В наше время людям в социуме проблематично ощущать себя раскрепощенными, владеть своими эмоциями, общаться без проблем, иметь уверенность в себе. Большинство ощущают страх, агрессию, неуверенность, не могут выразить свои чувства и мысли. Эмоциональная подавленность приводит к внутренним зажимам, которые проявляются не только в мимике, речи, но и в движениях. Решить эти проблемы помогают упражнения по актерскому мастерству.
Актѐрское искусство — профессиональная творческая деятельность в области исполнительских искусств, состоящая в создании сценических образов, вид исполнительского творчества [7].
Исполняя определѐнную роль в театральном представлении, актѐр как бы уподобляет себя лицу, от имени которого он действует в спектакле. Путѐм воздействия на зрителя во время спектакля создаѐтся особое игровое пространство и сообщество актѐров и зрителей.
В силу своей синтетической природы театр позволяет любому участнику творческого коллектива в полной мере ощутить себя полноправным творцом особого мира – мира образов, обретающих чувственную реальность.
Образ – временная характеристика двигательного акта, состоящая из содержательного подчеркивания эмоциональных характеристик некоторых его составных элементов. Образные движения наполнены внутренней структурой, которые находят свое выражение в различных формах исполнения образности движения [3].
Актерский тренинг — это настройка отдельных струн актерского инструмента, отдельных психофизических проявлений, таких как зрительное, слуховое, осязательное и другие восприятия, внутренние видения и память о различных ощущениях и чувствах; их анализ; их проявления в творческом воображении и фантазии, в сценическом внимании, в развитии умений и навыков сознательного использования в сценическом действии тех дробных элементов, которые в жизненном действии появляются непроизвольно и не требуют волевых усилий [1].
Актерское мастерство в хореографии – это не только искусство перевоплощения с помощью жеста, мимики и пластики - это умение оставаться самим собой при создании образа, постижение самого себя, воспитание художественного вкуса, преодоление страха ошибиться и попробовать, умение находить общий язык со зрителем через сценическую выразительность.
Мастерство постановки основано на простом тезисе: спектакль должен вызывать эмоциональную реакцию у зрителей. Эта реакция может быть положительной или отрицательной, но она должна быть. Все, что вызывает эмоции, хорошо. Плохо то, что это скучно.
Скучный спектакль может быть по нескольким причинам:
1. Шаблонность. Если ваш образ изношен и был уже переигран всеми, кто выступал до вас, в таком случае будет лучше придумать что-то новое. Стандартные роли могут хорошо смотреться только в том случае, если вы опытны и можете предложить что-то яркое, необычное и харизматичное в привычных рамках.
2. Однообразие. Ещѐ древние греки придумывали драматические перипетии и многочастную структуру сюжета, чтобы надолго удерживать внимание зрителей. Смысл взлетов и падений прост: кардинальные изменения сюжета на стыке частей. То есть в классической драме позиция главного героя и его эмоции периодически меняются на противоположные: было хорошо — стало плохо, идет борьба, накаляются эмоции — победа, то есть снова все хорошо.
Если вы пренебрегаете этим опытом и строите свой танец монотонно и однообразно, без периодических кардинальных изменений темпа, сюжета, эмоций, событий, то зритель очень быстро теряет к такому танцу интерес. Современный зритель может удерживать на вас внимание в течение однойдвух минут. Если через минуту вы не предложите ему что-то новенькое в своем танце, то интерес будет потерян.
3. Чужеродность. Это происходит, если у вас есть внутренний протест против выбранного образа или стиля. Хореографа может вдохновить то, что вам не нравится. Основывайте свой выбор на том, что вы можете и хотите реализовать. Ищите в себе эмоционально насыщенные мотивы, личную заинтересованность в том или ином танце – и обязательно добавляйте эти эмоции в пластику хореографии.
4. Сосредоточенность на движениях.
5.Отсутствие у хореографа понимания, что танцевальная техника рождается из сценария (действий) и внутренних переживаний героя, а не наоборот. У каждого движения есть свой психофизический смысл. Без учета этого постановка выглядит так же, как бессвязный набор слов в тексте [2].
Чтобы избежать ошибок и не вызвать скуку у зрителей, давайте обратимся к самой лучшей школе актерской игры – к игре по системе К.С. Станиславского. Вообще, в хореографии мало кто вспоминает о Константине Сергеевиче, а зря. Ведь именно он сформулировал «естественные, природные законы творчества, которые поддаются сознательному освоению» – то есть, он придумал метод, который может взять на вооружение любой человек и получить гарантированно хороший результат в любой из творческих областей. В танцах в том числе.
К.С. Станиславский очень большое внимание уделял пониманию актерами своих персонажей. Вы не можете естественно играть роль другого человека, которого банально не понимаете. Поэтому знакомство с ролью начинается с чисто интеллектуального исследования всех деталей жизни героя произведения. И не только тех, которые проявляются на сцене, но и тех, которые остаются за кадром.
К.С. Станиславский считал, что точная и ясная формулировка сверхзадачи персонажа – это ключ к роли. Сверхзадача – цель, к которой герой стремится в своей жизни. От этой цели будут всецело зависеть его действа и чувства в истории [4].
Важно помнить, что действие разворачивается через конфликт! Только конфликт раскрывает характер персонажа. Только конфликт порождает сильные эмоции и раскрывает истинные ценности персонажа. Без конфликта нет жизни и нет актерской игры!
Конфликт — это основной двигатель истории, которая развивается от события к событию. Это борьба противоположностей, происходящая на сцене.
Конфликт необязательно обязан быть внешним. Он может быть и внутренним. Например, конфликт между мечтой и реальным положением вещей. Недовольство собой, желание достигнуть большего, преодоление самого себя, своих страхов и недостатков – это вечная тема художественного творчества. Главное, чтобы этот конфликт был – тогда зрителям будет интересно смотреть за его развитием и за эмоциями, которые сопровождают действие [4].
Период переживания – это созидательный период. Это главный, основной период в творчестве. При подборе творческих задач артист, прежде всего, должен решить ряд физических и элементарно-психологических задач. Как физические, так и психологические задачи должны быть связаны между собой внутренней связью, последовательностью, постепенностью, логикой чувства [5].
Период воплощения – это период, который начинается с переживания чувств, передаваемых с помощью глаз, лица мимики, а также слов. Слова помогают вытаскивать изнутри зажившее, но ещѐ не воплощѐнное чувство. Они выражают более определившиеся, конкретные переживания. Чего не могут досказать глаза, договаривается и поясняется голосом, интонацией, речью [5]. Период взаимодействия между актером и зрителем. Зритель, чувствуя влияние актера, находящегося на сцене, в свою очередь влияет на актера своим собственным активным непосредственным откликом на сценический процесс.
Если у вас родилась идея и фабула новой постановки, которую вы хотите воплотить, то следует начинать работу руководствуясь системой К.С. Станиславского:
1. Определите главные обстоятельства жизни своего персонажа: кто он, как его зовут, сколько ему лет, где он живет, где учился, чем он любит заниматься, кто его друзья, каковы его привычки, каковы его слабые стороны, в чем его сила? Если ваш герой живет не в реальном, а в фантастическом мире, то придумайте этот мир. Придумайте «истории из жизни», которые уже случались с вашим персонажем. Чем детальнее вы продумаете все обстоятельства жизни героя, тем проще вам будет создать художественный образ. Все эти детали придают выдуманному человеку жизнь, делая его живым. А если у вас в голове есть лишь «общее представление», то и герой выйдет таким же: общим, шаблонным и скучным.
2. Определите сверхзадачу своего героя: главную цель, к которой он стремится в жизни. Постарайтесь сформулировать ее максимально четко и ясно. Например: моя героиня - это девушка из провинциального города, которая мечтает стать балериной. Сейчас она только приехала в Москву поступать в училище, у нее в кармане есть двадцать тысяч рублей и она живет у подруги, которая ее приютила на ближайший месяц, но она верит в себя и готова идти к своей цели до конца. Такая формулировка сразу дает нам понимание «стержня» персонажа, ее характера, ее эмоций, ее страданий и радостей.
3. Обязательно выделите главный конфликт жизни своего персонажа: что или кто мешает ему достичь поставленной сверхзадачи. Подумайте, чем готов пожертвовать ваш герой, чтобы достичь желаемого? Готов ли? Чем больше жертва - тем значительнее цель, тем интересней человек. Людей всегда интересуют яркие поступки, в которых герои жертвуют многим, чтобы достичь своей цели. Например, наша героиня, которая мечтает стать хореографом, бросила своего любимого, бросила хорошую работу в коммерческой фирме и уехала в столицу, чтобы танцевать и стать постановщицей собственных танцев. Мы сразу понимаем - насколько сильна ее мечта, насколько сильны ее чувства, насколько сложен ее внутренний конфликт. И этот человек становится очень интересным как раз в силу своей неоднозначности.
4. Продумайте сценический образ своего персонажа, исходя из «разведки умом». Костюм, реквизит, характерные действа на сцене, которые вытекают из внутреннего конфликта и истории, свет, который подчеркивает конфликт. Если есть возможность, то и декорацию, в которой происходит танец. Посмотрите на эту тему бродвейские мюзиклы и танцевальные фильмы. Например, «Весь этот джаз» Боба Фосса.
5. Начните импровизировать на тему придуманной истории. Если вы хотите включить в танец определенные трюки, то отложите их до тех пор, пока не найдете движения, раскрывающие характер вашего героя. Помните, что в системе Станиславского актерам запрещено прибегать к авторскому тексту до тех пор, пока все слова, интонации и действа не станут естественными и живыми. Такой же принцип работает и в постановке танца. Никаких трюков и эффектных связок, пока вы не почувствуете себя естественно в образе!
6. Наденьте костюм, подберите подходящий реквизит, который позволит вам лучше обыграть характер персонажа. Поставьте на сцене предметы, которые помогут вам рассказать историю. Это может быть один предмет, например, стул. Но если вы его используете осмысленно, понимая, зачем именно этот стул понадобился в вашей истории, то даже стул может стать сильным оружием.
Так же будет интересно включить элементы танцевальных стилей, чтобы создать колорит вашего героя, основываясь на истории его жизни (в какой стране он родился и живет, в какое время, какие танцы танцуют его соратники, или какой танец соответствует его социальной ситуации) [5,6].
И только после того, как вы почувствуете, что вы со своим героем - единое целое, ваши движения выражают его чувства, его конфликт, его историю, можно вводить в постановку заранее придуманные трюки и связки. Но вы будете исполнять их уже не формально, а с особой чувственной подачей.
Актерское мастерство играет большую роль в хореографии, оно дополняет и обогащает ее, придает характерность исполнения, делает движения осознанными.
Список литературы.
Автор: Облачнова Мария Александровна
1. Гипиус С. В. Гимнастика чувств.-М.1967.-340 с.
2. Лоза О. Актерский тренинг по системе Станиславского. Упражнения и этюды / О. Лоза. – Москва: АСТ, 2009. – (Золотой фонд актерского мастерства)
3. Радченко И.В. Педагогические аспекты формирования пластической культуры подростков / статья в журнале Педагогика. Теория и практика-2018.
4. Станиславский К.С. Работа актера над собой / К.С. Станиславский. - М.: Художественная литература, 1977. - 576 c.
5.Станиславский К.С. Работа актера над ролью / 1957-557 с.
6. Станиславский К. С. Об искусстве театра: Избранное. -М.: ВТО, 1982. - 512 с.
7. Эльконин Д.Б. Психическое развитие в детских возрастах: избранные психологические труды-1995.
