Память человеческая устроена таким образом, что сохраняет на «жёстком диске» в нашей голове только эмоционально притягательные моменты. При этом, порой за бортом воспоминаний остаются значимые вещи, которые мы по ряду причин не были в состоянии своевременно оценить. Или даже отмечали как-то для себя, обещая позже к этому вернуться, но с годами за повседневной рутиной о них постепенно забывали. Более свежие события застили те несформировавшиеся впечатления, постепенно уводя их всё дальше и дальше из сферы нашего внимания.
Так обстоит со многими областями – литературой, поэзией, музыкой. Полвека тому назад вышло более тысячи пластинок в формате лонгплей. Изрядная доля из них относилась к рок-музыке, и хотя это была «золотая эра рока», на слуху по сей день лишь несколько десятков, а другие в массе своей подзабыты. В их числе есть довольно любопытные, незаслуженно, на мой взгляд, обойдённые вниманием большинства наших современников. Предлагаю вашему вниманию некоторые из них.
Gong «You», лейбл«Virgin»
Пятый студийный и, возможно, величайший альбом психоделик-группы Gong под символичным названием «You» стал кульминацией как трилогии «Radio Gnome», так и первого пребывания в коллективе певца, гитариста и провидца Дэвида Аллена. Триптих «Radio Gnome», детище Аллена, в совокупности рассказывал мифологическую притчу, которая была столь же остроумной, сколь и сардонически комичной.
Альбом «Flying Teapot», вышедший в 1973 году, открывает историю с главным героем Зеро, который ищет смысл в физическом мире, а помогают ему в этом эльфы с планеты Гонг. В «Angel's Egg», выпущенном позже в том же году, Зеро, страдающий наркотической зависимостью, исследует планету. В процессе он узнает секрет летающих чайников, общается с космическими гейшами и раскрывает грандиозный план по активизации третьего глаза у каждого человека с помощью глобального концерта фриков.
И вот, наконец, последовала заключительная часть трилогии. «You» был записан на «Manor Studios» в Оксфордшире летом и выпущен в октябре того же года. Наш герой возвращается из путешествия на планету Гонг. Пытаясь воплотить свое видение в жизнь, он строит храмы и устраивает «Пир Уродов». В конечном счёте, не получив откровения о третьем глазе, Зеро вынужден провести остаток своего пребывания, вращаясь в колесе рождений и смертей.
Таков, собственно, сюжет. Структура альбома сочетает в себе короткие повествовательные фрагменты с длинными инструментальными композициями. Вокала здесь ощутимо меньше, и все музыканты группы получают возможность блеснуть умениями. Саундтрек к этой сумасбродной истории был создан на основе сочетания джаза и прогрессива, получившего ярлык «спейс-рок». Этот стиль, в котором преобладала превосходная музыкальность, характеризовался атмосферными завихрениями мастера синтезаторов Тима Блейка, виртуозной игрой Стива Хилледжа на гитаре и Дидье Малерба на саксофоне, напряженными ритмами басиста Майка Хоулетта и барабанщика Пьера Мерлена, а также характерным «космическим шёпотом» Джилли Смит.
В музыкальном плане альбом начинается с серии маниакально креативных, разнообразных по звучанию пародий, а вступительная часть «Thoughts For Nought» задает соответствующий экзотический неземной тон. Традиционный джаз «A PHP's Advice» плавно переходит в религиозные песнопения и синтезаторную атмосферу «Magick Mother Invocation». Четвёртый трек, величественный «Master Builder», является, собственно, первой песней, создающей невероятную атмосферу с помощью флейты и племенных барабанов, а затем сопровождающейся дикими выходками саксофона Дидье Малерба и звоном гитары Стива Хилледжа.
Далее следует красивая инструментальная композиция в стиле прото-эмбиент «A Springling Of Clouds», а затем гипнотически фанковая «Isle Of Everywhere». На песне-закрывашке, «You Never Blow Yr Trip Forever», группа предстала в самом маниакальном творческом проявлении: басовые партии Майка Хоулетта легли в основу спейс-джазовых скатов Дэвида Аллена.
Альбом имел культовый статус у альтернативщиков, однако в чарты не попал. В нашу эру журнал «Rolling Stone» назвал «You» № 39 в своём списке «50 величайших альбомов в стиле прогрессив-рок всех времён». А это вам не лобио кушать.
Geordie «Don't Be Fooled By The Name», лейбл «EMI»
Многие в мире воспринимают группу Geordie лишь как питомник, взрастивший для AC/DC вокалиста Брайана Джонсона. И совершенно напрасно. Коллектив был сам по себе самодостаточен. Главной творческой единицей в нём был гитарист и композитор Вик Малкольм. А сам Джонсон раскрылся здесь настолько разносторонне, насколько от него не ожидаешь по пребыванию в AC/DC. Стоит отметить, что до записи своего второго альбома Geordie успели совершить несколько турне по Британии, а в марте 1974-го добрались до Австралии и Новой Зеландии. К моменту возвращения домой, у группы уже был хит №1 в Японии и «золотой» диск в Европе.
