Есть такие художники, которые делают почти невозможное – создают свой собственный узнаваемый стиль, отличный от остальных своих коллег. И многие из них родились в нашей стране.
Вот о них и пойдет сегодня речь.
Художник Владимир Куш.
Владимир Куш родился в Москве в 1965 году в небольшом деревянном доме с резными окошками и собственным вишневым садом недалеко от известного московского парка «Сокольники».
Вся мужская половина его семьи увлекалась рисованием. Не стал исключением и Владимир. Его «карьера» художника началась в три года, как только мальчик научился держать карандаш, сидя у папы на коленях.
В семь лет, наряду с общеобразовательной школой, Владимир начал посещать и художественную, где задерживался до позднего вечера. Обычные уроки приходилось делать в метро по дороге домой… Художественная школа открыла Владимиру настоящую свободу творчества. Здесь он познакомился с работами великих мастеров Ренессанса, со знаменитыми импрессионистами, с творчеством современных художников. Здесь он почерпнул заряд неиссякаемого вдохновения для своих ранних работ. Здесь написал свою первую сюрреалистическую картину.
В 17 лет Владимир Куш поступает в Строгановское училище, но уже через год отправляется служить в армию.
В 1987 году Владимир начинает участвовать в выставках Союза Художников. В 1990 году он вместе с двумя другими российскими художниками успешно показывает свои работы в Германии в городе Кобург. По окончании выставки пути художников расходятся: коллеги Владимира возвращаются домой, а сам он летит в противоположном направлении – в Лос-Анджелес, где успешно выставляются еще 20 его картин. Так начинается «американская одиссея» Владимира Куша.
Неожиданность связи и внезапное озарение, по словам художника, являются истинной мерой ценности картины. Картины Куша создают ассоциативные связи между, казалось бы, несочетаемыми предметами, которые в переплетении или с неожиданного ракурсе создают нечто уже виденное, но с неожиданной стороны.
Иногда его творчество относят к сюрреализму, но по словам Куша от сюрреалистов его отличают не только идеологические рамки, но и изображение реальных неискаженных предметов, отсутствие в его работах тёмных, мрачных тонов, что чрезвычайно важно.
Работы Куша в целом отличаются умиротворённостью и философской созерцательностью. Он мастерски превращает обычные предметы и окружающую среду в истинно сюрреалистическое чудо. Сам же художник так пишет о своем творчестве:
«Работая над созданием картин, я открыл для себя язык, который понятен многим людям. Я рисую не просто милые, сентиментальные картинки, а пытаюсь выразить нечто воспринимаемое и понятное многим, нечто, что оставляло бы тёплый след в душе».
Я уже давно являюсь поклонником необычного искусства этого художника и был в двух его персональных галереях, которые меня очень впечатлили.
Сегодня я хочу познакомить всех с его очередными картинами. К некоторым Куш дает пояснения, а у некоторых имеются только названия, дающие зрителю простор для воображения и возможность понять - какие представленные на картине образы дают подсказки для понимания заложенных в названиях картин смыслов, предлагая зрителям включить собственное воображение.
Картина «Ключ к сердцу».
Многие работы художника посвящены теме любви.
На замке находятся фигуры двух влюбленных, а скоба образует над ними своего рода арку или свод.
Замочная скважина как вход — это своего рода метафора, присмотревшись, мы видим, что внутри замочной скважины находится лестница, ведущая в некое невидимое пространство. Возможно, художник имел в виду дом или квартиру для влюбленных.
Картина «Огненный (зажигательный) танец».
Авторское пояснение от ее создателя к этой картине такое:
«В древности люди поклонялись солнцу как божеству. Безусловно, солнце дарит тепло и жизнь и людям, и цветам.
Ночью древние исполняли танцы вокруг костра. В этих танцах они представляли себя маленькими планетами – движущимися, кружащимися, вращающимися - вокруг великого солнца.
Ночью, когда вокруг сгущается тьма, и все спят, цветы вместе исполняют веселый танец, взявшись за руки подобно людям. А так как костер красный, то и люди, и цветы облачаются в красные одежды».
Образ огненного танца на этой картине перекликается с «Танцем» французского художника Анри Матисса, изображающим экстатический круговой танец красных женщин.
