В светской жизни одежда имела огромное значение. По фасону, ткани, вышивке, цвету наряда было многое понятно о статусе, сословие, семейном положении встречного с одного взгляда. К примеру, куртизанки носили шейные платки желтого цвета, еврейские женщины в средневековье обязаны были носить серьги, энен(средневековый головной убор) королевы был выше, а шлейф длиннее, чем у маркизы или графини.
На театральных подмостках по амплуа, маске и костюму актера тоже многое было понятно о его персонаже, даже если он ничего не успел сказать. В античном театре по выражению маски можно было узнать героя, хотя под застывшей маской мог быть один и тот же актер.
Впоследствии маска практически прирастала к актеру, он вынужден был играть определенный персонаж изо дня в день и не мог выйти за рамки маски. Особенно это проявилось в представлениях уличного театра Дель Арте. Даже не зная сюжета-импровизации, зритель догадывался, как будет вести себя персонаж: легкомысленная Коломбина, романтичный Пьеро, хитрый и предприимчивый Бригелла.
Маски с подмостков просочились в моду аристократии. Они не только давали возможность быть неузнанным, но и защищали кожу от ветра и зноя.
В эпоху позднего Возрождения важной составляющей театрализованных представлений стали аллегории. Сюжеты для них заимствовали из античной мифологии, позже начали придумывать оригинальные сюжеты. Часто такие представления привязывали к актуальным событиям(свадьба, военная победа).
Аллегории вошли в моду. Их исполняли, как интермедии, во время балетов и в перерыве между танцами. Это выглядело так: участники выходили на сцену, принимали эффектные позы, а церемониймейстер зачитывал значение и смысл сцены.
На балах- маскарадах задуманный аллегорический образ можно было расшифровать благодаря атрибутам: крылья и лук-Купидон, трезубец-Нептун, поскольку присутствующие были хорошо знакомы с античными мифами, угадать персонаж было легко.
Самым простым пояснением к карнавальному костюму служил жезл. К примеру, ЛюдовикXIV получил свое прозвище «Король-Солнце» после исполнения в «Королевском балете ночи» роли Солнца-Аполлона, на роль его Величества указывал жезл с навершием Солнцем.
Как я уже писала тут ⬇️
в XVIв, когда стало модно покровительствовать театральным труппам, вельможи-покровители часто жертвовали своё платье актерам. И актеры играли в спектакле именно в этих нарядах, невзирая на представляемую эпоху или исполняемую роль. А сами театральные наряды были настолько дороги, что в трудные времена актеры закладывали их под залог.
Публика приходила посмотреть, во что одеты актеры.
Костюм-собственность актера. Когда актер Флоридор из театра «Марэ» перешел в Бургундскую группу и покусился не только на роли премьера Бельроса, но и его гардероб, был скандал!
Мольер поломал тенденцию, при которой античные пастушки и плебс выходили на сцену в нарядах иногда стоящих дороже, чем у сидящих в зале аристократов. Он ввел в театральное действо одежду третьего сословия.
Начиная с эпохи Возрождения, сценический костюм был весьма условен, как и декорации спектакля. Главное, чтобы наряд производил впечатление. Практически до ХIХв исторический костюм был условным. Для античных и псевдоантичных пьес имелся комплекс костюмов, называвшихся habit a la romaine («одежда в римском стиле»), отдаленно напоминавших парадные доспехи римских императоров и туники и столы матрон.
В 1823г Джеймс Робинсон Планше, британский специалист по истории костюма, драматург и антиквар поломал существующую тенденцию, выступив, неожиданно для себя, в роли художника по костюмам в постановке шекспировского «Короля Иоанна». Он добился, чтобы все костюмы были сшиты в по моде ХIIIв, соответственно действия пьесы. Это было настолько необычно, что в рекламе постановки отдельно отмечалось, что «Каждый герой трагедии будет облачен в точные реплики нарядов и украшений ХIIIв, воссозданных с помощью сохранившихся образцов средневекового английского искусства-скульптур, печатей, иллюстрированных манускриптов и витражей и так далее». После оглушительного успеха, Планше пригласили разрабатывать костюмы для других шекспировских постановок.
В XVIIIв во Франции тоже была предпринята попытка ввести в спектакль исторический костюм. В спектакле 1785г «Китайский сирота» по Вольтеру, актеры Лекон и Клерон появились в «стилизованных» костюмах. А в 1789г в «Бруте»Вольтера актер Жозеф Тольма, исполнявший роль Прокула, вышел в костюме «настоящего римлянина»: в тоге и сандалиях на босу ногу! Это вызвало скандал.
Вот высказывание Луизы Конти: «Как он смешон! Он выглядит как античная статуя!». Но в это время во Франции, благодаря Наполеону, в моду входила античность, поэтому идея прижилась.
Курьез, но тема исторического костюма не затронула женских персонажей. Прима должна была играть в нарядах по моде. Даже Клеопатре на сцене приходилось носить турнюр. Иногда в самой пьесе присутствовали описания нарядов, а по ходу представления платья меняли до 7 раз. Это было дорого. Прима одевалась у лучших портных.
Платье Леди Макбет, в исполнении Элен Терри, вызвало фурор. Это легендарное платье, запечатленное Джоном Серджентом, создала художник по костюмам Элис Карр. Поклонница творчества прерафаэлитов, Элис Карр стремилась реформировать неудобные викторианские платья.
Прямой покрой «эстетического платья» стал образцом для прогрессивно настроенных дам. Для изготовления верхнего платья Леди Макбет использовали мягкую зеленую шерсть и жесткую синюю канитель из Богемии. Оно представляло собой сетку с крупными ячейками. Отделка верхнего платья была весьма экзотична: его расшили надкрыльями тропического жука семейства златок, которые нашили как пайетки по всему платью.
На отделку ушло более 1000 чешуек. Нижнее платье по силуэту напоминало верхнее. По краям и подолу нижнее платье украшали вышитые красными и белыми самоцветами кельтские руны. Наряд ошеломлял.
«Революция в театральном костюме» затронула только драматический театр. Консервативные опера и балет не отказались от эффектных костюмов, а актеры «легких жанров» оперетты и мелодрамы не стремились к правдоподобности сценического костюма.
Что касается Драматического театра, существовала практика: актеры выступали в «униформе»-парадном черном фраке, а для туалетов актрис приглашались лучшие кутюрье.
С модельером заключали контракт, согласно которому он создавал бесплатно для актрисы несколько нарядов для конкретного спектакля, а прима обязалась играть только в этих нарядах, ненавязчиво рекламируя «коллекцию» маэстро.
Продолжение следует.
Иллюстрации взяты из журнала "История моды" и интернета. Лайки и комментарии приветствуются.