Второй альбом группы, поименованный «Don't Be Fooled By The Name», был, пожалуй, лучшим в их каталоге. Эта пластинка куда как интереснее своего предшественника. Если дебютная работа, в которой чванливость хард-рока сочеталась с мелодичной напыщенностью глэма, больше напоминала Slade, то здесь наличествовали почти эталонный хард-рок и тяжелый ритм-энд-блюз. Кстати, удались Geordie и неспешные, но душевные баллады.
Лучшие моменты по-настоящему впечатляют, и здесь слишком много хорошего, чтобы альбом можно было отнести к разряду «провальных второкурсников». Хотя продюсирование Эллисом Элиасом и Роберто Дановой часто слишком, уж, гладко и вычурно. Но в целом всё звучит с такой же первобытной страстью, как и дебют, позволяя внимать во всей красе густо-звонкой гитаре Малкольма и оставляя место для всех обертонов вокала Джонсона. Мы слышим перкуссию и ударные во всех подробностях. Бас бродит среди треков, маскируясь и подкачивая драйв, вступая во взаимодействия с хлёсткой бочкой и дребезжащим хай-хэтом. Алхимия в чистом виде.
Кроме рок-боевиков с яростной инструментальной энергетикой и клокочущим вокалом («Goin’ Down», «So What» и «Got To Know») и заходом на территорию «Цеппелинов» («Mercenary Man») меломаны очень уважали «джордиевское» прочтение знаменитой «House Of The Rising Sun». Собственный хард-роковый вариант всё ещё пребывающей на слуху песни, прославившей за десятилетие до того The Animals, был, хотя и рискованным, однако, по факту, беспроигрышным ходом. Даже не знаю, чья версия больше впечатляет. Песня была издана синглом и попала в «топ-20» Соединённого Королевства. Но это было последнее попадание Geordie в чарты Британии и Западной Европы.
Пара слов об обложке альбома, фотографию для которого сделал знаменитый фотограф Мик Рок. Этот же человек приложил руку и к оформлению альбома «Queen II». В создании образов, грима и стилистики ему помогала его жена Шейла.
«Don't Be Fooled By The Name» по горячим следам, в целом, имел достаточно позитивные отзывы. Так, «Melody Maker» отметили «невероятный драйв» группы, а «NME» признал, что «Малкольм пишет отличные песни, а Джонсон блистательно их исполняет». Однако, наиболее консервативные издания и обозреватели полагали, что ребята слишком рано и опрометчиво распрощались с достижениями дебютного релиза.
Geordie неустанно колесили по Англии и материковой Европе, эксплуатируя свой успех, однако карьера группы подвигалась к концу. Спустя год после не выстрелившего диска «Save the World» уйдёт Вик Малкольм, а за ним и Брайан Джонсон, оставив «Don't Be Fooled by the Name» любопытным раритетом в коллекции альбомов 70-х.
Wishbone Ash «There's the Rub», лейбл «MCA»
Ещё один неординарный релиз последовал от Wishbone Ash. Они выпустили свой пятый студийный альбом под названием «There's the Rub». Это был первый диск с участием гитариста и вокалиста Лори Уайсфилда, бывшего участника группы Home, пришедшего на замену Теду Тёрнеру, подавшемуся за эзотерическими практиками в Южную Америку. Уайсфилд будет играть важную роль в творческом развитии группы на протяжении следующих 11 лет. Это был уже сложившийся гитарист с неплохими композиторскими задатками.
В 1974 группа из-за высоких налогов в Великобритании перебирается в США, где под руководством продюсера Билла Шимчика, известного по работе с Eagles, Би Би Кингом и Джо Уолшем, и запишет эту пластинку. Новые люди – новое звучания. Хотя продюсер и не стал жёстко навязывать своим новым подопечным что и как играть, однако новая обстановка так или иначе сказалась на творческом процессе и характере материала для будущей пластинки. В этом плане необходимо было понять, как быстро обретёт себя в квартете новичок, и каким в результате сложится их гитарный тандем с Эдди Пауэллом.
Альбом, название которого взяли из «Гамлета» Шекспира, получился переходным. Со свойственным всем англичанам прагматичным консерватизмом, музыканты не стали особенно фантазировать и сделали ставку на хорошо освоенную ими стилистическую базу, привнеся в саунд новые штрихи. Хотя фирменные двойные гитары по-прежнему были заметны, альбом стал более «американским», с более плавным звуком. Наличествовали длинные медленные и среднетемповые композиции с огромным количеством гитарных красок, а также экзотических звуков органа, синтезатора, мандолины, банджо и конгов.
