Какой бывает минимализм?
В последние годы минимализм вошел почти во все сферы нашей жизни: дизайн техники и интерьера. Даже оставшийся в нашей памяти Макдоналдс, несколько лет назад отчасти воспользовался этой лаконичностью, например, на упаковке классического бургера просто написано «Биг Мак».
Идея такого искусства проста: избавление творчества от пафоса, сложности и, в некоторых случаях, смысла. Смотря на произведение минималиста, зритель остается наедине с собой и своими мыслями, и теперь он — создатель искусства и может понимать это как пожелает.
Но при том, что минималистические работы, это просто всякие простые штуки, в которые нужно залипать и наслаждаться их чистотой и спокойствием формы — у минимализма есть история и типы его проявления. Предлагаю вместе разобраться, что есть что и с чем это «едят».
Начнем мы с концептуального минимализма. У всех в школе была геометрия, где надо чертить и доказывать теоремы. Так и с этим типом: круги, квадраты, треугольники и множество других фигур, являются основой. Это самый ранний тип, который зарождается в 1951 году и связан с такими именами, как Эллсуорт Келли, Франсуа Морелле и Вера Мольнар.
Казалось бы, раз уж везде одни и те же полосочки и кружочки и все выглядит достаточно похоже, то значит все работы этих художников одно и то же? На самом деле нет, хоть все они несут и общий смысл: борьба с традициями высокого искусства, которое, блин, всегда должно что-то выражать и быть ярким, красочным и перегруженным. Тема каждой работы важна и индивидуальна. Работы Келли отличаются отсутствием смысла, чистая простота цветов, горизонтальных и вертикальных линий, их пересечения. «Горизонтальная и вертикальная линии» 1951 года, например. Просто полоски, которые красивы сами по себе и ты видишь то, что ты видишь — в этом уже заложен огромный творческий потенциал и сама суть искусства.
Морелле решает воспользоваться телефоном, но не, чтобы позвонить кому-то, а для создания своей картины, в которой передает боль и агрессию при помощи красных и синих цветов. Он взял телефонную книгу, жену и сыновей, которые зачитывали ему номера, а он сам заполнял ячейки красками по принципу четных и нечетных чисел. Смотря на картину и вправду можно почувствовать неприятные ощущения. Потому что сама эта игра с закономерностями могут стать таким же носителем живых эмоций, как микеланджеловские качки.
Изображения Веры Мольнар чем-то схожи с Морелле, правда вместо причинения боли девушка использует иронию. В ней соединяются прямые линии со скрытой насмешкой.
Следующий тип — технологический минимализм — можно сравнить с сериалом «Однажды в сказке», где все персонажи диснеевских мультфильмов появляются в реальной жизни. Так и с технологическим минимализмом: все что было на полотнах теперь есть вживую. Объекты вылезают наружу и становятся объемными. Ничего общего с «классическим пониманием искусства».
Главной отличительной чертой является индустриализация и серийность. Для воплощения идей используют разные, желательно, нехудожественные материалы: металл, промышленная сталь, решетки и тому подобное. Все это становится дополнительным способом уничтожения художественного. Ты просто бахаешь какой- нибудь стерильный ящик, огромное покрывало. Твоя задача — полностью уйти от осмысленности формы, чтобы она вообще ничего, кроме самой себя не означала. Чтобы искусство было само по себе, потому что любой труд — уже искусство.
И конечно же, даже тут бизнесмены увидели «золотую жилку» и коммерция начала использовать работы для рекламы. Они даже сейчас используются в обычной жизни: например, «Психообъекты» Жана-Пьера Рейно ( 1964 – 1968 гг.), где сочетаются красные и белые цвета появляются в медицине и пожарной безопасности. Со временем коммерция захватывает все больше и вот уже искусство есть в дизайнах, парках и вообще окружает нас везде. Одной из главных фигур становится Тони Смит, которому надоедает эта безжизненность и он делает шаг в сторону человеческого. Он считает, что искусство, как и природа не терпит пустоты.
Отсюда вытекает последний тип минимализма: поздний или же телесный. Его суть заключается в том, что людей раздражало это разделение человека и природы, поэтому их решают соединить. Основными именами этого этапа стали: Джаспер Джонс, Фрэнк Стелла, Карл Андре и Агнес Мартин. Теперь окружающая среда стала важной частью, это стихия, могущественная и разрушительная сила, она является неотъемлемой частью жизни каждого.
Но перед этом живым взрывом Фрэнк Стелла создал работу «Знамена вверх», посмотрев на нее может показаться, что это просто белые полоски на черном фоне. На самом деле, это как затишье перед весельем или гулянкой, когда должно случится что-то офигенное и головокружительное, но пока что нужно просто сидеть и ждать. В этой картине заложен философский смысл: нарастающая, как туча перед грозой погода — так он понимает этот новый этап.
Но после этого художники решили уйти в полный отрыв и брали теперь не только металл для создания инсталляций, но и ткани, которые были максимально похожи на человеческую кожу и использовали их, а так же всякие камни, деревья и куча всего, что было под рукой. Так, например, Роберт Смитсон в своей работе «Не место» просто разложил камушки на голубые полки, но для искусства это было стильно и дерзко, очень хорошо показывало это слияние. А Агнес Мартин впервые подумала в тот момент: «А почему бы не соединить женскую и детскую слабость, ведь это показывает то, насколько сильно мы связаны с Землёй» и она оказалась права. Она одна из не многих, кто набрался смелости и использовала феминизм в искусстве. После этого минимализм стал не просто какими-то палочками и кружочками, но и показал их в человеческой жизни и природе. Хоть со временем он и потерял свой изначальный вид, но такое явление сработало скорее как с вином: с годами оно стало только лучше.
Галина Семенова
