его лирический подход и непоколебимая экономия делают сольную часть «Limelight» такой выразительной. Лайфсон начинает с серии продолжительных нот и контролируемой обратной связи, всё это выполнено идеально управляемыми погружениями тремоло и вибрато, и только затем переходит в серию восходящих гаммовых паттернов, которые достигают кульминации в вопящем изгибе верхнего регистра. «Соло отражает эмоциональный характер песни», – рассказывал гитарист. – «Ощущение отчуждённости жизни на сцене и одиночество, которое с этим связано».
36. The Kinks «You Really Got Me» (1965)
Изначально Рэй Дэвис написал «You Really Got Me» на фортепиано, но к моменту завершения песни The Kinks уже создали безумный рокер с искажённым гитарным звучанием дисторшна, который навсегда изменил будущее гитарного саунда. Вступительный рифф стал легендарным, а дикое, жилистое соло Дэйва Дэвиса привнесло совершенно новый вид хаоса в рок. Они получили тот самый грубый звук, когда Дэйв сделал два надреза бритвой на диффузоре динамика своего комбика. Неудивительно, что чуть больше десяти лет спустя Van Halen решили включить калифорнийскую версию «You Really Got Me» на свой дебютный альбом. Это то самое место, где родился раскатистый грохот хэви-метал.
35. The White Stripes «Ball and Biscuit» (2003)
Можно возразить, что все семь минут и восемнадцать секунд «Ball and Biscuit» считаются одним длинным соло или серией, плотно сплетенной в одно крутое лоскутное одеяло из блюз-рока. Джек Уайт усиливает фузз на педали «Big Muff», пропитывая искажения и пронзительные ноты, которые контрастируют с его неизменными текстами в стиле «Spoken Word». Тем временем Мег Уайт – опора, поддерживающая его в этом диком путешествии с минимальными, но страстными барабанами. Это командная работа одного из величайших рок-дуэтов, делая её не просто центральной частью «Elephant», но и окончательным заявлением The White Stripes, которое Боб Дилан так любил, что настоял на исполнении её вживую с Уайтом в 2004 году.
34. Sister Rosetta Tharpe «Strange Things Happening Every Day» (1944)
Некоторые могут считать это первым гитарным соло в стиле рок-н-ролл. Другие просто считают её первой рок-н-ролльной песней. Выпущенная в 1944 году «Strange Things Happening Every Day» стала первым хитом Сестры Розетты Тарп, переходившим из госпела в ритм-энд-блюз, или то, что тогда «Billboard» называл «гоночными пластинками». Если бы она записала только эту песню, её влияние на рок-н-ролл было бы невозможно переоценить, не в последнюю очередь из-за сдержанного восторга, ярости и кайфа, которые она передала в своём 25-секундном гитарном соло.
И в эти 25 секунд можно услышать захватывающий рассвет новой эры послевоенной американской жизни. «Её ритмический подход», – пишет Джеймс Пероне в своей книге «Listen to Soul!», – «занимает середину разрыва между свинговым ритмом на основе триолей остальной группы и прямыми восьмыми нотами, которые начали характеризовать рок-н-ролльную музыку».
33. Dire Straits «Sultans of Swing» (1978)
Рок-гитарные хиты 70-х почти всегда стремились к громкой, огромной, наполняющей арены мощи. Марк Нопфлер из Dire Straits пошёл в другом направлении со своим ловким и сложным фингерстайлом и ярким, чистым звучанием, которое он получил в песне «Sultans of Swing» от своего надёжного «Fender Stratocaster» 1961 года. Его первое соло – 30 секунд воздушной, точной красоты, которая временами почти звучит как буги-блюз на стальной гитаре. Второе – расслабленная молния, которая достигает кульминации в пылающих арпеджио. Но когда даже ноты летят как сумасшедшие, его игра кажется холодной, аккуратной и разговорной. Это было всемирное знакомство с Dire Straits, и оно стало их самым большим хитом на многие годы. «Что касается самого соло», – вспоминал Нопфлер, – «это было примерно то, что я играл каждый вечер».
32. The Beatles «Something» (1969)
Всё, что нужно – это 26 секунд сладкого, лоу-джейн дисторшна – исполненного самим гитарным маэстро Джорджем Харрисоном, в тонах, более похожих на фортепиано – чтобы создать одно из самых динамичных и запоминающихся соло в песняграфии «Битлз». Дополненная нарастающими струнными, «Something» – это нечто в своей удивительной простоте. «На материал Джорджа особо не обращали внимания – настолько, что он попросил меня остаться после того, как все остальные уйдут», – рассказывал инженер Глин Джонс, записывавший демо песни. – «Он был ужасно мил, как будто навязывался мне. А потом он заиграл песню, которая просто сразила меня наповал».