Пьеса «F.U.B.B», представляющая собой длинный инструментальный джем, вызвала серьезные споры из-за своей провокационной аббревиатуры, означающей нецензурное выражение «Облажался до Невозможности». Завораживающая блюзовая «Persephone» с её сочными гитарными двойными партиями вскоре стала живой классикой, а «Lady Jay» с её тревожными текстами, повествующими о героях дартмурской народной сказке «Jay's Grave», – лучшей лирикой.
В целом, мелодичный хард-роковый прогрессив не был в достаточной степени навязчив. И после разочаровывающих отзывов критиков о предыдущем студийнике, «Wishbone Four», рецензии на «There's The Rub» были гораздо более положительными. В Британии «There's the Rub» поднялся до 16-й позиции, а в Штатах – до 88-й.
Robin Trower «Bridge of Sighs», лейбл «Chrysalis»
Зажигательная игра на гитаре, смягченная психоделической прихотью, была визитной карточкой Робина Трауэра после того, как он покинул корабль Procul Harum. Там рулил Гари Брукер, направляя группу в русло арт-рока, а страстью Трауэра оставался тяжёлый блюз-рок в стилистике The Jimi Hendrix Experience и Cream. И вот все его любимые фишки захватывающе собрались вместе на «Bridge Of Sighs» – его втором и, возможно, самом важном сольном альбоме.
Робин стал любимцем фанатов, которые хотели, чтобы кто-то не только в изобилии витийствовал над струнами, но и выдавал ярко выраженную характерную атмосферу. Его сравнивали с Хендриксом потому, что в то время кроме Джими, Джеффа Бека и, пожалуй, Фрэнка Заппы Трауэра просто не с кем было сравнить. Это был человек, который давал уроки, на минуточку, Роберту Фриппу, так что его репутация была неоспорима.
Группа предстала всё тем же пауэр-трио, как и на дебютной пластинке. Басист и вокалист Джеймс Дьюар, обладающий мощным голосом с проникновенным тембром, был одним из самых недооцененных рок-вокалистов тех лет. Его вокальная подача была глубокой, резкой и резонирующей, а в его стиле явственно проглядывалось влияние Рэя Чарльза и Отиса Реддинга. Его линии бас-гитары чувственно дополняли барабаны Рега Исидора – ведущей единицы в ритм-секции. Оба внесли свой собственный фантастический вклад в звучание альбома. Продюсером выступил органист Мэтью Фишер – бывший коллега Трауэра по группе Procol Harum, а звукоинженером – Джефф Эмерик, хорошо известный по работе с The Beatles.
Такие песни, как «Bridge of Sighs», «Too Rolling Stoned», «Day of the Eagle» и «Little Bit of Sympathy», станут визитной карточкой на концертах. Открывающая композиция «Day of the Eagle» задает бешеный темп альбому на начальных этапах, прежде чем песня переходит в оптимистичный блюзовый ритм с хорошим, проникновенным вокалом Дьюара. Гитарные звуки впечатляют даже больше, чем, собственно, техника исполнения. Заглавный трек является самым запоминающимся. Начиная с приглушенных перезвонов и длинных, затухающих гитарных нот, атмосфера песни словно изгибает ткань пространства и времени.
Звуковые эффекты из этого трека служат связующим звеном, ведущим к спокойной, но полной предчувствий песне о любви «In This Place». Каждая нота прекрасно подчеркнута точными ударами Исидора, в то же самое время эта песня является настоящей демонстрацией таланта Трауэра во всех других отношениях. Здесь гитарист демонстрирует свое истинное мастерство в создании насыщенных, устойчивых тембров, превосходящих другие выдающиеся гитарные текстуры. Кажется досадным, что песня такая короткая. Оптимистичный блюз-рок-джем «The Fool and Me», написанный в соавторстве с Дьюаром, делает первую сторону настоящей жемчужиной с издевательски «вкусными» гитарами и фанковыми синкопами.
Вторая сторона начинается с фанковой, насыщенной басами песни «Too Rolling Stoned» – самого длинного и сильнейшего в целом трека на альбоме, где Дьюар вдосталь блистает на бас-гитаре и вокале. В середине звучит протяжный гитарный джем, который поэтапно переходит в коду. Эта длинная заключительная часть, по-видимому, намеренно контрастирует с ранними частями песни, поскольку простой и понятный ритм с хлопками сохраняется под оживлённое гитарное соло Трауэра. «About to Begin» – спокойный номер, который, кажется, движется в одном направлении, почти как пауза в действии во время кинодрамы. Зато «Lady Love» – очень прямолинейная рок-песня, которая, кажется, является единственной реальной попыткой поп-кроссовера на пластинке.
«Bridge of Sighs» оказал сильное влияние на гитарное рок-звучание конца 70-х. Альбом достиг 7-го места в США, продержавшись в чарте 31 неделю.
The Doobie Brothers «What Were Once Vices Are Now Habits», лейбл «Warner Bros.»
