Добрый день, уважаемые читатели! Мы бы хотели представить вам проект «Революционная Россия XX века через искусство». Экспозиция «Искусство ХХ века» в Новой Третьяковке, которую мы посетили, уникальна по объему и качеству представленных произведений. Мы постараемся раскрыть ключевые исторические события и изменения в обществе того времени через призму живописи.
Итак, начало ХХ в. ознаменовано тяжелыми потрясениями для страны: Русско-японская война 1904—1905 гг., Революция 1905 года, Первая мировая война 1914—1918 гг., Февральская и Октябрьская революции 1917 г., Гражданская война 1917-1923 гг.
Две войны, одна разрушительней другой, и три революции оказались неразрывно связаны друг с другом. Эти грандиозные события привели к гибели старой монархической России и рождению на её обломках совершенно нового государства. Как раз в этот период искусство, как отражение духовного мира человека, особенно ярко реагирует на изменения вокруг. Общество обращается к серьезным философским проблемам, таким как смысл жизни, предназначение человека и многое другое.
Хотелось бы кратко охарактеризовать одно из направлений живописи- реализм. Это направление в европейском и русском искусстве XIX-XX веков. Оно пришло на смену романтизму в живописи и литературе.
В отличие от романтиков, художники-реалисты не искали красоту в повседневности, а стремились как можно точнее передать действительность.
В русской живописи главным в реалистическом направлении стал бытовой жанр. Мастера изображали сцены из повседневной жизни человека, его маленькие радости и беды. Другим ведущим жанром этого времени была сатира: художники высмеивали нравы и пороки общества.
В русском изобразительном искусстве реализм был связан с творчеством передвижников — членов Товарищества передвижных художественных выставок: Ильи Репина, Ивана Шишкина, Ивана Крамского, Василия Перова и других.
Причиной первой русской революции послужил серьезный социально-экономический и политический кризис в стране, который усугублялся поражением России в русско-японской войне 1904–1905 гг. Непосредственным поводом к выступлению послужил расстрел войсками демонстрации в Санкт-Петербурге 9 января 1905 г. – Кровавое воскресение.
1905—07 годы. Буржуазная крестьянская революция: вся масса крестьянства выступала за переход земли в руки народа. Решение этой проблемы прямо зависело от осуществления главной, первоочередной задачи революции — свержения царизма и установления демократической республики.
С. Иванов упорно работал в октябрьские и декабрьские дни 1905 года. Художник делал зарисовки и эскизы во время митингов, на улицах и площадях восставшей Москвы.
В драматической, остро скомпонованной и лаконично написанной картине «Расстрел» он изобразил расправу царских войск над безоружной толпой.
Рядом эскизов откликнулся на революционные события и Репин («Красные похороны», «У царской виселицы» и другие).
Картина «купание красного коня» впервые была представлена публике на выставке объединения «Мира искусства» в 1912 году.
Созданная за два года до Первой мировой войны, картина полна предчувствий надвигающихся событий.
Это полотно, написанное практически с натуры, напоминает о древнерусских иконах: побеждающем дракона Георгии Победоносце на красном коне.
В канун Первой мировой войны картина оказалась в Швеции, где оставалась до 1950-х годов. В 1961 году коллекционер Казимира Басевич подарила работу Третьяковской галерее.
Юон изобразил людей размером с букашек, бегущих от сияющей новой планеты, от которой небеса с горящими светилами горят огнём. Одни люди падают в изумлении, другие продолжают бежать. Иные заслоняют лица руками или поднимают руки к небу.
Дейнека «Оборона Петрограда»
Эта, казалось бы, несложная по своему композиционному решению вещь далась мастеру далеко не с первого раза. Он долго не мог найти гениальное и простое решение.
В одной половине полотна – солдаты, уходящие на фронт, в другой половине – вернувшиеся несчастные жертвы войны, раненые, в которых Дейнека позднее узнавал образы своих друзей, многие из которых погибли. Жёсткие, экспрессионистские фигуры, грязные бушлаты, но вместе с тем – орнаментальная полуабстрактная по своей сути композиция.
Ларионов «Отдыхающий солдат»
Ларионов – если не самый необычный, то, по крайней мере, самый скандальный из русских художников–мужчин, и в этом с ним могут соперничать разве что футуристы.
Деятель группы «Ослиный хвост», само название которой произошло от живописной мистификации в Салоне Независимых, когда художник выдавал за шедевр картину, нарисованную хвостом осла. В этой работе Ларионов ярко изобразил солдата Первой Мировой на привале, в довольно весёлом расположении духа.
Как резко контрастирует сюжет этой примитивистской картины с общим настроением того времени! Тело и лицо солдата повёрнуты так, чтобы максимально показать их. Фигура воина достаточно пышная, и не выглядит измождённой, несмотря на все лишения.
Малевич «Скачет красная конница»
Малевич в первые годы после октября оставался верен коммунистическим идеям. Пока сам не попал под их каток. Его не раз арестовывали по абдсурдным обвинениям, и он этого опасался и принимал меры для сохранения своего наследия, которое могло быть утеряно. Даже оставлял записку по этому поводу.
Глядя на его картину «Скачет красная конница », зритель невольно задаётся вопросом: «Что это?» Прославление Красной Армии? Или карикатура?
Как понять то, что Малевич поместил на картину всадников, которые практически не видны по причине их крошечных размеров? В то же время Малевич остался верен себе, и его полуабстрактная манера здесь одновременно напоминает и поздний автопортрет, и некоторые другие его портреты, где реальность сочетается с яркими геометрическими элементами.
Революция породила непревзойдённое искусство утопии. Эксперты не перестают удивляться смелости и выдумке революционных художников. Ведь именно атмосфера борьбы за новые горизонты – то, что нужно было авангарду во всём мире, а эмоциональный накал событий в СССР во много раз сильнее вдохновлял художников, и они создавали ещё более революционное творчество, нежели французские или немецкие коллеги.
Петров-Водкин «Петроградская Мадонна» 1920г.
На этом слайде мы видим женщину с ребенком. На заднем плане изображена послереволюционная обстановка. Таким образом Петров-Водкин трактовал новую эпоху в жизни общества России. Он стремился показать обновление мира. Женщина с ребёнком символизирует новое будущее России, при этом её образ отсылает зрителя к изображению Богоматери, что придает полотну архаичность.
«Мать» 1913 г.
За что картину «Мать» Петрова-Водкина называют «Деревенской Мадонной»
Кузьма Петров-Водкин написал эту работу в 1915-м. Главная героиня – молодая мама, кормящая грудью ребёнка в скромной избе. Из окна виден насыщенный сине-зелёный пейзаж. Её фигура в свою очередь словно излучает свет и тепло. И эта особенность – одна из подсказок к трактовке сюжета.
За будничной сценой скрывается философский вопрос о прекрасном и вечном, о красоте материнства: художник добивается того, что нам кажется, будто интерьер деревянной избы служит лишь обрамлением священному образу. Комната, кажется, уступает матери и ребёнку в масштабе.
Предметы словно движутся или кружатся вокруг героев картины из-за приёма сферической перспективы. Не случайны и цвета одежды молодой мамы - в красный и синий традиционно облачают Деву Марию на иконах.
В Русский музей картина поступила в 1936 году. Есть одноимённая работа Петрова-Водкина и в Третьяковской галерее. Она была выполнена на два года раньше и тоже отсылает к величию женского начала, однако эксперты считают, что здесь христианский символ материнства ещё не был так ярко выражен.
Обратили внимание на красный угол? Киот практически пуст! Словно Богородица (в современном обличии) только что сошла с него, оказавшись здесь, в мире земном, прямо перед нашими глазами.
С одной стороны, мы видим обычную крестьянку. Причем в ранних эскизах было лицо девушки, но все-таки Петров-Водкин выбрал чуть более грубоватое лицо по чертам, старше. Он не хотел делать идеализированный образ. Для него эта крестьянка воплощает Россию, народную, крестьянскую. Петров-Водкин пытался обобщить портретный образ матери до образа символического – страны.
«Купчиха за чаем 1918»
Борис Михайлович Кустодиев один из наиболее узнаваемых и любимых художников в России. Его творчество, хронологически принадлежащее к кипучей эпохе художественных и общественных потрясений, отличалось оптимизмом, яркой индивидуальностью и редкой в художественном мире стабильностью мировоззренческой позиции.
Выходец из небогатой, но интеллигентной астраханской семьи, имевшей родственные и соседские связи с духовенством и провинциальным купечеством, будущий художник с детства постоянно соприкасался со своеобразной культурой этих двух наиболее патриархальных сословий.
Мотив мещанского или купеческого чаепития один из основных в иконографии кустодиевской вселенной. Для Кустодиева он стал как бы ритуальной формулой старой провинциальной России, ее неспешного уклада и наивно-идеальных представлений о респектабельности, благополучии и довольстве. Достаточно вспомнить такие произведения мастера как: «Чаепитие» (1913 г. Частное собрание) «Московский трактир» (1916 г. ГТГ), «Купчиха за чаем» (1918 г. ГРМ) и многие другие. «Купчиха, пьющая чай» Нижегородского художественного музея одна из последних по времени в этом ряду. В этом сравнительно небольших размеров полотне, его базовая идея изобилия выражена с особой формальной фундаментальностью и возможно парадоксальной в данном случае лаконичностью. Здесь художник словно стремиться выразить самую суть щедрости мира, его нерушимых созидательных основ, всегда торжествующих над деструкцией и хаосом. Возможно поэтому он полностью исключает эффект хотя бы малейшего движения. Неподвижность в данном случае читается как метафора вечности и постоянства. Ощущение преизбыточности рождается благодаря плотной и тщательно срежессированной компоновке количественно немногих элементов композиции, в каждом из которых выявлены масса, плотность, фактура и харизма. Особый магнетизм вещей подчеркнут их лениво тягучими, округлыми и пластичными очертаниями, ритмическими рифмами их ракурсов и поворотов.
"Ленин в гробу"
Когда Ленин умер, художник Петров-Водкин по заданию редакции "Красная нива" провёл 5 дней у гроба Ильича, делая наброски карандашом.
В итоге получилась картина "У гроба Ленина" (Ленин в красном гробу).
Картина "Ленин в гробу" создана известным русским художником Кузьмой Сергеевичем Петровым-Водкиным в 1924 году. Это произведение искусства находится на стыке живописи и политической истории, вызывая сильные эмоции и внимание зрителя.
На полотне изображена сцена погребения Владимира Ильича Ленина, выдающегося русского революционера и лидера Советского Союза. В центре картины расположен гроб с ярко красным убранством и телом Ленина, окруженный людьми. Неподвижность гроба и строгость его формы символизируют неизбежность времени и неотвратимость смерти.
Композиция картины подчеркивает траурное настроение и значимость момента. За гробом Ленина толпа людей склонена в горе, выражая свою скорбь и уважение к ушедшему лидеру. Их лица выражают глубокие эмоции и сильное воздействие политической истории на их судьбы.
Художник демонстрирует мастерство в использовании цвета и светотени, чтобы передать атмосферу траура и почитания. Земляные тона и оттенки серого создают печальное настроение и олицетворяют конец эпохи и утрату иконической фигуры. Сочувствие и благоговение передаются также через мягкий свет, который придает картины особое мистическое сияние.
"Ленин в гробу" Петрова-Водкина является мощным и эмоциональным произведением искусства, которое воспроизводит ключевые события и настроение того времени. Она приглашает зрителя задуматься о значении и влиянии политических лидеров на историю и общество.
Революция в октябре 1917 г., приведшая к власти коммунистов, изменила направление развития русского искусства. В первой половине 20-х гг. художники ещё продолжали эксперименты и поиски, создавали новые группы и объединения(АХР - Ассоциация художников революции; ОСТ - Общество станковистов ). Однако во второй половине десятилетия художественная жизнь начала испытывать всё нарастающее идеологическое и административное давление государства. Многие мастера были вынуждены уехать за границу, а оставшиеся подверглись травле в печати, лишились возможности выставляться, некоторые были арестованы. Основной удар приняли на себя те, кто тяготел к абстрактным формам изобразительного искусства.
Государственная идеология выдвинула в качестве главного художественного метода так называемый социалистический реализм — очередной вариант академического искусства, призванный воспитывать людей в духе коммунистической морали.
Социалистический реализм - основной творческий метод советсткого времени, продолжение дореволюционного метода критического реализма.( Б. Иогансон, С. Герасимов, Ю. Пименов, А. Пластов; портретная живопись М. В. Нестерова, П. Д. Корина)
В 1932 г. специальным правительственным указом были запрещены все независимые художественные объединения и создана государственная система творческих союзов — Союз художников СССР, Союз архитекторов СССР и т. п. Наступила эпоха тоталитаризма, когда любые формы культуры, не укладывавшиеся в нормы соцреализма, могли существовать только в нелегальных условиях (волна «подпольного авангарда» особенно мощной была в 60—70-х гг.). Ситуация стала постепенно меняться только во второй половине 80-х гг.
Благодарим за внимание!
Иванова Иляна БЛГ-23-10
Куликова Арина БЛГ-23-10
