Дарья Гнатченко
Видеоарт – искусство, которое использует видео и аудиотехнологии для создания уникальных произведений. В 60-х годах прошлого века, когда портативные камеры только начинали появляться, эта новая форма самовыражения была ещё на стадии экспериментов.
60-е годы известны революционными движениями: от студенческих волнений до политических переворотов. Бурное время не обошло стороной и искусство, породив новые течения, группировки и медиумы. Одним из примеров такого переворота является видеоарт.
С чем же связано появление медиума?
В 60-е телевизоры встречались практически в каждом доме, постепенно появлялись мобильные камеры для записи видео, а инженеры начинали представлять первые модели компьютеров. Сдвиг в сторону технологичности предоставил художникам огромное поле для экспериментов.
У истоков видеоарта стояли три художника – Нам Джун Пайк, Брюс Науман и Энди Уорхол. Работы каждого из них можно классифицировать с помощью системы Антонио Джезуа (историка медиа и культуры): «камера на себя», «камера на мир» и эксперименты с видеотехникой.
Эксперименты с видеотехникой
Пионером видеоарта был Нам Джун Пайк – американский художник корейского происхождения, основатель художественного движения Fluxus, а также технологический новатор в искусстве 60-х годов.
Пайк рос в богатой семье, поэтому получил доступ к телевизору ещё в раннем возрасте. Однако художник не особенно смотрел передачи – он относился к телевизору как к некоему ритуальному феномену.
Телевизор в творчестве Пайка – предмет для медитации. Дзен-буддизм, ставший популярным среди художников 60-х годов, устанавливал новое отношение к объектам как к самостоятельным феноменам.
Чтобы достигнуть подобного, Нам Джун Пайк художественно расстраивал телевизор, превращая пластмассовую коробку в самостоятельный арт-объект. Примером подобного являлась работа «Zen for TV» (1963), где художник «сломал» телевизор с помощью магнита. В произведении исследовалась сама физическая и онтологическая природа видеосигнала. Телевизор обнажался в своей технологичности и показывался как таковой.
Кроме медитативной функции, телевизоры у Нам Джун Пайка имели и акционистское значение, превращаясь в объект для политического высказывания. Например, в работе «TV–Cello» (1976), созданной совместно с виолончелисткой Шарлоттой Мурман, телевизоры были собраны в музыкальный инструмент. В произведении соединялась и живая музыка, и виолончель, и телевизоры, транслирующие выступления реальных музыкантов.
Нам Джун Пайк не создавал видео с нуля, а манипулировал уже готовыми технологическими образами и физическими явлениями. Его интересовало не столько само движущееся изображение, сколько возможности технологий, ежедневно присутствующих в жизни каждого человека.
«Камера на себя»
Ещё один подход можно встретить в работах другого американского художника – Брюса Наумана. Он концентрировался как раз на феномене видео и том, что можно сообщить при помощи движущегося изображения. Само видео (с героем и сюжетом) становилось способом для концептуального высказывания.
Тема, интересовавшая Брюса Наумана – соотнесение человека, физического пространства и цифровой реальности камеры. В видео «Хождение в преувеличенной манере по периметру квадрата» (1966) Науман несколько минут ходил разными стилями по квадрату, вылепленному на полу в мастерской с помощью скотча. Человеческое тело становилось редимейдом, тем самым превращая художника тоже в своего рода готовый художественный объект. Похожую концепцию можно встретить в работах «Позиции у стены и пола» (1968), «Отчеканивая студию» (1968) или «Прыгая в углу» (1969).
Кроме прочего, революционным в работах Наумана являлось впускание зрителя в творческую мастерскую, которая долгое время была закрыта для публики и являлась сакрализированным пространством художественного мира. В контексте этого он говорил:
«Если я художник, и я в мастерской, то, что бы я ни делал в мастерской, это должно быть искусством».
Художник переосмыслил видео как самостоятельное художественное произведение, начав делать перформансы специально для съёмки и адаптируя их под технические особенности камеры.
«Камера на мир»
Энди Уорхол получил в руки первую видеокамеру в 1963-м году, однако долго не приступал к работе с ней, уделяя больше времени своим редимейд-работам и шелкографии. Когда же художник наконец начал использовать видео, то снимал мир вокруг: своих друзей и любовников, города и квартиры. В итоге Уорхол создал около 400 подобных работ.
Наиболее известными из них являлись «Sleep» (1964) или «Blow Job»(1964), которые показывали темпоральность таких физических явлений как сон или сексуальный акт. Так, например, работа «Sleep» длилась 5 часов 20 минут и состояла из не меняющегося кадра со спящим другом художника Джоном Джорно.
Художник разработал концепцию «антифильма», отрицающую сюжет, нарратив и развитие персонажей, и создал новый способ смотреть на мир вокруг. Его взгляд – это внимательное и длительное вглядывание в простые физические процессы или здания, окружающие человека.
Например, как в ещё одной работе художника – «Empire» (1964). Произведение состояло исключительно из статичного кадра Эмпайр-стейт-билдинга и показывало контраст между течением времени и неизменностью человекотворных объектов.
Сегодня видеоарт продолжает развиваться и оставаться актуальным в контексте современного искусства, и немаловажное влияние на это оказали пионеры жанра, показывающие, насколько разнообразным, волнующим и интересным может быть движущееся изображение.