Если кто-то вдруг пропустил первую часть обзора картин российского художника Михаила Врубеля, он может начать изучать его биографию и искусство вот на этой странице. А перейдя по этой ссылке вы увидите продолжение рассказа.
11 картина. «Портрет Саввы Ивановича Мамонтова»
- Дата создания: 1897 год
- Размеры: 187 х 142,5 сантиметра
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Искусство предполагает собой эксперименты, особенно такое, как живопись. Многие русские художники испытывали желание экспериментировать, но не все могли выражать свои внутренние чувства. Творчество Врубеля показало, что художник отказался от работ в публицистическом стиле. Поток художественных инноваций отвергал существование аналогов шедевров Михаила Врубеля. Этот живописец – личность сугубо индивидуальная, которая живёт в мире ярких красок и реальности. На счету Врубеля множество работ самых разных жанров, в том числе и портретная тематика.
В 1897 году произошло создание портрета Саввы Мамонтова – мецената и предпринимателя. Купец Савва Иванович комфортно расположен в кресле, будто сейчас начнёт деловую беседу. Презентабельный вид Саввы Ивановича свидетельствует об утончённом вкусе Врубеля. Эта комната представляет собой кабинет, в котором работает Мамонтов. «Русский Медичи» настолько суров, что, по мнению критиков-портретистов похож на былинного богатыря. В работу добавлена гиперболичность и экспрессия – основная цель Врубеля. Выражается нрав предпринимателя, как у царя, это заметно, если увидеть взгляд Саввы Ивановича. Индивидуальность и строгость также присутствуют в образе Мамонтова, художник не останавливается на передаче эмоций и настроения.
Шедевр Михаила Врубеля – совершенная выразительность структуры творчества живописца. Создав образ мецената, Михаил Александрович воплотил тем самым проект своих мыслей и образов. Не всегда натура могла ему подойти, не потому, что он был привередлив к внешним данным человека. Это обуславливалось его неусидчивостью и быстротой, поэтому портрет горделивого Саввы Ивановича, был не окончен. Основная цель Михаила Врубеля – донести зрителю поток чувств и интересов, не только реального мира, но и души портретируемого.
12 картина. «Портрет Поэта Валерия Яковлевича Брюсова»
- Дата создания: 1906 год
- Размеры: 104 х 69 сантиметров
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Об истории написания этого портрета стоит рассказать особо. И прежде всего, нужно рассказать, как так получилось, что Врубелю, в то время уже совершенно выжившему из ума, вообще дозволили рисовать. Да, ныне великий художник Михаил Врубель, был сумасшедшим. К этому его привело общество и семейные неурядицы. Но в первую очередь именно общество. Долгое время его не признавали художником. Над ним смеялись и глумились, все его полотна неизменно получали отвратительную критику, и никто не вставал на его защиту, кроме нескольких человек. Одним из них, был великий меценат Савва Мамонтов.
Это ему впоследствии удалось создать такие условия для художника, что тот стал работать в своё собственное удовольствие и совершенно забыл о нищете. Но это не помогло ему в здоровье, оно всё-таки ухудшалось. И его лечили, лечили долго и в разных больницах. Но однажды его друзья-художники рискнули и собрали тридцать шесть его полотен для большой выставки, чтобы доказать всем что их друг не сумасшедший, а просто крайне талантливый художник. И это у них получилось. И Врубеля, наконец, признали замечательным художником. Но как поздно это случилось.
Данный портрет рисовал он в ту пору, когда наступило очередное просветление рассудка и врачи дали разрешение на рисование. Брюсов лично позировал ему. Но было сделано ещё одно условие: утром Брюсов позировал – Врубель писал, а потом позировал уже сам Врубель, а его друг Валентин Серов рисовал уже его. А сам Брюсов очень жалел, потому что не сообразил сразу сфотографировать черновой вариант своего портрета. По его мнению, Врубель хорошо сделал его портрет именно в черновом варианте. А вот в этом цветном – оно получилось какое-то странное, и Брюсов был им немного не доволен. Потом Врубель даже этот вариант немного не дорисовал, недоработал. Сей портрет считается незавершённым. Но это всё же одна из последних осознанных работ руки мастера.
13 картина. «Демон Поверженный»
- Дата создания: 1901-1902 годы
- Размеры: 139 х 387 сантиметров
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Демон в этом произведении низвергнут в ущелье. Его руки и тело стали беспомощными, крылья разметались, ими демон окружён, как костром. Они сверкают и переливаются. Мыслью художника здесь была – вечность и нетленность павлина. Не только красота этой птицы привлекла художника. Задний фон картины – это горная местность в закате. Главный герой получился стеснённым и зажатым. Картина вышла в стиле Врубеля, с исполнением кристаллических граней. Такие грани художник выполнял благодаря плоским мазкам, выполненным мастихином.
В работе над полотном, Врубель добавлял в краску бронзовый порошок. Это придавало ему блеска. Но со временем этот порошок темнел, и сейчас картина выглядит совсем не так, как тогда. Тогда полотно выглядело не так, как лучшие работы Врубеля. Этой работе не хватало оттенков и насыщенности, переходов от одного цвета к другому. Из-за техники, которую использовал Врубель в этой работе, полотно представляет собой не столько художественный смысл. Это работа, воплощает идею падения человека, сгорания его характера.
До этой работы был сильный и крепкий (сидящий демон). Но сейчас его руки стали бессильными, они заломлены. Вокруг него тёмный мрак. В картине преобладают золотой, синий, голубой, лиловый и розовый – это любимые цвета Врубеля. Скорее всего, основной задумкой художника была мысль о невозможности победить демона, о его гордости. Но в итоге получился сломленный и поверженный демон, слабый в своём исполнении. Врубелю не удалось воплотить свою идею в жизнь, получился сломленный образ, слабый и безумный.
14 картина. «Демон Летящий»
- Дата создания: 1899 год
- Размеры: 138,5 х 430,5 сантиметров
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Как и многие другие работы кисти мастера, сия картина тоже осталась незавершённой. Врубель хорошо проработал задний фон произведения, представляющий собой типичный кавказский пейзаж. Что касается самой фигуры демона, то она настолько схематично прорисована, что авторскую идею, пожалуй, можно только угадать. Работа выдержана в суровом колорите коричневых и серых тонов. Атмосфера тревоги и надвигающейся трагедии создана автором просто идеально. Демон словно продвигается по узкому пространству между небом и землёй. Он уже ограничен в перемещении, а впереди его ждёт полное поражение.
Великолепно передана фактура складок одеяния героя, а вот контуры тела лишь намечены схематично. Мастер пытался добиться гармонии между фигурой демона и окружающим его пейзажем. Для художника демон – это символ противостояния всему, непокорности и отважной защиты своих убеждений, вопреки всем авторитетам. Свобода – главное для мастера в его герое. Коричневые тона – отсылка к оперению орла. Причины, по которым автор оставил работу незаконченной, остались неизвестными. Возможно, мастер не нашёл достаточно глубокой идеи для полотна, или посчитал сам сюжет достаточно упрощённым. Известно, что через год художник вернётся к образу падшего ангела.
15 картина. «Богатырь»
- Дата создания: 1899 год
- Размеры: 321,5 х 222 сантиметра
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
Работа была написана мастером очень быстро, без предварительных эскизов, практически сразу на холсте. Нарочитая сказочность, утрирование образа, фантастичность содержания – всё в этой работе выглядит оправданным и гармоничным. Даже искажение пропорций и нарушение перспективы не выглядит чем-то неоправданным и излишне эмоциональным. Мастер работал над своим богатырём с упоением, его главной идеей стало выражение символического смысла гармоничности и цельности былинного образа. Богатырь у мастера, хоть и небывалой мощи, но с удивительно детскими и наивными глазами.
Богато одет былинный воин. Его верный конь словно вырастает из земли, сливаясь с ней и впитывая в себя всю силу природы. Окружающий героя лес также полон сказочных и фантастических деталей. Над головой героя – багряное вечернее небо. Едва различимые детали позволяют зрителю проникнуться сказочной атмосферой, созданной автором. Картина удивительным образом вовлекает зрителя, удерживает его внимание и заставляет поверить в реальность изображения. Сказка внезапно становится явью.
16 картина. «Снегурочка»
- Дата создания: 1890 год
- Размеры: 25 х 17 сантиметров
- Место нахождения: Рязанский Государственный Областной Художественный Музей имени Ивана Петровича Пожалостина (Рязань, Россия)
Михаил Врубель, великий живописец, создававший свои шедевры в направленности постимпрессионизма. В своих работах он использовал особую технику написания картин, которая поражает ценителей искусства и в наши дни. Напряжённые цвета в его работах, принуждают проверять разноплановые ощущения, точная деловитость образов, необъятный фатум. Благодаря всему этому, невольно замираешь и рассматриваешь картины с фантастическими сюжетами. Было сохранено большое количество изображений актрисы Надежды Ивановны Забелы. Она выступала и в роли его «Музы», «Морской Царевны», а также «Весны». Наиболее красочной среди образов Художника, является полотно «Снегурочка».
Михаил Врубель ярко запечатлел распущенные локоны девушки и образ лица, который ему нравился. Героиня на фоне белоснежного бора, с глазами в некоторой дремоте и с немного томной улыбкой. Покрытые снегом еловые ветви охватили тени с синеватым оттенком. Снегурочка не боится холода и мороза, потому что она и есть хозяйка в этом сказочном лесу, милая кудесница с необычными глазами.
Художник постоянно усовершенствовал образ Надежды Забелы, на картинах и в жизни. Врубель придумывал для неё различные модели платьев с разнообразной серией цветов. Гардероб увеличивался постепенно. Ассортимент одежды состоял из ярких цветов, которые должны блистать на супруге. Но Надежда такую роскошь критиковала неудобством. Мысленно ругая художника за наряды, она всё равно надевала платье и уверенно носила его. И даже после нескольких лет семейной жизни супруга Михаила Врубеля таила в себе притягивающую загадку, которую живописец видел в природе и музыке.
17 картина. Триптих «Фауст»
- Дата создания: 1896 год
- Размеры: «Мефистофель и Ученик» (левое панно) – 521 х 110 сантиметров; «Маргарита» (среднее панно) – 435 х 104 сантиметра; «Фауст» (правое панно) – 521 х 104 сантиметра
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Триптих создавался для украшения интерьера дома одного из меценатов семейства Морозовых. Сюжет хорошо известен не только, как основа многочисленных литературных произведений, но и благодаря опере Шарля Гуно. Художник часто обращался к оперным сюжетам и любил «писать» музыку.
Первая часть триптиха – это молодой ученик и враг рода человеческого. Контраст двух образов разителен, конфликт работы в противопоставлении чистой юности, жадной до всего нового и неведомого. Центральная его часть – прекрасная Маргарита. Мастер писал эту часть работы со своей жены. Её вполне можно охарактеризовать, как гимн чистой любви и красоты. Завершает триптих – уже зрелый образ Фауста. Логично остановившись на ключевых моментах произведения великого поэта и композитора, мастер обращает внимание зрителя на важнейшие моменты жизни каждого человека. Здесь и неопытная юность, подверженная влиянию порока, и чистое светлое чувство, и заслуженно мудрая зрелость.
Монументальность идеи триптиха соответствует и монументальности её воплощения. Три самостоятельных панно, связанных воедино одной большой общей темой.
18 картина. «Богоматерь с Младенцем»
- Дата создания: 1885 год
- Размеры: 202 х 87 сантиметров
- Место нахождения: Кирилловская Церковь (Киев, Украина)
Создавая одну из алтарных икон храма XII столетия, мастер старался придерживаться канонов византийской живописи. Несмотря на строгие правила, работа всё же выделяется из общего ряда и представляет собой новое слово в русской иконописи. В качестве модели для иконы автор выбрал жену и ребёнка своего близкого друга – искусствоведа. Зритель не в силах оторвать взгляд от необыкновенно одухотворённой и глубокой по смыслу работы. Художнику удалось придать образам трагичность и торжество, парадность и сострадательность.
Позолота, тёмно-красный тон одеяния Богородицы, белоснежные одеяния младенца Иисуса Христа – всё в работе стройно и гармонично. Необычно для зрителя выражения лиц на иконе. Реалистичность и выразительность образов сильнейшим образом воздействует на зрителя. Именно с этой работы и началась слава мастера в России.
19 картина. «Муза»
- Дата создания: 1896 год
- Размеры: 40 х 33 сантиметра
- Место нахождения: Государственная Третьяковская Галерея (Москва, Россия)
Весь жизненный путь художника сопровождала, по сути, одна и та же женщина – Надежда Забела – его жена. Это утверждение можно смело применить и к творчеству Врубеля. Каких бы женских героинь ни запечатлевал на своих полотнах художник – Морскую Царевну, Весну или Маргариту – в них можно было всегда заметить черты Надежды. Улыбка, которая слегка освещала уста, большие глаза, несколько удлинённый овал лица, тонкая фигура и длинные худые руки – всё это становится неотъемлемой чертой женских героинь Врубеля. В то же время художник не раз создавал портреты своей жены.
Картина «Муза» тоже относится к одному из них. Однако не стоит забывать, что перед нами особая вариация портретного жанра – портрет-фантазия, портрет-вымысел, в котором нет места тривиальному реализму и грубому натурализму. Особенно это проявляется в необычайно глубоких глазах женщины, которые, как кажется, готовы в любую минуту засверкать изумрудным инфернальным огнём. То же самое касается распущенных волос героини, которые в определённый момент теряют свою материальность, становятся чем-то наподобие бестелесного ветра, пламени.
В самом облике женщины, в окружающих её цветах, проскальзывает что-то сказочное: сказывается художественный опыт Врубеля. Так и вспоминаются сразу «Золотой Петушок» или же «Сказка о Мёртвой Царевне» Александра Пушкина. В то же время в картине ощущается некий налёт декоративности, черты, присущей большинству художников-символистов и особенно Врубелю. Отметим, что подобная характеристика применима и к другой «Музе» художника – картине, написанной несколькими годами ранее. И на этом полотне изображение Надежды, сидящей на лавочке, не лишено некой условной декоративности, театральности, за которую мы так любим и ценим творчество Врубеля.
20 картина. «Венеция»
- Дата создания: 1893 год
- Размеры: 319 х 134 сантиметра
- Место нахождения: Государственный Русский Музей в Михайловском Дворце (Санкт-Петербург, Россия)
В период между 1891 и 1894 годами художник путешествует по Европе, посещает Венецию, Париж, Милан, Рим, Афины, бывает в Испании. Главная цель путешествия – повидать мир и получить вдохновение на создание новых сюжетов, которых увидеть удалось в большом количестве, идеи так и сыпались, художнику оставалось только воплощать их в жизнь. Так, после посещения Венеции и возвращения в Россию, Врубель пишет декоративное панно с одноимённым названием и дарит его дому Дункеров в столице.
На полотне, написанном в духе эпохи Возрождения, изображена Венеция во всей своей красе, в разгар большого Венецианского фестиваля – одного из старейших фестивалей мира. В центре картины две разодетые по случаю праздника женщины, за их спинами улица, полная гудящей толпы и старинные здания, среди которых хорошо заметен краешек Дворца Дожей и Мост Вздохов. Боковую часть панно занимает собой патриций, он вглядывается в своего соседа напротив, по всей видимости ведётся тихий разговор, рождаются и раскрываются тайны.
При написании полотна художник использовал фотографии, считая, что в этом нет ничего противоестественного, поскольку фотографии тех мест, где никогда не удастся побывать, либо фото мест, воспоминания о которых слабы, для художника могут стать незаменимыми помощниками в его работе. Картина, в общем-то, мрачная и понять, насколько события на ней изображённые – достоверны – нельзя, поскольку карнавал, как считают сами итальянцы, не подвержен такому понятию, как время, что означает вполне вероятную возможность встречи художника со своими героями лично в одну из его поездок по городу утопающему в праздничном карнавальном шествии.