Что мы видим в «Танце» Матисса? На фоне синего неба пять женщин, взявшись за руки, танцуют на земле. Вот и весь сюжет. При этом нет никакого проработанного фона, ни одной лишней детали, только процесс — художник просто зафиксировал мгновение. Не совсем пропорциональные тела, не прорисованные лица, развевающиеся волосы. Кстати, если посмотреть на живых женщин в хороводе, то они будут выглядеть примерно так же: смазанные образы, перемешанные детали, только движение.
И вот получается, что такая же смазанность наблюдается и у Куша, при этом и у него как и у Матисса красный цвет приобретает символичность внутреннего жара. Как и у французского художника сочетание зеленого и синего цветов объединяет вместе с фигурами людей небо и землю.
Нет, это не прямое копирование или заимствование, это продолжение идеи, воплощенной Кушем в своей собственной манере письма. Тем он и интересен, что узнаваем и не просто рисует красивые картинки, а наполняет их смыслом.
Картина «Раковина».
Мир как гармония и цепь метафорических соответствий. Облака повторяют форму раковин, звезды — форму жемчужин. Инь и Ян тоже имеют вид спирали. Инь и Ян — это форма спирали, которую подчеркивает образовываемая этим слиянием раковина. Здесь каждая половина несет в себе новое зерно - в образуемой двумя телами раковине от их соединения зарождается нечто новое – новая сияющая как жемчужина жизнь.
Море и вода – главные источники жизни, символы преображения, очищения и воскрешения.
А потом, когда раковина отпустит жемчужину жить своей жизнью, ее подхватит Ангел и затрубит в нее, как в рог, воспевая славу Создателю этого мира…
Картина «Лунная соната».
«Лунная соната» — одно из самых известных произведений Бетховена.
Звуки, создаваемые пианистом из фортепиано-бабочки, осязаемы. Листы с партитурой взлетели и затрепетали в воздухе. Словно шелест листьев на ветру, движение пронеслось по рядам зрителей, одетых в коконы и взирающих на сцену с пристальным вниманием.
Страстный пыл пианиста «одухотворяет» инструмент, складки занавеса и фигуры зрителей, создавая ощущение неминуемого взлета. Музыка достигает своего пика, подчеркнутого торжественным красным колоритом картины. Красный цвет в картине подчеркивает величие момента, когда пианист достигает контрапункта, а экстаз публики достигает своего апогея.
Игра световых бликов на фортепиано и мерцающие отблески на занавесе создают неповторимое ощущение порхающей бабочки, которая у древних греков была символом души (psyche по-древнегречески).
А ведь и вправду, когда мы слушаем «Лунную сонату», то душа наша становится как бабочка, улетающая куда-то в космическое пространство…
Картина «Фонтаны».
В картине много странного и недосказанного. Тут и про «дороги, которые мы выбираем», и про многое другое. Кстати, обратите внимание на тени на этой картине: от третьего дерева от нас тень падает в другую сторону… Так что смыслов тут не один, если поискать.
Художник Роман Величко.
Признаюсь: картины Романа Величко мне понравились сразу – тем, что светлы, легки в восприятии, написаны так, что ты будто становишься соучастником происходящего, приоткрывая с их помощью дверцу в некие зыбко-сновидческие пространства.
Художник родился в 1968 году в Бийске. В 1993 году окончил факультет летательных аппаратов авиационного института, а в последние годы работает графическим дизайнером и параллельно создает свои необычные картины.
Работы художника выполнены в мягких пастельных тонах, создают удивительное настроение, окунаясь в которое ты будто становишься соучастником происходящего.
Его живопись пропитана атмосферой романтики и философии, позитивной энергетикой и символизмом, мягким колоритом и игрой света, она просто завораживает. А еще каждое из его полотен привлекает фантастическим сюжетом и живописным рассказом, застывшим во времени.
Картина «Звуки моря».
В общем, картины этого художника – некая прозрачно-воздушная позитивно-загадочная сказка, романтика, чувственность в яркой палитре красок. По сути, это некий сюрреализм, но сюрреализм я бы сказал нежный, в котором нет никакого надрыва, никакой мрачной потусторонности и гибельных пророчеств. А только любовь и грёзы.
Картина «Вишневый танец».
В общем, неожиданно и красиво. Право, это какое-то мягкое колдовское таинство, при этом это не бегство от себя, а наоборот - возвращение к себе, к своей гармонии с миром и самим собой, гармонии, почти нами утраченной, но благодаря таким художникам, как Роман Величко, вновь обретенной хотя бы ненадолго...
Картина «Кофе в полночь».
А еще его картины это что-то вроде возвращение в сказку… в какие-то прошлые и еле выразимые отголоски восприятия мира, его ускользающих влияний… это как теплый ветерок с моря… никто не знает – что это значит, но душа размягчается, останавливается суматошный бег времени…
Картина «Недолгая история».
Мне кажется, что у картин этого художника вообще нет границ. Они просто плавно перетекают в космос, в иллюзию и обратно. Можно их трактовать по-разному: как взгляд с земли в космос и наоборот. Но в любом случае они больше, чем просто изображение какого-то предмета или человека.
Картина «Пришествие».
А нижняя картина навевает мне ощущение от ночного сидения за печатной машинкой. Я - сова и ночь очень люблю, мне в ней лучше всего сочиняется. Потому и картина эта мне нравится даже больше остальных.
Картина «Сны старого города».
В общем, глядя на эту картину я вспоминаю ночь, портативную печатную машинку «Москва» и сидение за ней в попытках что-то сочинить толковое. Получалось не всегда, но удовольствие от самого процесса перевешивало.
Один из моих подписчиков Игорь Рубцов однажды со свойственной ему меткостью взгляда великолепно охарактеризовал картины этого художника: «Нежные, тончайшие эманации развитой Души Романа Величко открывают удивительный мир грез, наполненный дыханием полевых трав, женских фигур в сиянии света, волшебного превращения желаний в танец форм обычных предметов».
Очень точное определение, к которому мне мало что можно добавить.
Художник Михаил Хохлачев.
Михаил Хохлачёв (псевдоним Майкл Шеваль, 1966 г.р.) родом из самого южного в Волгоградской области небольшого города Котельниково. Детство мальчика прошло в творческой семье. Его отцом был Михаил Хохлачев, художник-самоучка, а дедом - Юрий Липов, профессиональный художник и скульптор. Творческие способности мальчика развились очень быстро, уже в три года он рисовал сложнейшие композиции.
Самое большое влияние, как считает сам живописец, оказали на него два великих сюрреалиста прошлого века - Сальвадор Дали и Рене Магритт. Однако сам себя Майкл Шеваль не относит к этому стилю. Согласно его определению, он - абсурдист, а его театр абсурда - это перевернутая реальность, обратная сторона логики, которая не приходит из снов и с глубин подсознания, а является продуктом игры воображения самого художника.
Рассматривая картины Хохлачева иногда думаешь – а так ли уж абсурдны полотна художника. Ведь весь наш мир, порой, и вправду кажется неким театром. Как говорил великий Шекспир в буквальном переводе на русский «Весь мир - это сцена, и все мужчины и женщины просто актеры: у них есть свои выходы и свои входы; и один человек в свое время играет много ролей…».
Картины Михаила Хохлачева - это игра воображения, где все связи тщательно подбираются для построения литературного сюжета. Любая из его работ - это карта его путешествия в иллюзию. Его работы часто носят метафорический характер и требуют острого глаза и широкой эрудиции, чтобы расшифровать часто скрытые намеки.
Художник так говорит о своих картинах:
«Всё начинается с абстрактной идеи, которую я просто записываю перед тем, как начать воплощать ее. Потом появляются несколько вариантов эскизов: определяются основные персонажи, костюмы, направление света. Я выступаю в роли режиссера пьесы. Это похоже на расстановку деталей на театральной сцене. И каждая новая картина – это новая сцена пьесы. Наброски на холсте занимают в среднем 3-4 недели. А на разработку концепции иногда могут уйти годы».
Когда картина, наконец, готова, художник выставляет ее на суд зрителя. Он не требует от зрителя полного согласия, полагая, что у каждого человека свой опыт, свое видение мира. Он ожидает диалога между художником и зрителем и между зрителем и картиной.
«Самое главное, что результатом этого диалога должно стать то, что зритель создает свою собственную презентацию, свою концепцию, основанную на идее моей картины. Это то, что я называю сотворчеством» - так говорит художник.
Картина «Качели любви».
Как рассказал сам художник:
«Вдохновением для картины послужил «Фигаро» Моцарта. Меня посетили мысли о легкости любви и тяжелом грузе ответственности».
Так что же на картине происходит?
Женщина влюблена и парит в воздухе над хрупким музыкальным инструментом. Мужчина на качелях – достаточно эгоцентричный. Он размышляет о прекращении отношений и уже приготовил ножницы, чтобы перерезать трос гамака. Самопожертвование - качество, которое требуется в отношениях от обоих влюбленных. Однако, в этой «пьесе» Она жертвует собой, поддерживая и защищая своего возлюбленного - Он даже не касается «грешной» земли. Он принимает Ее заботу, но не способен на взаимность - Его душа молчит, как скрипка в его руках. Как долго Она будет очарована Им? Пока самообман, порожденный Ее любовью, не исчезнет, как утренний туман.
Корабль на заднем плане - символ надежды. Как корабль-призрак он плывет по туману, который стелется по тосканскому пейзажу.
Рука за занавесом, держащая второй конец гамака, возможно принадлежит тому (или Той), кто поддерживал мужчину раньше, и, возможно, продолжит поддерживать в будущем.
Кстати, сам художник выступил моделью для мужчины. А вот женщина – это продукт его воображения.
Картина «Представьте себе (памяти Джона Леннона)».
Что касается представленной картины, то какие же еще подсказки помещены художником для понимания ее смысла картины – это я доверю найти вам самим.
Единственное, что я хочу сказать по поводу картины – Джон сидит над тем самым местом в Центральном парке Нью-Йорка, над которым по легенде развеяли его прах.
Вот мое фото этого места.
А это дом в Нью-Йорке, в котором жил Джон до последнего дня.
А это подъезд этого дома.
А вот фото, на котором Джон дает автограф Марку Чепмену, тому, кто через несколько часов лишит его жизни. Кто мог знать...
А это знаменитый диск Джона, на котором одно из его фото расположено так, словно он лежит... а второе фото - словно он уходит в небо... многие видели в этом предзнаменование его гибели...
Картина «Признание в любви».
Как сказал однажды сам художник:
«Я вырос среди солдат и офицеров и знаю, что это особый тип людей и как они выражают свои эмоции».
Говорят, что мужчины - это навсегда мальчишки. Со временем меняются только игрушки, но в глубине души они продолжают играть. Офицер армии, командующий реальными вооруженными силами, когда-то был мальчиком с игрушечными пушками и солдатиками. Но детские игрушки не идут ни в какое сравнение с чувством романтической любви, и молодой человек сосредотачивает все свои усилия на этом желании. Женщину, в свою очередь, привлекает мальчик, которого она видит в мужчине, его безумные, восторженные и безрассудные поступки. Она обожает открытые проявления страсти, даже если они оказываются слишком смелыми.
Картина «Гавайский ангел».
Помимо всего прочего эта картина просто напоминание о красоте Гавайских островов, на которых я, увы, так и не побывал и видел их только на фото и на видео. Помните слова Тамары в конце «Пяти вечеров»?.. «Там очень красиво! Я, правда, там ещё не была, но говорят…»
Что касается того, что нравится или что не нравится в изобразительном искусстве, да и в искусстве вообще, то очень хорошо об этом сказал Илья Репин, с чьим мнением спорить трудно.
Что ж, на этом смею закончит сегодняшнюю публикацию. Надеюсь, что вы прочитали ее не без пользы для себя.
А что Вы думаете по поводу представленных сегодня художников? Напишите пару слов в комментариях. Будет интересно почитать Ваше мнение.
Ну, вот пока и всё на сегодня.
Радушно приглашаю всех на свой канал. Уверен – здесь вы обязательно найдете себе что-нибудь по вкусу и не зря потратите время.
Засим смею закончить и откланяться.
Подписывайтесь на мой канал, ставьте лайки, оставляйте комментарии и заглядывайте на огонек. А я постараюсь сделать всё возможное, чтобы вы получили от моих публикаций максимальную пользу и удовольствие.
Ссылки на предыдущие публикации о достойных современных художниках: