Впервые появляться художественный стиль поп-арт начал ещё в середине 1950-ых годов как на территории Соединённого Королевства, так и в Соединённых Штатах Америки. Это движение стало реакционным ответом на предшествующий период абстрактного экспрессионизма, оно стремилось бросить вызов строгим стилистическим правилам, которые были навязаны им в изобразительном искусстве, путём включения образов из основной массовой культуры и сознания. В стиль входили изображения, взятые из печатной рекламы, детских иллюстрированных комиксов и продуктов, предназначенных для массового производства. Сие движение создало великое множество известных картин и рисунков в стиле поп-арт, которые в наши дни являются одними из самых ценных произведений искусства в мире.
Начинающие художники поп-движения были сильно недовольны картинами современного на тот момент искусства периода абстрактного экспрессионизма 1950-ых годов. Они буквально чувствовали, что искусство того времени представляло собой лишь небольшой и элитарный взгляд на мир, который в современном его контексте на самом деле казался причудливо искусственным, он также становился всё более насыщен образами коммерции и брендинга в их повседневной жизни. Все эти художники хотели создавать полотна в стиле поп-арт, отражающие мир, который они и видели вокруг себя, и именно поэтому творили произведения искусства, которые получались намеренно более яркими и иронично китчевыми.
Большой упор был сделан на механические методы, широко используемые при рендеринге произведений искусства с вкраплением множества подручных средств, смешанных с изображениями, которые были удалены из исходного материала и реконтекстуализированы таким образом, чтобы придать им новое значение. Данное движение имеет некое сходство с движением дадаистов в использовании перепрофилированных изображений. Движение поп-арт стало не только реакционным ответом на предшествующий период абстрактного экспрессионизма, но также и расширило некоторые из своих же собственных техник и концепций в форме переосмысленного абстрактного поп-арта.
Живопись в стиле поп-арт охватывала собой темы, в которых тщательно исследовалось применение техник изобразительного искусства к популярнейшим изображениям той эпохи, что было отражением обыденного массового дизайна, преобладавшего в ту пору. Многие из этих мастеров и связанные с ними работы в наши дни являются наиболее ценными и весьма известными в мире художественного искусства. Давайте же более подробно рассмотрим десять самых именитых картин в стиле поп-арт, таким образом, мы постараемся понять, почему же они оказали такое огромное влияние на мир художественного искусства. В списке ниже будет представлено абсолютно всё: от некоторых из самых первых примеров в стиле поп-арт до современных творений.
1 место. «Тридцать Две Банки Супа “Кэмпбелл”» – Энди Уорхол
- Дата создания: 1962 год
- Размеры: 51 х 41 сантиметр (каждая из 32 работ)
- Место нахождения: Нью-Йоркский Музей Современного Искусства (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Поп-художник американского происхождения Энди Уорхол (годы жизни 1928-1987) начал трудиться над банками супа торговой марки «Campbell’s» в конце 1961 года и полностью завершил картину к апрелю 1962. Она была разделена на тридцать две отдельных части, на каждой из которых методом шелкографии было напечатано изображение супа различного вкуса, доступного из широкого ассортимента бренда «Campbell’s». Это ярчайший пример стилистического переприсвоения популярных коммерческих образцов, предназначенных для массового производства, которое и стало визитной карточкой движения.
Премьера картины «Тридцать Две Банки Супа “Кэмпбелл”» прошла на самой первой персональной выставке Уорхола в Галерее Ферус в Лос-Анджелесе (штат Калифорния, США). Данная выставка по праву считается дебютом всего движения поп-арт на западном побережье Соединённых Штатов Америки. Выставка Уорхола дебютировала в ту эпоху, когда всё ещё доминировала самая выдающаяся форма искусства начала 1950-ых годов – абстрактный экспрессионизм. Для ярых сторонников абстрактного движения произведение «Тридцать Две Банки Супа “Кэмпбелл”» рассматривалось как оскорбление и пренебрежение традиционной художественной философией.
Однако, хотя вешнее изложение Уорхола, похоже, лишено каких-либо заметных комментариев, оно было преднамеренно задумано как невыразительное. Мастер находил огромное удовольствие, видя красоту в том, что многие другие могли бы посчитать обыденным или банальным. Применяя методы, заимствованные из элитарного высокого искусства, Уорхол надеялся поднять символы современной коммерческой эпохи до уровня, выходящего за рамки их первоначального замысла, взяв за основу то, что предназначалось для массового рынка, и превратив это в самое настоящее произведение искусства.