31. Black Sabbath «War Pigs» (1970)
Тони Айомми давно утверждает, что он не писал канонические риффы и соло Black Sabbath, а скорее создавал их через обширные джемы, основанные на настроении. И почти всегда атмосфера была мрачной. Классический антивоенный гимн группы «War Pigs» 1970 года начинается с мрачного гитарного дрона и сирен воздушной тревоги, чтобы задать атмосферу, но именно выразительное соло Айомми по-настоящему передаёт апокалиптическое настроение песни. Известный тем, что отказывается от технических демонстраций ради создания кинематографически насыщенной ауры, Айомми открывает соло своим фирменным грязным минорным блюзом, но его сырой, импровизационный стиль приводит к хаотичному, дезориентирующему потоку искаженных нот и продолжительной обратной связи, которая передаёт страх и замешательство того времени и ярко оживляет жёсткие тексты Гизера Батлера.
30. The Isley Brothers «That Lady, Pts. 1 & 2» (1973)
Можно сказать, что Эрни Айсли родился для роли гитарного героя: он вырос ребёнком в семье, наблюдая, как его старшие братья царят как одна из крупнейших R&B-групп 60-х. В течение нескольких лет в начале десятилетия в семейном доме жил один гастролирующий гитарист – будущая суперзвезда по имени Джими Хендрикс. И The Isley Brothers подняли свой уровень, когда Эрни присоединился к ним, будучи ещё подростком. Летом 1973 года «That Lady» звучала повсеместно – соблазнительный соул-хит, движимый фуззированным в стиле Джими «Стратокастером», который воет сквозь «Big Muff» и фазовый сдвиг «Maestro PS-1A». Когда он его сделал, его первая реакция была: «Я сыграл не то, вот же дерьмо.» Но на следующий день он спросил: «О чём я говорил?» Соло стало ориентиром хип-хопа, используя сэмплы из него в классике от Beastie Boys («A Year and a Day») до Кендрика Ламара («I»).
29. The Rolling Stones «Can’t You Hear Me Knocking» (1971)
Определяющий момент пятилетнего пребывания Мика Тейлора в «Роллингах» произошёл практически случайно во время сессий 1970 года для альбома «Sticky Fingers». «Мы даже не знали, что они всё ещё записывают», – позже вспоминал Кит Ричардс. «Мы думали, что уже закончили». Вместо этого запись продолжала работать, чтобы запечатлеть фантастическую грув-одиссею, завершающую эту песню, с 21-летним молодым искусником, который поднял её до величия Карлоса Сантаны. «Мне нравится думать, что я добавил немного остроты», – рассказывал Тейлор. – «Чарли (Уоттс) говорил, что я привнёс «изящность». Я придерживаюсь того, что сказал Чарли.»
28. Santana «Black Magic Woman» (1970)
Многое из стиля игры на гитаре Карлоса Сантаны связано с его широким, всенаправленным диапазоном влияний: он научился играть у своего отца, музыканта мариачи, и вскоре включил ещё и латиноамериканский джаз и блюзовые интонации, создавая совершенно сверхъестественный, плавный стиль. Многое из этого определяет соло в «Black Magic Woman» – блюзовой классике, написанной Питером Грином и впервые популяризированной Fleetwood Mac. В ловких руках Сантаны песня внезапно получила живой всплеск новой энергии, смешанной с перкуссией, управляемой конгами. Звучание придало песне новую силу, сохраняя при этом динамичное соло Грина, добавляя штрих Сантаны – классический, лёгкий и немного задерживающийся в ритме.
27. Metallica «One» (1988)
Всё, что Кирк Хэмметт знает о гитаре, содержится во втором соло прорывного хита Metallica «One» – отскакивающие триоли, заглушившие джазовые повороты, блюзовые изгибы, эмоции «вау-вау». Его игра отражает все уроки, полученные у Джо Сатриани, и его собственную изобретательность, когда он набирался опыта в Metallica, сопоставляя мелодичность соло «Fade to Black» с огненными залпами «Master of Puppets». «Я много не спал из-за этого набора гитарных соло», – однажды сказал Хэмметт. – «Главное гитарное соло в конце, с правой рукой, в стиле Эдди Ван Халена, было почти сразу... То, что происходило с ритм-секцией в той части песни, было для меня очень, очень захватывающим для сольного исполнения». Ещё более захватывающе слушать всё это вживую.
26. Cream «Crossroads» (1968)
Когда пауэр-трио Cream в 1968 году исполнило в «Winterland Ballroom» свою интерпретацию песни «Crossroads» – версию, которая встречается на их третьем альбоме «Wheels of Fire» – соло, которое сделал Эрик Клэптон, заставило подумать, что, возможно, граффити «Клэптон – Бог» не так уж и гиперболично, как можно было подумать. Когда он берётся за вторую из двух инструментальных секций песни – то есть в основном импровизированную часть, начинающуюся на отметке 2:30 – кажется, что вся британская блюзовая революция 60-х достигает своего апогея, а затем взрывается в вспышке пламени. Целое поколение американских рок-фанатов обратило на это внимание, а легионы начинающих гитаристов со всего мира делали обильные заметки. Когда в интервью Эдди Ван Хален спросили о его любимом соло, он просто начал играть нота в ноту эти пассажи Клэптона.
Окончание следует.
☑ Если понравилась статья, не стесняйтесь ставить лайк и делать комментарии!
➤ Чтобы не пропустить новое, подписывайтесь на канал
☢️ Другие статьи подобной тематики: