29 подписчиков

Эпоха модерна в личностях. Мастера-универсалы.

2 октября 20202 окт 2020

1093

8 мин

Оглавление

Рассмотрим отличительные особенности модерна:
Антонио Гауди – жемчужина архитектуры Испании.
Анри Ван де Велде – икона "Ар-нуво"из Бельгии.

Этот по-настоящему многоликий стиль имеет несколько названий. Французам он знаком как "ар-нуво", немцам как "югендштиль", для итальянцев это "либерти", "еловый стиль" в Швейцарии, "модерн стайл" в Англии, "сецессион" в Австрии, "модернизмо" в Испании и "тиффани" в Америке.

Одни называют его стилем, другие эпохой, но одно ясно точно, модерн – это важнейшая веха в развитии искусства и дизайна 20 века.

Зародился он в конце 19 века в Англии благодаря идеям художников и теоретиков искусства Джона Рёскина и Уильма Морриса. Рёскин был ярым фанатом Средневековья, восхищался искусством Раннего Возрождения. Он считал, что индустриализация убивает ремесло, делает человека рабом бездушных машин. По их с Моррисом мнению, человечество извлекло не все уроки из истории и у прошлого еще есть чему поучиться.

Их взгляды, как по-началу может показаться, вовсе не означали, что всем следовало бросить промышленность и науку и вернуться в средние века. Их волновали проблемы рабочих (Рёскин был социалистом), они хотели, чтобы красота и заложенная в неё мысль стали доступны для всех.

Искусство, созданное людьми и для людей.

Модерн стал ответом на повсеместную индустриализацию и жизнь в промышленную эпоху. В нём искали гармонию между утилитарным и художественным. Именно поэтому модерн – это больше про дизайн, чем про искусство.

Он отсылает нас в те времена, когда художник мог быть одновременно и архитектором, и ремесленником, и живописцем, и графиком – эдаким мастером-универсалом. Таким, к примеру, был Да Винчи, которого мы знаем не только благодаря его картинам, но и благодаря его чертежам, разработкам, исследованиям.

Рассмотрим отличительные особенности модерна:

Используется почти во всех видах декоративно-прикладного и изобразительного искусства (архитектура, скульптура, живопись, мебель, ткани и т.д...)
Ключевой элемент – кривая изогнутая линия, за счёт которой достигается плавность и текучесть форм (смотри картинки выше)
Главная идея – разрушение различий между декоративным и прикладным искусствами, а также объединение различных видов искусств в интерьере единым стилем.
Здания модерна проектируются по принципу "изнутри наружу", т.е. архитектор создает не только фасад и конструкцию здания, но и его интерьеры, элементы внутри них.
Переосмысление стилей прошлого, частые обращения к готике или востоку, обильное использование растительных элементов.

А теперь, когда с теорией мы познакомились, давайте в качестве примера рассмотрим главных личностей эпохи модерна.

Антонио Гауди – жемчужина архитектуры Испании.

Благодаря своему уникальному сказочному стилю он стал самым узнаваемым архитектором модерна. Большинство его масштабных проектов возведено в Барселоне: это дома, особняки, дворцы, школа, парк и даже храм. Все вместе они образуют уникальный облик города, который не похож ни на один другой в мире и привлекает к себе множество туристов.

Гауди – представитель раннего модерна с его новой готикой (неоготика).

Вспомним Рёскина и Морриса: Гауди следовал их идеям и стремлениям, используя в своих работах невероятно много декоративных элементов.

"Декоративность – начало архитектуры"

Его талант состоял в том, чтобы взять множество различных элементов и объединить их в одно стилистически единое целое. Он избегал использования чистых прямых линий, его вдохновением стала природа с её плавными, иногда колючими формами. Стилистически он часто смешивал неоготику с восточными мотивами, используя, например, керамическую плитку как украшение фасада.

Большим толчком к развитию архитектора стало знакомство, а затем и дружба с текстильным магнатом Эусеби Гуэлем. По его заказу Гауди выполнил несколько проектов. Он возвёл для него дворец, часовню с криптой, винные погреба и большой зелёный парк с павильонами, залами и скульптурами.

Несомненно самым известным его проектом стал храм Святого Семейства (Sagrada Família), который не был закончен из-за смерти Гауди в 1926 году. Строительство храма сильно затянулось из-за различных исторических событий, как, например революция в Испании.

На данный момент храм еще строится, но уже был освящён и принимает посетителей. По решению инициаторов проекта, он должен достраиваться только за счёт пожертвований прихожан.

Анри Ван де Велде – икона "Ар-нуво"из Бельгии.

В начале своей творческой деятельности, Анри был художником, работал в пуантилизме и импрессионизме, участвовал в выставках, где экспонировались Гоген, Моне и Писсаро, был знаком с уже известным нам Уильямом Моррисом. В 90-х годах 19 века Анри увлёкся графикой, прикладными искусствами, проектированием мебели, а затем и архитектурой.