2 место. «Бу-ух!» – Рой Лихтенштейн
- Дата создания: 1963 год
- Размеры: 172 х 406 сантиметров
- Место нахождения: Современная Галерея Тейт (Лондон, Англия)
«Бу-ух!» – это самое известное произведение в карьере американского поп-художника Роя Лихтенштейна (годы жизни 1923-1997), созданное им в 1963 году. Лихтенштейн признан самым влиятельным и очень именитым поп-творцом Америки, правда, пальму первенства он всё же уступает нашему предыдущему герою – Энди Уорхолу. Его художественный стиль наиболее заметно определяется толстыми чёрными линиями и цветами, вдохновлёнными эстетикой комиксов 1950-ых годов. Работы творца также включали в себя внедрение точек Бена-Дэя на холстах в стиле поп-арт – технику печати, зачастую используемую для дешёвого создания в комиксах цветов и теней.
«Бу-ух!» – это один из нескольких рисунков Лихтенштейна в стиле поп-арт, на которых изображаются самолёты, участвующие в воздушном бою. Во многом на создание подобных композиций его вдохновляли иллюстрации Ирва Новика (годы жизни 1916-2004) – иллюстратора комиксов, с которым Лихтенштейн познакомился во время прохождения службы в армии США. Картина, являющаяся лишь пародией на идеологию обычного американского героя, изображает на себе два самолёта, принимающих участие в военных боевых действиях. Она состоит из двух панелей.
На левой панели показан самолёт, запускающий ракету, а на правой панели отображается самолёт, взрывающийся от удара этой самой ракеты. Сие произведение наиболее известно своей пространственной интеграцией панелей, а также ярким использованием цвета по отношению к элементам повествования. Название картины также графически представлено в самом произведении и выделено жирным шрифтом на правой панели творения. «Бу-ух!» по праву считается не только одной из самых знаменитых картин современного искусства в творческой карьере Лихтенштейна, но также и одним из самых узнаваемых и известнейших рисунков в стиле поп-арт в этом художественном движении. В 1966 году она была приобретена Современной Галереей Тейт в Лондоне, но в постоянную экспозицию музея работу включили лишь в 2006.
3 место. «Флаг» – Джаспер Джонс
- Дата создания: 1955 год
- Размеры: 107,3 х 153,8 сантиметра
- Место нахождения: Нью-Йоркский Музей Современного Искусства (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Работа Джаспера Джонса (родился в 1930 году) в области живописи, печати и скульптуры сделала его одним из самых известных художников в мире. Его труд в рамках движения поп-арта выходил далеко за рамки самого стиля, и его влияние запросто можно найти в последующих течениях, таких как неодадаизм. Использование им символов, заимствованных из товарной культуры, помогло заложить начальную основу идеологии растущего в ту пору движения поп-арта. Джонс не использовал в своих работах человеческие фигуры и не делал портретов в стиле поп-арт. Наиболее известен он тем, что прибегал в своих произведениях к изображению флагов, карт и мишеней. А его самая известная картина, которая также считается и одной из самых легко узнаваемых, носит простое название – «Флаг».
Джасперу Джонсу было всего 24 года, когда он провёл свою самую первую персональную выставку. «Флаг» был одной из представленных им работ на выставке, полотно создавалось художником сразу после того, как ему приснился американский флаг. Добившись значительного успеха с этим конкретным произведением искусства, впоследствии Джонс создал более сорока творений на тему именно американского флага. Работа приличных размеров, она состоит из трёх полотен, закреплённых на куске фанеры. А в качестве исходных материалов для её созидания использовались масляная краска, каустик и коллаж из газетной бумаги.
Учитывая неполитический характер многих его работ, все вырезки из газетных публикаций были намеренно выбраны так, чтобы избежать заголовков, скорее, они были сосредоточены на коммерческих аспектах печати, преобладавших в те времена. На флаге всего 48 белых звёзд, как это было ещё до того, как к стране были добавлены ещё и другие, ранее независимые территории. На нём также изображаются тринадцать красных и белых полос.
4 место. «Большой Всплеск» – Дэвид Хокни
- Дата создания: 1967 год
- Размеры: 242,5 х 243,9 сантиметра
- Место нахождения: Британская Галерея Тейт (Лондон, Англия)
Покинув Королевский Колледж Искусств в Лондоне – столице Англии – Дэвид Хокни (родился в 1937 году) впервые посетил Лос-Анджелес (штат Калифорния, США) в 1963 году. Он вернулся в «Город Ангелов» год спустя и оставался в нём вплоть до 1968, совершив за это время лишь несколько поездок на территорию Европы. В 1976 он вернулся в Лос-Анджелес и решил остаться там теперь уже навсегда. Именно здесь он привык к более непринуждённому образу жизни местных жителей, главным образом благодаря всегда солнечному и тёплому климату, который ему вполне нравился по сравнению с доставшим его влажным и прохладным британским климатом. Хокни заметил, что в Калифорнии почти у каждого во дворе имеется свой личный бассейн.
В период между 1964 и 1971 годами Хокни начал писать много картин, посвящённых бассейну. Его постоянной целью на протяжении всего этого процесса было экспериментировать с уникальными методами имитации постоянно меняющейся поверхности водной глади. Он обнаружил, что акриловая краска лучше остальных подходит для изображения ярких пригородных пейзажей. К слову сказать, по его личному опыту, масляная краска высыхала намного быстрее.
Хокни черпал вдохновение для создания картины «Большой Всплеск» из фотографии, которую нашёл в учебнике о строительстве пресловутых бассейнов. Однако задний фон творения был основан на эскизе, который он сделал по мотивам зданий, обнаруженных им в калифорнийском ландшафте. На картине нет людей, но на их присутствие нам намекают брызги воды, оставленные на поверхности бассейна. Помимо этого, на холсте изображается немногим больше, чем пальма и стул.
5 место. «Крэк – это Дурь» – Кит Харинг
- Дата создания: 1986 год
- Размеры: 488 х 792 сантиметра
- Место нахождения: Восточный Гарлем, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США
«Крэк – это Дурь» – уличная фреска, созданная в 1986 году Китом Харингом (годы жизни 1958-1990) и являющаяся отличным примером современного поп-арта и одним из последних творений в категории современного искусства в нашем сегодняшнем списке. Харинг был американским поп-творцом, который первоначально переехал в Нью-Йорк, где изучал традиционное искусство, но впоследствии обнаружил для себя процветающее андеграундное движение, которое уже зарождалось на улицах «Большого Яблока» и изображало собой исключительно городские темы, имеющие тесное отношение к социальным проблемам того периода. Его рисунки в стиле поп-арт были созданы и использованы в качестве социальных комментариев для повышения осведомлённости о таких проблемах, как СПИД и злоупотребление наркотиками. Творения также включали в себя использование обычных городских стен вместо холстов.
Сия фреска была нарисована на стене гандбольной площадки на углу 128-ой Улицы и 2-ой Авеню в Нью-Йорке. Харинг хотел использовать фреску в качестве графического изображения, предупреждающего собой об опасностях, связанных со злоупотреблением такими веществами, как крэк и кокаин, которые были весьма распространены в том районе. На ярко-красной фреске изображается фигура скелета, осеняющая группу людей, в своих руках скелет держит трубку для крэка и подожжённую однодолларовую купюру. Прямо над скелетом крупным пунктирным шрифтом в стилистике комиксов написаны слова «Крэк – это Дурь», они окутаны облаком дыма.
Первоначально Харинг не получил разрешения от властей на создание фрески, но, тем не менее, всё же решился на её создание, что, по его личному мнению, было стоящим начинанием. Он считал это крайне необходимым визуальным заявлением об эпидемии крэка, которое могло бы помочь удержать молодёжь от ненужных экспериментов с ним. В частности, это была огромная проблема с людьми из рабочего класса и обездоленными. Фреска была должным образом передана под охрану городского департамента парков и до сих пор доступна для просмотра уже в отреставрированном виде.
6 место. «Так Что же Делает Наши Сегодняшние Дома Такими Разными, Такими Привлекательными?» – Ричард Гамильтон
- Дата создания: 1956 год
- Размеры: 26 х 24,8 сантиметра
- Место нахождения: Художественная Галерея Тюбингена (Тюбинген, Германия)
Ричард Гамильтон (годы жизни 1922-2011), наряду с Эдуардо Паолоцци (годы жизни 1924-2005) из Шотландии, считается самым настоящим пионером всего движения поп-арт в целом. Историки искусства отмечают его ранние работы как одни из первых примеров, демонстрирующих нам аспекты и методы, которые впоследствии стали синонимами чувств поп-арта. Он приобрёл широкую общественную известность благодаря своей выставке под общим названием «Человек, Машина и Движение», прошедшей в 1955 году, и обсуждаемому здесь произведению искусства «Так Что же Делает Наши Сегодняшние Дома Такими Разными, Такими Привлекательными?».