К 1974 году The Doobie Brothers прошли долгий путь от гастролирующей группы из Северной Калифорнии, которая пользовалась особой популярностью у байкерских группировок, к хедлайнерам больших шоу. Имея на своем счету три альбома, группа из пяти человек усовершенствовала и отточила свою разнообразную, но доступную смесь кантри, рока и ритм-энд-блюза. Через год после того, как их альбом «Captain and Me», разошедшийся многомиллионным тиражом, породил пару хитов («Long Train Running» и «China Grove»), вошедших в «топ-20», группа была готова сделать ещё один шаг, но закрепить этот прогресс оказалось немного сложнее, чем можно было ожидать.
В конце 1973-го музыканты собрались в студии, чтобы развить незавершенные индивидуальные идеи. «В основном мы писали всё, что приходило в голову», – рассказывал гитарист и ведущий вокалист Том Джонстон, – «и приносили это на наши репетиции для доработки». На этих джемах, за которыми в очередной раз наблюдал продюсер Тед Темплман, группа соединила знакомые элементы рока, соула, фолка и блюза с нежным вокалом, неистовой игрой на двух ударных установках и риффовыми гитарами. Состав бэнда в период работы над пластинкой продолжил меняться. Так, по ходу записи диска коллектив покинул оригинальный ударник Майкл Хоссек, и его заменил Кит Кнудсен.
Такие моменты, как «Another Park, Another Sunday», первый сингл с альбома, прозвучали без особых усилий. Джонстон объяснял:
«Подобные песни пишутся сами собой. Как будто кто-то другой заходит и садится рядом с тобой, но ты этого не видишь. Это ваш материал, он выходит через вас, но вы действуете как механизм передачи».
Темплман умел вносить небольшие, но важные с музыкальной точки зрения коррективы. Он предложил, например, подключить гитары к колонкам Лесли, и «Another Park, Another Sunday» был готов. Он также привез на эти сеансы духовую группу The Memphis Horns, придав звучанию мускулистую одухотворенность. При записи в целом ещё были задействованы орган, виброфон, маримба, тромбон, саксофон, труба, табла, пандейру, конги и педальная стальная гитара.
Характерный ритмический подход Джонстона стал основой для второго сингла альбома «Eyes of Silver». Это звучание восходит к первоначальному процессу записи демо. Как он объяснил: «Этот я называю ритмом «чанка-чанка», он развился из-за того, что у меня не было барабанщика под рукой. Таким образом, вы сможете играть на ударных и гитаре одновременно. Я разработал стилистику на акустической, а не на электрической основе, а затем просто перенес её на другую версию».
Во время прослушивания «Daughters of the Sea» иногда может показаться, что «Братья Дуби» выбрали путь к музыке Santana, но баланс двух электрогитарных линий – одной для темпа, другой для атмосферы – является основой разумного сочетания, которое варьируется от зловещего до притягательного. Наконец, всё плавно переходит в композицию басиста Тирана Портера «Flying Cloud» – слегка пространную инструментальную пьесу, которая служит продуманным завершением альбома в целом.
На родине музыкантов пластинка пользовалась довольно высоким спросом, достигнув после выхода 1 февраля уже к концу марта 4-й строчки «Billboard Top LPs & Tape» и ко 2 апреля став «золотой». В общей сложности запись продержалась в американском хит-параде альбомов больше года, представ образчиком довольно добротного рока середины 70-х.
Tangerine Dream «Phaedra», лейбл «Virgin»
Немецкие экспериментаторы из Tangerine Dream тяготели к более структурированному подходу к композиции этого раннего шедевра прогрессивной электронной музыки. Такая тактика была вызвана недавним приобретением группой секвенатора Муг, на правильную настройку которого уходило несколько часов в день. «Технически всё, что могло пойти не так, пошло не так», – вспоминал позже основатель TD Эдгар Фрёзе. Альбом подвёл блестящий и неотразимый итог раннему авангардному творчеству группы.
Хотя «Phaedra» был записан в чрезвычайно тяжелых обстоятельствах, результаты были ошеломляющими, особенно 17-минутная заглавная пьеса, в которой наложен случайно записанный синтезаторный трек с флейтой, меллотроном, басовым секвенсором и белым шумом. Дополнительное ощущение межзвёздного дрейфа создавали генераторы Муга, терявшие настройку по мере нагревания машины. «Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares» отличает красивое соло Фрёзе на меллотроне, а «Sequent C'» – короткая, но запоминающаяся партия Петера Баумана на флейте с записанным на плёнку эхом.
Альбом положил начало международному успеху группы. В Великобритании продажи пластинки достигли шестизначных чисел, он поднялся до 15-го места в чарте и продержался там 15 недель, причём, практически без поддержки в эфире. В США альбом занял 196-е место. Сложная, потусторонняя и почти неописуемо красивая «Phaedra» оказывала огромное влияние на эмбиентных и электронных исполнителей на протяжении десятилетий после своего выпуска. Диск включён в список «1001 альбом, который вы должны услышать, прежде чем умрёте». Также он занимает 22-е место в перечне «50 величайших прог-рок-альбомов всех времён» журнала «Rolling Stone».
Triumvirat «Illusions on a Double Dimple», лейбл «Harvest»
Сравнения всегда поверхностны и, как правило, неверны. Однако в некоторых случаях они настолько очевидны и столь точны, что их просто необходимо провести. Так обстоит дело с прогрессив-рок-трио Triumvirat, созданным вокруг Юргена Фрица, очень талантливого клавишника с классическим образованием. Это самые настоящие «немецкие Emerson, Lake and Palmer». Фриц, как и Кит Эмерсон, ловко управляется с клавишным арсеналом, состоящим из рояля, органа «Хаммонд» и синтезатора «Муг». Оба имеют академическую подготовку, что неизбежно отражается на музыке их групп.
Ханс Батхельт, барабанщик из Triumvirat – довольно сильный, уверенный в себе профессионал, как и Карл Палмер. Его ещё, пожалуй, можно сравнить с Джоном Бонэмом по «локомотивно» мощному биту. Иногда его игра на барабанах лёгкая и джазовая, но порой он вовсю зажигает. А гитарист Хельмут Келлен грамотно создает ритм-треки, ведёт бас и поёт, как и Грег Лейк. Он владеет игрой на бас-гитаре чуть даже более мастерски, чем Лейк, и чем-то похож на Криса Сквайра из Yes, демонстрируя при этом потрясающее взаимопонимание с Фрицем. Ко всему, в первые годы своего существования Triumvirat исполняли некоторые песни EL&P и The Nice – первой группы Эмерсона.
«Illusions On A Double Dimple», первый альбом Triumvirat, выпущенный в США, очень похож по структуре на второй альбом EL&P – «Tarkus». Оба состоят из расширенных сюит с подчеркнуто захватывающими клавишными партитурами и редкими вокальными пассажами. «Last Dance» на пластинке Triumvirat отлита по той же схеме, что и «Mass» EL&P, с добавлением фрагментов из их «Jeremy Bender». Здесь тот же прерывистый ритм, взрывы синтезаторного безумия, сопровождаемые ритмичной игрой барабанов и задорным басовым сопровождением.
Но помимо этого, на пластинке наличествует всё та же странная смесь хонки-тонка и джаз-рока. Тем не менее, есть различия, главным из которых является умелое использование Triumvirat оркестра Кельнского оперного театра в качестве бэк-группы. С другой стороны, у них была убийственная музыкальная атака под руководством Фрица, который мог быть яростным, чувственным, мелодичным и ярким. И в любом случае, у немцев нет причин избегать сравнений. Любая группа, которая может так успешно воспроизводить первоклассное арт-рок звучание, как у EL&P, действительно находится в хорошей компании.
Особенно радует «Million Dollars» – заключительная часть сюиты «Mister Ten Percent» (по-видимому, посвящённой недавно уволенному менеджеру), в которой все таланты Triumvirat раскрываются в едином электронном потоке. Вступление, особенно похожее на «Tarkus», сменяется мощным оркестровым и вокальным аккордом, когда Triumvirat прощается со своим агентом: «Кто будет работать на вас всю оставшуюся жизнь?»
В качестве резюме: «Illusions on a Double Dimple» сами по себе являются отличным воплощением того лучшего, что Германия могла предложить мировой прог-рок-сцене. Благодаря этому альбому Triumvirat привлекли внимание широкой аудитории по всему миру, став первым релизом из Германии, попавшим в первую сотню «US Billboard 200». По версии этого журнала альбом был летом 1974 года в США вторым по популярности на американском радио. Он занимает 45-е место в списке «50 величайших прог-рок-альбомов всех времён» журнала «Rolling Stone».
Blue Öyster Cult «Secret Treaties», лейбл «Columbia»
Для меня всегда было загадкой упорное игнорирование отечественной аудиторией этой весьма достойной группы. Возможно, её отпугивало название «Blue Öyster Cult» (Культ голубой устрицы), почему-то упорно связываемое с сексуальной ориентацией. Между тем, с ней-то у ребят всё было традиционнее некуда. А именоваться подобным образом им предложил их менеджер – поэт Сэнди Перлман. В одном из его стихотворений 60-х годов так звали группу пришельцев, прибывших на Землю, чтобы тайно руководить нашей историей. Как вспоминал позже Сэнди: «Изначально группа не была довольна названием, но остановилась на нём и начала работать, готовясь записать свой первый релиз».