Одним из первых и весьма удачных его проектов стал его собственный особняк "Блуменверф. В нём Ван де Велде отказался от пышности в пользу прагматичности и акцентов на мелких деталях. Каждое помещение продуманно и расположено в соответствии с его назначением. Хотя Анри и был против подражания старым стилям, в своём особняке он использовал свободную планировку английского стиля для оптимизации внутренних пространств. Он спроектировал все составляющие дома и один из первых пришёл к принципу "изнутри-наружу".

Отличительной чертой мастера стал функциональный подход к декорированию, он не стремился создавать красоту ради красоты. Он стремился к раскрытию нового стиля, в основе которого лежат принципы логики. Так, например, он объяснял роль орнамента в архитектуре и интерьере:

"Частично она (роль) состоит в том, чтобы зрительно усиливать и выявлять конструкцию, частично же, как я уже заявил по поводу греческого орнамента, – чтобы оживлять игрой светотени слишком равномерно освещённое помещение."

Также он считал, что орнамент не должен уподобляться старым стилям, ведь его символизм давно утерян. Он видел и использовал орнамент как чисто инженерное творение, имеющее определённую цель в общей композиции.

Ван де Вельде стал одним из организаторов немецкого Веркбунда – союза промышленников, художников, ремесленников и предпринимателей. Целью союза стала поддержка и развитие художественных ремёсел и нового промышленного искусства, призванного повысить качество массовой промышленной продукции. Веркубнд издавал ежегодный журнал, где описывались проекты членов союза. Это объединение стало важным этапом в истории развития промышленного дизайна и массового производства.

Чарльз Макинтош – родоначальник модерна в Шотландии.

Этот архитектор, художник и дизайнер работал в конструктивном направлении модерна. Его изделия геометричны и функциональны, без использования лишних деталей для украшения. Особое внимание он уделял вертикальным линиям, что хорошо видно в его мебели и картинах.

Он разработал свой особый стиль, в котором геометрические элементы связывались плавными, как бы качающимися, линиями. В его дизайне мы видим довольно современный синтез еще не минимализма, но простоты исполнения вкупе со скрупулезно продуманными деталями: ажурными витражами, витиеватыми панно, и тонкими линиями, пронизывающими пространство.

Макинтош не забывал и про цвет, умело используя его в своей работе. Это хорошо показывают его интерьеры Чайных комнат в Глазго. Каждая выполнена в каком-то своём едином стиле и не похожа на остальные.

Самой значимой его работой признано здание Школы искусств в Глазго. Вся его конструкция имеет функциональный смысл и применение. За счёт больших окон разного размера Макинтош добился максимального хорошего естественного освещения в здании, что очень важно, к примеру, для живописи и полезно для человека. Модерн проявляется в "висящих" линиях ограждения, мелких деталях кованой решётки и во внутреннем убранстве, где в большом количестве используется дерево, плавные формы и отсылки к "старым" стилям. В 2010 году здание было признано лучшим в Великобритании за последние 175 лет.

Настоятельно рекомендую посмотреть побольше его работ, особенно картин. Ниже я прикрепила ссылки на статьи, в которых много иллюстраций хорошего качества (поиск по картинкам в Гугле или Яндексе выдаёт не самый сок).

Густав Климт – австрийский сецессион.

Однако, не все мастера модерна были ремесленниками-универсалами. Густав Климт – это, пожалуй самый известный художник этой эпохи. Он известен уникальным декоративным стилем, плоскостным изображением и своим золотым периодом, когда он начал использовать позолоту в своих картинах.

Его работы наполнены символизмом и эротизмом. В них мы встретим мифические сюжеты, портреты реальных людей и размышления на вечные темы. Больше всего известны его портреты, но Климт в позднем своём творчестве изображал и пейзажи, используя свою орнаментальную технику. Для них он брал квадратные холсты, считая, что такая форма расширяет пространство.

Безусловно самым успешным этапом его творчества стал золотой период. Климт начал использовать позолоту для некоторых элементов картин. Это подчёркивало декоративность его стиля, привлекало внимание и, зачастую, принимало непосредственное участвие в изображаемом сюжете, отражая эмоции или подчёркивая статус персонажа.

Не сложно заметить, что большое место в работах Климта занимают женщины. Да, мужчины в его картинах присутствуют, но лицо их скрыто или отвёрнуто от зрителя, как, например, в его самой известной картине "Поцелуй". Климт изображает женщин и девушек не только в аллегорических образах. Он выполняет портреты и на заказ, изображая своих моделей в прекрасных платьях, украшениях и обрамляя их лица декоративным фоном. Так, по мнению художника, он отражал их внутренний мир.

Густав Климт прославился и был признан при жизни. У него не было недостатка заказов, поэтому он мог выбирать интересующие себя тематики. Несмотря на известность он жил довольно просто, работал у себя дома, был замкнут, не вёл дневников. Он мало писал о свих взглядах на искусство или же о своём творческом методе.