Работа создавалась как пародия на американскую рекламную индустрию 1950-ых годов, демонстрируя желание Гамильтона исследовать связь между образами основной культуры изобразительного искусства. Творение представляет собой коллаж изображений, создающих ощущение гостиной 1950-ых со всеми её современными на тот момент атрибутами. В центре сцены стоит обнажённый мужчина, держащий в своих руках огромный леденец. Именно от этого образа тогда ещё только зарождающееся движение и получило своё название «Поп-Арт».
Произведение «Так Что же Делает Наши Сегодняшние Дома Такими Разными, Такими Привлекательными?» представляет собой коллаж изображений, взятых в основе своей из американских журналов. Оригинальная обстановка гостиной была взята из статьи о напольных покрытиях из дамского журнала «Ladies Home Journal». А образ мускулистого мужчины был взят из журнала «Tomorrow’s Man»; им стал победитель конкурса «Мистер Лос-Анджелес 1954» – Ирвин «Забо» Кошевский (годы жизни 1924-2009).
7 место. «На Балконе» – Питер Блейк
- Дата создания: 1957 год
- Размеры: 121,3 х 90,8 сантиметров
- Место нахождения: Британская Галерея Тейт (Лондон, Англия)
На пару с Дэвидом Хокни Питер Блейк (родился в 1932 году) впервые экспонировал свои работы на выставке под названием «Молодые Современники», проходившей в 1961 году. Всё это привело к тому, что участники движения прозвали его «крёстным отцом поп-арта». Блейк отлично разбирается во многих средах, но наиболее известен он своими коллажами, в которых прекрасно сочетаются образы популярной культуры и применяемые приёмы изобразительного искусства. Тем самым он способен приподнять произведение на новый уровень смысла.
Хотя картина «На Балконе» и могла показаться созданной в стилистике коллажа, на самом деле она целиком и полностью нарисована. В этой работе творец создаёт уникальную эстетику, сочетая различные другие произведения искусства из самых разных галерей и музеев с потребительскими товарами и несколькими людьми, которые могут представлять собой абсолютно любое анонимное существо, с которым запросто можно столкнуться в общественных местах. Тема балкона повторяется на протяжении всей картины с различными вырезками, фотографиями и произведениями искусства, изображающими сразу 32 различные сцены на балконе.
К примеру, копию картины «Балкон» (1868 год) кисти французского художника Эдуарда Мане (годы жизни 1832-1883) можно увидеть в руке фигуры, расположенной слева. Данная картина является прекрасным примером уникального стиля Блейка в создании того, что можно было бы назвать «Метакартинами», иными словами, картинами в картинах. И работа «На Балконе» – не только ярчайший пример этой техники, но и одно из наиболее удачных в его карьере творений, а также непреходящая и знаковая часть всего британского движения поп-арта в целом.
8 место. «Я Была Игрушкой в Руках Богача» – Эдуардо Паолоцци
- Дата создания: 1947 год
- Размеры: 35,9 х 23,8 сантиметра
- Место нахождения: Британская Галерея Тейт (Лондон, Англия)
Работа «Я Была Игрушкой в Руках Богача» была создана сэром Эдуардо Паолоцци в 1947 году. Несмотря на то, что Паолоцци взял свою итальянскую фамилию от семьи иммигрантов, сам художник родился в 1924 в Эдинбурге – столице Шотландии. Среди многочисленных искусствоведов движения поп-арта он считается пионером, продемонстрировавшим некоторые из самых ранних примеров искусства, которые хорошо иллюстрировали собой стиль поп-арта в преддверии его предстоящего появления. Творение «Я Была Игрушкой в Руках Богача» создано путём вырезания изображений из журналов, подаренных художнику бывшими военнослужащими. Сразу после этого он превратил их в коллаж, который затем наклеил на обычную открытку. Это одна из десяти подобных работ из серии коллажей, известной как «БОЛТОВНЯ», которая создавалась в период с 1947 по 1952 годы.
Картина символизировала собой воспринимаемые удовольствия американского образа жизни в то время, когда этот самый пресловутый образ жизни находился под угрозой со стороны тоталитарных сил периода Второй Мировой войны. Работа демонстрирует нам атмосферу увлечения культурой того времени в Америке и потребительский характер, к которому она тихонько шла, о чём можно судить по нахождению бутылки газировки «Кока-Кола» в одном из углов. Сие произведение искусства также на много лет предшествует использованию Лихтенштейном слова «Поп», написанного как бы мультяшным шрифтом, что и делает его самым первым примером определённых знаковых символов, обнаруженных в движении поп-арта.
Если посмотреть на картину с современной точки зрения, то можно заметить, как она поднимает на поверхность определённые проблемные вопросы, касающиеся сексистского и насильственного характера её содержания. Мало того, что вполне очевидно, что женщина изображается просто как объект сексуального влечения со стороны мужчин, но и образ пистолета, направленного аккурат в голову женщины, не сулит ничего хорошего в сегодняшнем более политкорректном социальном климате.
9 место. «Избранный Президент» – Джеймс Розенквист
- Дата создания: 1961 год
- Размеры: 220 х 365 сантиметров
- Место нахождения: Национальный Центр Искусства и Культуры имени Жоржа Помпиду (Париж, Франция)
Джеймс Розенквист (годы жизни 1933-2017) считается весьма влиятельной фигурой в сообществе поп-арта, и всё благодаря прекрасному сочетанию портретов в стиле поп-арт и коммерческих изображений. Небольшие полотна он практически не использовал, и хорошо запомнился своими огромными произведениями искусства, в которых запутано сочетаются образы, взятые в больших масштабах из основных средств массовой информации (СМИ) и рекламы. Несмотря на кажущуюся на первый взгляд загадочность и чистую случайность по смыслу, Розенквист объединял определённые изображения брендовой продукции, оружия и известных общественных деятелей таким образом, что творения мастера тонко намекали на его личные социальные взгляды и политические наклонности.
На протяжении всей своей карьеры он стремился тщательно проанализировать только ещё зарождающуюся потребительскую культуру, к которой неизбежно движется вся Америка, побуждая свою аудиторию призадуматься о различных политических и экологических проблемах с помощью своих весьма провокационных произведений искусства. В работе «Избранный Президент» – одном из самых знаменитых портретов в карьере Розенквиста в стиле поп-арт, он изобразил лицо 35-ого президента США Джона-Фицджеральда Кеннеди (годы жизни 1917-1963) в окружении различных предметов потребительского желания, таких как кусочки торта и жёлтый автомобиль марки «Шевроле». Его процесс создания картины состоял из того, что он начинал с вырезок из журналов, а затем фотореалистично перерисовывал их на гораздо больших по размеру поверхностях.
Идея размещения всех этих, казалось бы, случайных изображений на одном холсте, была тесно связана с его увлечением тенденцией того времени, когда общественные деятели очень часто рекламировали сами себя. Это происходило в период президентской кампании, и творца заинтересовала идея, что люди рассматривают себя как различные продукты, такие как автомобили или же еда, окружающие президента на картине.
10 место. «Диптих Мэрилин» – Энди Уорхол
- Дата создания: 1962 год
- Размеры: 205,44 х 289,56 сантиметров
- Место нахождения: Британская Галерея Тейт (Лондон, Англия)
Хотя мы уже и рассмотрели одну из других работ Энди Уорхола в этом списке, он был бы неполным без упоминания культового «Диптиха Мэрилин», который и по сей день остаётся одним из самых узнаваемых портретов в стиле поп-арт, вне зависимости от того, признаёте ли вы это движение или нет.
Всемирно известная американская киноактриса, певица, секс-символ 1950-ых годов и фотомодель Мэрилин Монро (годы жизни 1926-1962) скончалась в августе месяце 1962 года. В память о ней Уорхол и создал сие знаменитое произведение искусства, состоящее из полусотни изображений с участием легендарной звезды.
Исходное фото было взято из рекламной съёмки художественного фильма «Ниагара», вышедшего на телеэкраны в 1953. Пятьдесят изображений разделены на две части по всему холсту: левый его столбец окрашен в яркие живые цвета, а правый столбец так и остался в оттенках серого, исчезая по мере достижения конца холста. По результатам опроса 2004 года творение было признано третьим по влиятельности произведением современного искусства.
Подводя итог, мы с вами выяснили, что поп-художники стремились соединить полярные крайности высокого и низкого искусства, сделав художественную форму репрезентативной для окружающего их мира и рефлексивно отображая его публике посредством различных выставок и инсталляций. Многие из этих мастеров создали произведения, имеющие высочайшую ценность в мире современного искусства, и любители сего жанра с удовольствием платят за их творчество.