«Secret Treaties» – последний и лучший из так называемой «черно-белой» трилогии альбомов, с которых началась карьера Blue Öyster Cult: три загадочных рок-альбома в монохромных обложках, достигших своего пика 5 апреля с выходом этой пластинки. Это мрачно, эзотерично, увлекательно и, в то же время, немного вызывающе. В качестве материала для песен Перлман снова предложил свои стихи, а также тексты писателя Ричарда Мельцера фэнтезийной направленности. Стихи для вступительного трека «Career of Evil» были написаны будущей панк-поэтессой Патти Смит, давней соратницей группы и в то время подругой клавишника и ритм-гитариста BÖC Аллена Ланье. И в них сквозит чёрный юмор.
Альбом записывали в нью-йоркской «Columbia 30-th Street Studio». Продюсерами выступили сам Сэнди Перлман, а также Мюррей Кругман. В результате получился сборник пародийного хоррора в стиле гаражного рока, напоминающий «Killer» Alice Cooper, хард-рока, зачатков хэви-метал и тяжёлых психоделических композиций. Как рассказал о том периоде гитарист Дональд Розер, по прозвищу Бак Дхарма:
«Сэнди, по сути, был судьей. У нас было много идей для альбома, поэтому нам нужен был кто-то на роль вождя».
С точки зрения контекста и музыки на предыдущем альбоме, «Tyranny and Mutation», группа уже звучала так, будто лучше и быть не могло. Однако, после выхода «Secret Treaties» стало понятно, что эта степень качества была ещё далека от истины. Новая пластинка – просто идеальный аналог предыдущей, существенно при этом отличаясь от неё в лучшую сторону. Если вам нравится отличное использование клавишных мелодий и интерлюдий с набором интересных гитарных партий, вы точно не будете разочарованы.
Это захватывающий дух роковый монолит, который воплощает в себе мрачный восторг и зловещее наслаждение. Композиции стали менее причёсанными и более причудливо атмосферными. Гитары звучат ещё тяжелее, клавиши вычурнее, вокальный диапазон гораздо более развит, а общая атмосфера каждой песни производит на слушателя ошеломляюще непонятный эффект и способна в любой момент, благодаря завораживающим звукам, погрузить вас в транс.
Группа явно получала удовольствие от работы над этим альбомом, о чем свидетельствуют такие потрясающие номера, как одержимый войной «ME 262» (ода немецкому самолету с одноименным названием) и мелодичная, но нелицеприятная «Flaming Telepaths». Начиная с обманчиво простой «Career of Evil», альбом проводит слушателя через всё более причудливые слои намёка на разврат и оккультный заговор, а затем достигает кульминации в поэтической и причудливой «Astronomy» – лучшем треке альбома и одним из лучшим в рок-музыке в целом.
Переход между «Harvester of Eyes» и «Flaming Telepaths» отмечен фрагментом классической музыки, исполняемым на музыкальной шкатулке. Участники группы вспоминают, что звукорежиссёр нашёл это на немаркированной записи, но не смог идентифицировать, поэтому произведение и его композитор не указаны в альбоме. Позже было установлено, что это отрывок из вальса Иона Ивановича под названием «Дунайские Волны». Источник оригинальной записи остается загадкой.
Критики из «Melody Maker» признали «Secret Treaties», «лучшим рок-альбомом года», а позже и «лучшим рок-альбомом всех времён». Неплохо, не правда ли. Альбом продержался в чартах «Billboard 200» четырнадцать недель, достигнув 53-й строчки. Среди его поклонников были будущие участники группы The Clash, позже они даже наймут продюсера Сэнди Перлмана, но это уже другая история.
Strawbs «Hero and Heroine», лейбл «A&M»
Возглавляемые амбициозным автором и харизматичным вокалистом Дэйвом Казинсом, Strawbs начинали как блюграсс-группа под названием The Strawberry Hill Boys. Недолго поработав с будущей вокалисткой Fairport Convention Сэнди Денни, к середине 70-х они превратились в полноценную прог-группу. «Hero and Heroine» – их седьмой, самый симфонический и самый тяжёлый альбом в дискографии. В основу его звучания легли призрачный меллотрон Джона Хокинса и дисторшн гитары Дэйва Ламберта.
После тура в поддержку предыдущего альбома, «Bursting at the Seams» (1973), произошёл резкий раскол, и Казинсу с Ламбертом пришлось восстанавливать группу из пепла. Новый состав сформировался очень быстро, и студийные занятия были очень продуктивными. В команду влились Джон Хокен из Renaissance на клавишные, сессионщик Час Кронк на бас и акустическую гитару, а также Род Кумбс из Stealers Wheel на барабаны. Strawbs в новой инкарнации хотели чего-то нового – того, что представляло бы собой нечто среднее между фэнтезийным звучанием Yes, концептуальным разнообразием Genesis и мелодичным фолком ранних King Crimson и Jethro Tull.
Материал записывали в ноябре 1973-го на копенгагенской «Rosenberg Studios» под руководством продюсера Тома Элома, поработавшего звукоинженером на трёх первых пластинках Black Sabbath. Strawbs смогли создать мрачные, готические, цветущие, красивые эпопеи, такие как «Autumn», которые придают альбому изюминку и дух. Грозный, медленный, монотонный синтезаторный пролог постепенно развивается и с добавлением новых инструментов переходит сперва в достаточно спокойное и расслабленное настроение, а затем и в подобие гимна.
Группа также записала простые, непринужденные, весёлые фолк-роковые баллады. Но в чём Strawbs преуспели лучше всего, так это в том, что в каждой песне альбома, будь то отдельная строфа или весь текст, звучат в высшей степени пророческие темы. В качестве примеров можно привести заглавный трек, «Round and Round» и «Midnight Sun», которые раскрывают самые мрачные аспекты альбома. Безрадостные, жёсткие тексты, отражающие тогдашнее состояние души Казинса, нашли отклик у аудитории тех лет, что привело к ошеломляющему успеху плодотворного музыкального контента.
Альбом был выпущен сначала в США и получил очень тёплый прием, а затем в Великобритании, где отзывы были менее положительными. Поклонники после «Part Of The Union» были озадачены более жёстким подходом Казинса. Свою лепту внесла и непостоянная британская музыкальная пресса. Альбом достиг только 35-го места в британском чарте альбомов.
В результате, за исключением нескольких концертов 1975 года, группа больше не раскатывала по Великобритании до конца 1976-го. Зато альбом получил «золотой» статус в Канаде, и группа всё чаще стала искать успешного будущего в Северной Америке. Теперь основное внимание было сосредоточено на этом рынке, где гастроли становились всё более продолжительными.
Кен Барнс из «Rolling Stone» в своём обзоре написал: «Strawbs перешли от фолк-музыки к пышному, величественному звучанию с преобладанием меллотрона, имеющему сходство с Yes, King Crimson и Moody Blues». Стивен Ламбе, автор книги «Граждане надежды и славы: история прогрессив-рока», назвал «Hero and Heroine» «их самым прогрессивным альбомом» и отметил игру Джона Хокена на меллотроне как «особый яркий момент». Альбом занял 44-е место в списке «50 величайших прогрессив-рок-альбомов всех времён» по версии журнала «Rolling Stone».
Montrose «Paper Money», лейбл «Warner Bros.»
Окрылённые успешными гастролями в поддержку дебютной пластинки и преисполненные лучших надежд, музыканты Montrose вернулись летом 1974-го в студию, чтобы записать свой второй альбом с продюсером Тедом Темплманом. Ушёл басист-сооснователь Билл Чёрч, и стартовый подход без излишеств исчез вместе с ним, уступив место музыкальной неугомонности гитариста Ронни Монтроуза. Тот решил смягчить звучание коллектива, сделав его более коммерческим.
В этом он нашёл отклик у новичка, мультиинструменталиста Алана Фицджеральда, который стал исполнять функции бас-гитариста и клавишника. Но, так или иначе, Montrose лишь частично удалось извлечь выгоду из прочного фундамента предыдущего альбома. От той тяжести, которая обеспечила группе негласный статус одной из предтеч хэви-метал, на «Paper Money» не осталось и следа. Зато это сделало второй альбом более разнообразным, чем первый, если не более захватывающим.
На фоне растущих известности и уверенности в себе зрело некоторое недовольство со стороны фронтмена – Сэмми Хагара. Как он позже сетовал:
«Первый альбом был записан всей группой, и она была открыта для написания материала, но на втором альбоме Ронни даже не захотел слушать мои песни. Он обратился за сочинением к другим людям, а я говорю: «Подожди, у меня же есть все эти песни». Итак, мы написали в соавторстве только четыре для альбома, и одну из них он назвал своей собственной, это была «I Got the Fire». Я написал текст, а он сказал, что забыл поставить моё имя на пластинке».
«I Got the Fire» – действительно потрясающий рок-хит, который украсил бы любой альбом. Её позже перепели Iron Maiden и другие группы. В соавторстве Монтроуза и Хагара были созданы ещё «The Dreamer», дум-трек с мега-риффами в сочетании с фирменным вокальным стилем Сэмми, а также «Spaceage Sacrifice» и заглавный трек, который погружает в гипнотический грув, подкреплённый неортодоксальной племенной перкуссией, и завершается великолепным соло на слайд-гитаре Ронни Монтроуза. Была ли когда-нибудь более резкая критика мировой денежно-кредитной политики?
Что касается сольных вещей Ронни, то они включали в себя захватывающую фанк-инструментальную «Starliner», в которой представлены приключения в открытом космосе, и удивительно амбициозную, с прекрасной мелодией и хорошо оркестрованную «We're Going Home» – одну из лучших рок-баллад 70-х. Разве нет?
Однако две кавер-версии, выбранные для «Paper Money», заставили большинство слушателей почесать в затылках. Первой была малоизвестная «Underground» группы Chunky, Novi & Ernie, аранжировка которой в стиле софт-рок не соответствовала коллективным талантам Montrose. Второй была гораздо более впечатляющая сочная переработка песни «Connection» от The Rolling Stones с их альбома 1967 года «Between the Buttons» – растянутая почти втрое по сравнению с оригиналом и исполняемая, по ощущениям, раза в три медленнее.
В конечном счете, все это привело к крупнейшему успеху группы в США. Второй студийный альбом Montrose, выпущенный 11 октября, стал самым успешным релизом группы, заняв 65-е место в штатовском «Billboard 200» и 73-е – в канадских чартах. По факту «Paper Money» является последней записью группы с оригинальным вокалистом Сэмми Хагаром, который поссорился с Монтроузом и ушёл в середине тура в поддержку альбома. В качестве резюме: альбом довольно приятный в целом. Нет ничего, что заставило бы вас его выключить и прекратить прослушивание.
Cockney Rebel «The Psychomodo», лейбл «EMI»
Оригинальный состав Cockney Rebel был сформирован, когда певец и гитарист Стив Харли в 1972 году со своим бывшим партнером по фолк-музыке Жан-Полем Крокером (скрипка, мандолина, гитара) прослушали и наняли барабанщика Стюарта Эллиота, басиста Пола Джеффриса и клавишника Милтона Райм-Джеймса. Отыграв всего пять концертов, они подписали контракт с «EMI». Их первый сингл «Sebastian», потрясающая рок-баллада, сразу же завоевал успех в Европе, хотя и не попал в британский чарт синглов.
Их дебютный альбом «The Human Menagerie» был выпущен в 1973 году и получил положительные отзывы критиков, но не попал в альбомный чарт. Странный, причудливый глэм с элементами арт-рока не походил ни на T.Rex, ни на Slade, ни на братьев Маэлов из Sparks, ни даже на Боуи. Уже наличие электроскрипки говорило о фолковых истоках. Харли умудрился разозлить значительную часть музыкальной прессы своим самовозвеличиванием, в то время как сама музыка получала восторженные отзывы и завоевывала широкую аудиторию. Именно тогда он написал материал для «The Psychomodo», вобравший в себя 9 треков.
«Я обнаружил, что больше не пишу в такой сюрреалистической манере. Я пишу немного более откровенно, менее утонченно. Я имею в виду, что тонкости «The Psychomodo», как мне кажется, теряются. Я думаю, что «Sling It» – это, пожалуй, самое скрытое важное заявление на альбоме, но, насколько я могу судить, оно осталось за кадром. «The Psychomodo» – это в значительной степени концепция: психомодальный поток сознания».
Cockney Rebel записывали «The Psychomodo» в феврале и марте на лондонских студиях «Morgan Studios», «Nova Sound Studios» и «Air Studios». Мастеринг был проведен на «Abbey Road Studios». Харли получил свой первый продюсерский зачет, поскольку он продюсировал альбом вместе с Аланом Парсонсом. По аналогии с «The Human Menagerie», в «Tumbling Down» были использованы большой симфонический оркестр и хор, а оркестровыми аранжировками дирижировал Эндрю Пауэлл. Авантюрная и амбициозная работа показала, что в группе есть настоящие таланты. Скрипач Жан-Поль Крокер выразил мнение, что «The Psychomodo» был гораздо более сильным альбомом, чем дебютный:
«Я думаю, что это большее достижение, чем можно было ожидать. Это совершенно другой альбом, и основное отличие заключается в том, как мы на нём играем. Мы хотели, чтобы первый альбом был тяжелее, чем он был на самом деле, но он получился довольно слабым, и большую часть времени мы звучали как фолк-группа».
После выхода пластинки обозреватели отмечали, что «The Psychomodo» иногда кажется немного неподходящим в музыкальном плане. «Он издаёт правильные звуки, но в них почему-то не хватает жизненной искры». Или вот ещё: «The Psychomodo – это как поход в цирк. За исключением того, что клоуны были более извращенными, чем обычно, а дом развлечений был полон гремучих змей и пауков».
Джефф Уорд из «Melody Maker» отметил, что «The Psychomodo» – это «бесстрашная маниакальная музыка, наполненная маниакальным творческим драйвом и удивительно противоречащая общепринятым формам. Наполненная интригой, она из тех вещей, которые должны заставить людей не смотреть на рок-музыку в зеркало заднего вида. Cockney Rebel – это её настоящее и будущее».
Вышедший в июне «The Psychomodo» стал прорывом группы в британском чарте альбомов. 14 сентября он достиг своего пика на 8-й строчке, правда, к тому времени Cockney Rebel уже распались. Становилось ясно, что Харли рассматривал группу просто как инструмент в реализации своих собственных талантов, с чем другие не были согласны.
☑ Если понравилась статья, не стесняйтесь ставить лайк и делать комментарии! Репост приветствуется!
❇️ Чтобы не пропустить новое, подписывайтесь на канал.
➤Другие материалы подобного рода: