Если кто-то вдруг пропустил первую часть обзора картин российского художника Архипа Куинджи, он может начать изучать его биографию и искусство вот на этой странице. А перейдя по этой ссылке вы увидите продолжение рассказа.
11 картина. «Чумацкий Тракт в Мариуполе»
- Дата создания: 1875 год
- Размеры: 106 х 213 сантиметров
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Полотно «Чумацкий Тракт в Мариуполе» было создано Архипом Куинджи специально для экспозиции, организованной художниками-передвижниками. Начинающий мастер стремился к максимальной правдивости в изображении сцены, и его усилия увенчались успехом. Сюжет был близок художнику, поскольку он отображал знакомые с детства места. Мариуполь был родным городом Куинджи, а по чумацкому тракту, тянувшемуся через южные степи, он совершал путешествия в Феодосию. Название этой дороге дали торговцы – чумаки, которые курсировали между Мариуполем и приморской Феодосией, доставляя товары, особенно рыбу и соль, для продажи на ярмарках.
На картине представлена оживлённая дорога, по которой медленно передвигаются повозки, влекомые волами. Впечатление, которое сразу же возникает при взгляде на произведение – это сырость. Проезжая часть, превратившаяся в грязное месиво, повозки и животные, блестящие от дождя, и мрачное, гнетущее небо. Возникает чувство сострадания и скрытого протеста: только нужда заставляет чумаков выезжать на этот мокрый тракт. Несмотря на кажущуюся простоту сюжета, внимательный взгляд обнаруживает богатство цветовой палитры. Особенно заметно это отличие от предыдущих работ Куинджи. Здесь используются сложные цветовые переходы, от холодных оттенков к тёплым. В картине гармонично сочетаются коричневые, зелёные, белые, жёлтые и голубые тона.
Как характерно для Куинджи, небо становится отдельным действующим лицом картины. Тяжёлые, нависшие облака с просветом посередине словно давят на героев сюжета, создавая тем самым ощущение безысходности. Эта работа укрепила связь художника с Товариществом Передвижников, которым импонировала подобная социальная направленность. Куинджи, долго искавший признание, был рад этому сближению. Однако, дальнейшее его творчество показало, что обличительное искусство передвижников с их злободневными социальными вопросами было ему чуждо. Он стремился находить красоту в простом, вдохновение в обыденном, и полностью посвятил себя поэтическому пейзажу.
Стоит также отметить, что «Чумацкий Тракт в Мариуполе» стал важной вехой в творчестве Куинджи. Получив положительные отзывы, художник укрепился в своей уверенности и вскоре покинул Академию Художеств, чтобы начать самостоятельную творческую деятельность.
12 картина. «Берёзовая Роща»
- Дата создания: 1879 год
- Размеры: 97 х 181 сантиметр
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Самая известная картина в творчестве Архипа Куинджи называется «Берёзовая Роща», она является главным транслятором основных стилистических отличий этого живописца, квинтэссенцией всех его идей и необыкновенных колористических находок. Картина создавалась специально к Седьмой выставке Художественного Передвижного Общества, и сразу вызвала удивление публики и зрителей – настолько непривычно было для всех цветовое решение полотна.
Хотя радостное, светлое настроение произведения понравилось многим, именно эта картина явилась тем импульсом, который развёл художника с передвижниками. Вскоре после выставки, в газете «Молва» появилась анонимная статья под псевдонимом «Любитель», которая обвиняла Куинджи в безвкусице – автор-де слишком «перезеленяет» свои картины. Также в статье звучали сомнения в таланте Куинджи в принципе, а также говорилось, что световые эффекты – это не результат филигранного владения техникой, а использование осветительных приборов, которые прячутся за полотнами картин. Имя таинственного «Любителя» очень скоро было раскрыто, им оказался коллега «по цеху» Куинджи – член передвижного общества Михаил Клодт.
Куинджи потребовал исключения обидчика из состава передвижников, однако, на эту просьбу никто не отреагировал, и Архип Иванович ушёл сам. Впрочем, биографы сходятся в том, что конфликт между Куинджи и Клодтом был всего лишь поводом – живописец давно перешагнул социально-обличительные рамки искусства, пропагандируемые обществом, и «Берёзовая Роща» яркое тому подтверждение. Замыслив сюжет, который использовали в своём творчестве великое множество русских художников (Исаак Левитан, Иван Шишкин и Алексей Саврасов), мастер долго искал идеальную композицию – об этом свидетельствуют сохранившиеся эскизы и наброски. По этим артефактам можно проследить, как автор выбирал высоту деревьев, площадь поляны, думал сколько места отдавать под лес. То есть, в этой картине нет ничего спонтанного, она плод выверенной художественной мысли и никак не пленэрная работа.
В чём же декоративность картины? Если обратить внимание на группы берёз, которые с выверенной точностью размещены на полотне, а вернее на основания стволов, то можно заметить как они намеренно уплощены, что создаёт некоторую условность. Также декоративность проявляется в статичности – листва на деревьях будто застыла, а воздух настолько прозрачен, что очевидно: на поляне нет ни единого дуновения ветерка. Чаща в глубине картины лишена детализации – это тёмно-зелёная стена, призванная оттенить цветовые контрасты. Зато вся красота кроется в пронизывающей зелени и солнечном свете. Художник нарочно «опустил» тень на передний план полотна, ещё больше подчёркивая контраст по отношению к залитой солнцем поляне.
Не сразу замечаешь ручей с зеленоватой водой, хотя он протекает в самом центре – кажется, что солнце, пробиваясь сквозь крону деревьев, таким образом, преобразило тропинку. Однако поблёскивающая зеркальная гладь подтверждает, что именно ручей условно делит полотно на две половины. Автор использовал чистые яркие краски, и если смотреть фрагментарно, то, кажется, что они просто нереалистичны, но только стоит окинуть полотно широким взглядом, ощущаешь этот солнечный яркий день почти физически. Куинджи со своей декоративностью, упрощением, новаторским использованием силы цвета во многом опередил своё время, и поэтому не все сразу приняли работу, хотя именно «Берёзовой Роще» суждено было стать «визитной карточкой» мастера.
И это справедливо – «берёзовая» тема не отпускала живописца всю жизнь. Помимо самой известной работы, существуют ещё пять с одинаковым названием, из которых только две считаются полностью законченными. Третья же картина вызвала самые большие споры – в ней помимо вертикального формата ощущается поиски в области символизма. Впрочем, это уже совсем другая история.
13 картина. «Забытая Деревня»
- Дата создания: 1874 год
- Размеры: 81,7 х 165 сантиметров
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
В 1874 году Архип Куинджи создал полотно «Забытая Деревня», такое типичное для пейзажной живописи передвижников. Замысел картины возник во время его путешествия по южным регионам России. Побывав в обедневших, заброшенных селениях, художник был глубоко тронут увиденным. Выходец из народа, Куинджи выразил в пейзаже свою гражданскую позицию: природа вокруг мрачных изб воспринимается через призму сострадания к разорённой деревне, где всё пронизано ощущением безысходности и нужды.
Ещё на этапе подготовки Куинджи поделился своей идеей с Иваном Крамским, который, в свою очередь, передал её Илье Репину. Известно, что Репин был восхищён замыслом и воскликнул:
«Какую находку он сделал!».
Сюжет картины отвечал социально-критическому направлению передвижников, и Куинджи стремился вступить в их независимое художественное объединение. В 1875 он стал полноправным членом Товарищества, чему немало способствовали такие полотна, как «Забытая Деревня», а также «Чумацкий Тракт в Мариуполе» и «Осенняя Распутица».
На картине изображена ухабистая дорога, ведущая к деревне, силуэты домов которой отмечены треугольными крышами. Автор намеренно уходит от детализации, передавая ощущение заброшенности через общий, неразрушенный вид строений. Это является новаторским приёмом. Коричнево-зелёная почва, оголённые ветви одинокого дерева вдалеке, покосившийся забор и тяжёлое, низкое серо-бурое небо, нависшее над деревней, – всё это создает атмосферу поздней и унылой осени, подчёркивая заброшенность этого места. Тяжело, наверное, живется людям на этой безрадостной, измученной дождями земле. Куинджи удалось создать очень выразительное полотно. Однако вскоре художник отдалится от социальной тематики, обратившись к воспеванию красоты природы.
14 картина. «Ладожское Озеро»
- Дата создания: 1873 год
- Размеры: 79,5 х 62,5 сантиметра
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Летом 1872 года Архип Иванович отправляется на Валаам. Сразу после венчания с гречанкой русского происхождения Верой Шаповаловой (Кетчерджи). Выбор место для свадебного путешествия был, конечно же, продиктован художественными стремлениями новоиспечённого супруга – многие пейзажисты того времени воспевали Валаам, посвящая острову замечательные картины. Пришла очередь и Куинджи отправиться за своей порцией вдохновения в этот уединённый живописный уголок. Вернувшись из поездки, мастер создаёт удивительную картину – «Ладожское Озеро». Пейзажиста очень привлекал северный край. Голые каменистые просторы отличались величавостью и спокойствием в обрамлении прозрачной воды холодного озера.
Ракурс живописец выбрал очень удачный, чтобы суметь всё ухватить. Здесь и берег в валунах да камешках, и тёмная вода, и, конечно же, грандиозное небо, ведь без него сложно представить себе картину кисти Куинджи. Самым любопытным моментом в работе, сразу же привлекающим к себе внимание зрителя, является каменистое дно, которое просвечивается сквозь воду. Очень интересный и красивый приём. И именно с этим удивительным изображением камней через призму прозрачной озёрной воды, связан большой скандал, который разжёг темпераментный и эмоциональный Куинджи.
Во время создания полотна «Ладожское Озеро», рядом с живописцем проживал товарищ «по цеху», художник-маринист Руфин Судковский. Соседей нельзя было назвать закадычными друзьями, но художники достаточно тепло приятельствовали. Через десять лет после презентации «Ладожского Озера», Судковский представляет обществу свою работу – «Мёртвый Штиль», где дословно повторяет приём Куинджи, а именно просвечивающиеся через воду камни. Это возмутило Архипа Ивановича до глубины души. Обвинив уже бывшего приятеля в плагиате, живописец требовал освещения в прессе – мол, этот приём принадлежит именно ему. Сегодня бы сказали – надо было патентовать, а так. Но XIX век не XXI и шум поднялся нешуточный, а художественная общественность разделилась на два лагеря.
Впрочем, Судковского сегодня едва ли кто вспомнит, а вот имя русского художника с диковинной фамилией Куинджи бессмертно. И как же не восхититься его невероятному озеру, синему от собственной глубины и тёмному от сгущающихся над ним туч, по которому одинаково мерно двигаются и парусник, и простое судёнышко. Как же не впитать в себя красоту этих бескрайних просторов, необычайную прозрачность воздуха, выписанных в холодных тонах, которые делают этот сюжет отстранённо-величавым и сакрально-одиноким. Как и сам остров Валаам.
15 картина. «Осенняя Распутица»
- Дата создания: 1872 год
- Размеры: 71 х 110,5 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
У Архипа Куинджи совсем немного безрадостных картин, но «Осеннюю Распутицу» можно смело назвать одним из самых безрадостных и безнадёжных сюжетов. Выбор социальной темы был обусловлен стремлением начинающего живописца примкнуть к Товариществу Художников-Передвижников, которые ратовали не только за знакомство с изобразительным искусством более широких масс, но и за социальность самого искусства – проблема неравенства, тяжёлая жизнь бедных слоёв населения проходили основным лейтмотивом в картинах многих представителей Товарищества.
Что же изображает это мрачноватое полотно? Неприглядную обыденность русской деревни. По размокшей дороге едет повозка. Мы видим худую запряжённую лошадь. Четыре колеса телеги оставляют после себя глубокие слякотные борозды, демонстрирующие то, что дорога больше напоминает просто грязь. Слева от дороги видны следы – одни побольше, другие поменьше. Это женщина с ребёнком, согнувшись от тяжёлой сырости, уходит в сторону деревушки, которая едва заметна из-за серо-голубого тумана. Голое, абсолютно одинокое дерево, выглядит как завершающий штрих к этому грустному пейзажу. Некоторые исследователи усматривают в образе длинной дороги аллегорический смысл – бесконечная дорога символизирует собой бесконечное людское терпение.
Эта одна из самых ярких и реалистических работ Куинджи. Причём сильный эффект обусловлен не только характером сюжета, композиционным построением, но и цветовым наполнением. Коричнево-зелёная земля, чёрные борозды от колёс, тёмное сине-серое небо, и всё это укутано густым и тяжёлым туманом. Разорение и нищета – вот, что показывает нам Куинджи сквозь хмурый осенний пейзаж. Полотно поразительно передаёт влагу и, кажется, можно почувствовать на себе холодные капли промозглого утра, сырость и хлюпающую грязь под ногами. Удивительный осязательный эффект, говорящий о величайшем таланте молодого живописца.
Кажется, что светлая полоса у горизонта должна повлиять на общее настроение, но этого не случается. Светлая безоблачная даль только подчёркивает мрачную действительность, играя на контрасте с серостью переднего плана полотна. Таких реалистичных и щемящих работ у Куинджи немного. Очень скоро Архип Иванович окреп, набрался уверенности, и смело покинул общество передвижников. Сохранив со многими членами Товарищества дружеские отношения, Куинджи пошёл своей дорогой – отказавшись от социальных тем, он стал мастером поэтического пейзажа, создав в этом жанре настоящие бессмертные шедевры.
16 картина. «Снежные Вершины»
- Дата создания: 1890-1895 годы
- Размеры: 19 х 26,5 сантиметров
- Место нахождения: Чувашский Государственный Художественный Музей (Чебоксары, республика Чувашия, Россия)
Природа служила главным источником вдохновения для этого выдающегося пейзажиста. Его произведения восхищают не только исключительным мастерством исполнения, но и гениальным умением работать со светом и цветом. В творчестве художника особое место занимают работы, в которых используются удивительные световые эффекты, свойственные некоторым природным явлениям и времени суток. Художник питал особую любовь к рассветам и закатам, лунному и солнечному свету, а также к уникальным эффектам, которыми щедро одаривает природа гор.
Специфическое освещение и захватывающее ощущение простора, присущие горным массивам, нашли отражение во многих полотнах мастера, посвящённых Кавказским горам. Одним из примеров является небольшая картина, выполненная в оригинальной технике – масляными красками на бумажном листе. Несмотря на скромные размеры, произведение изображает величественный Эльбрус, чьи легендарные снежные вершины всегда привлекали к себе внимание многих. Для Куинджи изображение гор обладало особой притягательностью. Они поражали его своим величием и невероятным богатством цветовых и световых решений.
В этой конкретной работе художник применил насыщенные, почти чистые цвета, с поразительной точностью передающие атмосферу холодного пространства и кристально чистого воздуха. Лазурные дали и глубокие синие тона эффектно демонстрируют прохладные горные тени. В то же самое время, участки, освещённые косыми солнечными лучами, кажутся свежими, зелёными и тёплыми. Величавый Эльбрус возвышается вдали, доминируя над горизонтом. У его подножия простирается плодородная зелёная долина, по которой извивается тонкая синяя лента реки. С общим холодным колоритом полотна резко контрастирует скальный выступ, залитый тёплым солнечным светом на переднем плане холста. В отличие от остального изображения, написанного широкими, размашистыми мазками кистью, этот небольшой участок тщательно проработан и выполнен множеством различных оттенков. Кажется, что можно почувствовать редкую, но зелёную траву, стойко цепляющуюся за скудную почву в расщелинах скал.
Именно с этого возвышенного места художник создавал свой бессмертный шедевр. Только этот небольшой фрагмент производит впечатление тепла и уюта, в то время как остальная часть изображения, находящаяся вдалеке, выглядит кристально чистой, безлюдной и возвышенной, словно в горах действительно становишься ближе к небесам.
17 картина. «Солнечные Пятна на Инее»
- Дата создания: 1876-1890 годы
- Размеры: 24 х 27 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Живопись Куинджи – это яркий и выразительный пример типично русского импрессионизма. Северная российская природа, отсутствие кричащих «тропических» красок и особое, неповторимое ощущение покоя и спокойствия, которым просто веет от полотна – вот чем отличается эта картина от родственных ей образцов в том же живописном жанре. На полотне изображён фрагмент заснеженного леса – хотя на картине и нет никаких знаков, позволяющих опознать местность, понятно, что такая природа весьма характерна для нашего климата. Ощутимо тяжёлые снежные глыбы просто придавили ветки деревьев к земле. К этой картине можно применить образную цитату Михаила Булгакова «город накрыло шапкой снежного генерала», только в данном случае город следует заменить лесом.
Деревья на картине спят, укутанные толстым слоем снега. На его поверхности лежит тонкий слой инея, отражающий солнечные лучи и дающий очень яркие пятна белого цвета. Резкий контраст придаёт полотну объёмность и выразительность. Из-за косых солнечных лучей на плотном слое снега появляются контрастные тени, а проглядывающие кое-где ветви и стволы деревьев, а также хвоя, кажутся очень тёмными, почти чёрными.
Композиционно картина построена так, что зритель ощущает себя находящимся на небольшой полянке или прогалине в гуще зимнего леса. Это впечатление создаётся благодаря расположению деревьев в снегу – они словно обрамляют полотно по сторонам. На переднем плане творения оказывается открытое пространство, заполненное пятнами солнечного света, а дальше взгляд зрителя упирается в наглухо заснеженные, просто засыпанные снегом по самую «макушку» невысокие деревья. Вдали, в сизоватой дымке угадывается продолжение леса, который становится очень густым, а из-за нетронутого снега даже выглядящим сплошным цветовым пятном. Оттенок, которым его изобразил художник, перекликается с цветом неба – высоким и чистым, но с характерным для зимы свинцовым оттенком. Ему ещё очень долго ждать до появления настоящей голубизны.
Эта небольшая, но очень эффектная картина без особого сюжета и персонажей западает в душу именно благодаря тому ощущению, которое она производит. Глядя на неё, зритель ощущает эффект присутствия в этом глубоко спящем лесу, закутанном в толстую снежную шубу. Там царствует тишина и невыразимый покой, который пока что не могут разбудить даже яркие солнечные лучи. До весны ещё далеко, очень далеко.
18 картина. «Волны»
- Дата создания: 1870-ые годы
- Размеры: 20,5 х 29,5 сантиметров
- Место нахождения: Таганрогский Художественный Музей (Таганрог, Ростовская область, Россия)
Несмотря на то, что Куинджи не специализировался на морских пейзажах, как Айвазовский, его изображение штормового моря по мастерству не уступает признанным шедеврам в данной области. Волна на его картине поражает своим объёмом и реалистичностью, а передача прозрачности воды выполнена с исключительным умением. Зритель видит перед собой пример типичного импрессионизма – яркое и захватывающее изображение разбушевавшейся стихии. Используя сочные, насыщенные цвета и широкие, непринуждённые мазки, художник добился выразительной фактуры и объёмности волн. Белые, пенящиеся гребни штормовых волн, выполненные лёгкими, воздушными прикосновениями кисти, подчёркивают бурное движение водной массы.
Реалистичности добавляют и парящие над беспокойным морем чайки, наполняя картину ощущением свежести и солёных брызг. Их символическое изображение отчётливо выделяется на фоне волн. В палитре художника преобладают выразительные и насыщенные оттенки: синие, изумрудно-зелёные, сиреневые, голубые и желтоватые тона. Они идеально передают структуру морской воды, напоминающей стекло, и её привлекательный, даже в шторм, насыщенный цвет. Пробивающийся сквозь волны свет создаёт эффект изумрудной прозрачности, словно перед нами настоящий драгоценный камень.
Морской горизонт окутан густой сиреневой дымкой. Из-за высоты волн и сильного волнения линия горизонта теряется, а небо сливается с морскими далями в испарениях. Ничто не отвлекает зрителя от глубины и внушительной силы стихии, способной сокрушить любые творения человека. Несмотря на отсутствие намёков на человеческое присутствие, у полотна есть главный герой – само море, глубокое, прекрасное и опасное, способное быть как источником жизни, так и смертельным врагом всего живого.
19 картина. «Степь. Нива»
- Дата создания: 1875 год
- Размеры: 69 х 109 сантиметров
- Место нахождения: Ярославский Художественный Музей (Ярославль, Россия)
Широкая, плоская степь буквально исходит летним зноем – от картины словно ощущается густой, сухой и колючий, полный пыли воздух. Простая картина буколического бытия внушает чувство спокойствия и умиротворённости. Высокое небо наполняет полотно воздухом, а широкие золотые поля – ощущением богатых природных даров, которые увенчали тяжкий труд селян. На полотне изображены обширные поля пшеницы, уже созревшей и давшей тяжёлые, налитые колоски. Между двумя бескрайними полями проложена широкая дорога, которая видна нам не полностью – она уходит вдаль под углом от зрителя. По ней идёт женщина в типично деревенской одежде, характерной для того временного периода. На ней чистая белая рубаха свободного кроя и тёмная юбка-плахта. На одной руке у неё накинута какая-то тёмная верхняя одежда. Очевидно, из-за жары женщина её сняла и теперь несёт с собой. Она босая, а во второй руке у неё предмет красного цвета. Напрашивается аналогия, что несёт она снятые с ног красные воловьи сапожки – предмет обуви, очень характерный для тех дней. Но рассмотреть точно, что это такое, конечно же, невозможно, поэтому тут каждый зритель может вообразить то, что подскажет ему фантазия.
По обеим сторонам от крестьянки колосятся роскошные поля спелой пшеницы. Колосья стоят густо, кажутся сплошным массивом литого золота, уходящего вдаль, к горизонту. Только на переднем плане творения можно рассмотреть рыхлую структуру соломы красивого тёплого, золотистого оттенка. Поля уходят прямо в небо, образуя в месте соединения лёгкую голубоватую дымку, плавно переходящую в облака в высоком небе. Очень смутно можно различить на горизонте силуэт ветряной мельницы и очень далёкие строения на склоне. Небо над степью бледное, покрытое россыпью легчайших перистых облаков. Они покрывают собой почти всё пространство неба, оставляя только небольшие фрагменты светлой пелёночной голубизны. В небе парит довольно крупная белая птица, широко раскинувшая крылья. В украинских степях это, скорее всего, аист – символ домашнего благополучия, процветающего и хлебосольного дома. Всё вместе это создаёт атмосферу безмятежного покоя и необычайной, звенящей тишины.
В картине всё говорит о благополучии и плодородии – тучные поля, огромные пространства. Но небо над всем этим несёт какую-то скрытую тревогу – оно может пролиться дождём, с лёгкостью способным погубить многомесячные тяжкие труды крестьян, оставив их без ожидаемого урожая.
20 картина. «Красный Закат»
- Дата создания: 1905-1908 годы
- Размеры: 134,6 х 188 сантиметров
- Место нахождения: Метрополитен Музей (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Это произведение – одно из последних и наиболее значительных в творческом пути живописца. Судьба полотна была непростой: его не раз перепродавали, пока оно не оказалось в США. Картина также известна под названием «Алый Закат над Днепром». На ней изображён типичный для позднего периода творчества автора речной вид. Это панорамный пейзаж, запечатлевший долину реки в момент, когда заходящее за облака солнце окрашивает всё вокруг в чарующий красно-золотой оттенок.
С точки зрения зрителя и самого художника, позиция – на возвышении, словно пейзаж раскинулся у ног, предлагая обозрение днепровской долины. Небо, исполненное в дивных золотых тонах, занимает собой большую часть картины. В центре располагается массивное облако сложной формы, тоже подсвеченное лучами солнца, играющими богатыми оттенками алого цвета. Сквозь центр этого облака, тонкими и размытыми лучами, пробивается горячее, сияющее, словно жидкое золото, солнце. Из-за плотных облаков, частично скрывающих его, светило кажется небольшим, очень ярким и ощутимо тёплым.
Земная поверхность, расположенная внизу, разделена рекой на три неравные полосы, вытянутые вдоль. Дальний берег Днепра сплавлен в единое тёмно-бордовое пятно с едва угадываемыми очертаниями строений. Ближний берег более различим: видны высокие тополя, неясные очертания домов и другие детали, выполненные в единой тёплой цветовой гамме с преобладанием красноватых, вишнёвых и коричневатых тонов. Самое впечатляющее – река, чья спокойная гладь напоминает лист блестящего серебристого металла. В ней чётко отражается вибрирующий золотистый свет солнца. Оставшаяся часть реки по обе стороны от солнечной дорожки залита тем же тёплым, мягким светом и цветом, как и всё вокруг.
В древнерусском языке слово «красный» означало «красивый», а солнце почиталось как источник жизни. По словам критиков, в этой картине художник проявил себя как истинный солнцепоклонник. Учитывая то, с каким уважением и любовью мастер относился к природе, становится понятным, почему ему так удавались восхитительные пейзажи. В каждом его произведении ощущается преклонение перед невероятной красотой и мощью природы.