Натюрморт — это особый жанр изобразительного искусства, отличающийся тем, что в качестве основного объекта изображения выступают неодушевлённые предметы. Уникальность натюрморта заключается в его способности раскрывать глубокий философский смысл через простые бытовые вещи, превращая обыденное в знаковое.

Факты

• Появление первых натюрмортов: около 3000 лет до н. э.
• Расцвет натюрморта как самостоятельного жанра: XVI–XVII вв., Нидерланды.
• Самый дорогой натюрморт: «Натюрморт с подсолнухами», Винсент Ван Гог, $39,7 млн.
• Первый датированный «чистый» натюрморт: «Натюрморт с куропаткой и перчатками», Якопо де Барбари (1504).

История

Античность

История натюрморта берёт начало в Древнем Египте, где изображения предметов быта в гробницах имели сакральный смысл. Египтяне верили, что нарисованные вещи в загробном мире становились реальными и могли служить умершему. Эта традиция заложила основу для развития натюрморта как самостоятельного художественного направления.

Античное искусство внесло значительный вклад в становление жанра. Древнегреческие вазописцы достигли удивительного мастерства в изображении бытовых предметов и животных. Особого упоминания заслуживает художник Пираикос, которого Плиний Старший отмечал за умение изображать «низменные» сюжеты: сцены из парикмахерских, сапожных лавок, композиции с ослами и съестными припасами.

В период расцвета Римской империи натюрморт приобрёл новые черты. Помпейские фрески и мозаичные полы демонстрируют высокий уровень реалистичности в изображении предметов. Особенно популярным стал мотив стеклянной вазы с фруктами. В домах состоятельных римлян появились декоративные мозаики-эмблемы, изображавшие роскошные яства — символы достатка и гостеприимства.

Важной вехой в истории жанра стала древнегреческая легенда о состязании художников Зевксиса и Парразия. Их соревнование в создании максимально реалистичных изображений считается первым документированным примером стремления к иллюзорности в живописи. Плиний Старший отмечал высокое мастерство греческих художников в создании натюрмортов, особенно выделяя Пираикоса, чьи работы, несмотря на «низменность» сюжетов, ценились дороже многих других произведений.

Средние века и раннее Возрождение

К 1300 году натюрморт получил новое воплощение в творчестве Джотто и его последователей. Художники начали включать изображения бытовых предметов в религиозные фрески, помещая их в нарисованные ниши. На протяжении всего Средневековья и эпохи Возрождения натюрморт оставался преимущественно дополнением к христианским сюжетам.

Особое развитие символический натюрморт получил в работах североевропейских мастеров. Художники, среди которых выделялся Ян ван Эйк, уделяли огромное внимание деталям, создавая высокореалистичные изображения предметов, наполненные глубоким символическим смыслом.

Позднее Средневековье ознаменовалось появлением нового направления в книжной миниатюре. На полях иллюминированных рукописей всё чаще стали появляться изображения цветов, животных и бытовых предметов. Выдающимся примером такого искусства считаются Часы Екатерины Клевской, созданные в Утрехте около 1440 года. На их страницах можно увидеть необычайное разнообразие предметов — от монет до рыболовных сетей.

Значительный прорыв в развитии натюрморта произошёл благодаря изобретению масляной живописи. Эта техника, усовершенствованная Яном ван Эйком, позволила достичь невиданной ранее реалистичности в изображении предметов. Медленное высыхание масляных красок давало возможность тщательно прорабатывать детали и создавать сложные световые эффекты.

Важную роль в становлении натюрморта сыграли работы Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера. Их акварельные зарисовки фруктов, растений и животных демонстрировали новый, научный подход к изучению природы. Эти художники первыми начали освобождать натюрморт от строгой религиозной символики.

Переходным этапом в развитии жанра стали работы Петруса Кристуса, сочетавшие религиозную аллегорию с реалистическим изображением предметов. Примером может служить его картина, изображающая ювелира с женихом и невестой, где точно выписанные предметы несут глубокий символический смысл.

Позднее Возрождение

К XVI веку натюрморт обогатился новой символикой. Еда и цветы стали олицетворять смену времён года и пять чувств человека. Из римской традиции пришёл мотив черепа как символа смертности, часто сопровождаемый латинской надписью «Omnia mors aequat» (смерть делает всех равными). Эта тема, известная как vanitas, получила особое развитие в творчестве голландских мастеров около 1600 года.

Ключевым событием стало появление «монументального натюрморта» — масштабного направления, сформировавшегося в Антверпене. Основоположником этого стиля считается Питер Аэртсен, создавший знаменитый «Мясной прилавок со Святым семейством» (1551).

Племянник Аэртсена, Иоахим Бекелер, развил традицию монументального натюрморта. Его работа «Мясная лавка» (1568) демонстрирует характерные черты жанра — доминирование натюрмортных элементов на переднем плане при сохранении религиозного или нравоучительного подтекста в глубине композиции.

К концу XVI века произошли существенные изменения в подходе к натюрморту:

• Религиозные мотивы постепенно уступали место светским сюжетам.
• Нравоучительный подтекст сохранялся, но становился менее явным.
• Натюрморт окончательно утвердился как самостоятельный жанр.

XVI столетие ознаменовалось растущим интересом к естествознанию. Появились роскошные ботанические энциклопедии, описывающие открытия в Новом Свете и Азии. Это привело к развитию научной иллюстрации и систематизации образцов природного мира. Природные объекты стали рассматриваться как самостоятельные предметы изучения, независимые от религиозных или мифологических представлений.

Нидерландские мастера XV века разработали особые иллюзионистические техники, которые применялись как в станковой живописи, так и в оформлении рукописей. Особого внимания заслуживают бордюры часослова Екатерины Клевской, где представлено удивительное разнообразие тщательно выписанных предметов.

В этот период формируется особое отношение к экзотическим предметам. Богатые меценаты создают кабинеты редкостей, коллекционируя необычные образцы флоры и фауны. Художники получают доступ к новым моделям для натюрмортов — раковинам, насекомым, экзотическим фруктам. Особую популярность приобретает изображение тюльпанов, привезённых в Европу из Турции.

На рубеже XVI–XVII веков испанский художник Хуан Санчес Котан создаёт новый тип натюрморта, сосредоточившись на изображении овощей и фруктов. Его аскетичные, почти минималистические композиции оказали значительное влияние на развитие испанской школы натюрморта.К последней четверти XVI века натюрморт окончательно оформился как самостоятельная категория в нидерландском искусстве. Примечательно, что само английское слово «still life» является прямым переводом голландского «stilleven».

Семнадцатый век

Около 1600 года возник настоящий бум цветочных натюрмортов, написанных маслом. Ведущими мастерами этого направления стали Ян Брейгель Старший и Амброзиус Босхарт. Их работы отличались необычайной точностью в передаче деталей и богатой символикой.

В католических Южных Нидерландах развивался особый поджанр — натюрморты-гирлянды. Эта традиция берёт начало в 1607–1608 годах благодаря сотрудничеству Яна Брейгеля Старшего и Хендрика ван Балена. Такие работы представляли собой религиозные изображения, обрамлённые пышными венками из фруктов и цветов:

• Роза олицетворяла Деву Марию, любовь и быстротечность.
• Лилия символизировала чистоту и справедливость.
• Тюльпан указывал на благородство.
• Подсолнух обозначал верность и божественную любовь.
• Фиалка представляла скромность и смирение.

Вскоре натюрморт столкнулся с серьёзным противодействием со стороны академического сообщества. Влиятельные теоретики искусства, включая Андреа Сакки, отказывались признавать художественную ценность этого жанра. Особенно показательной стала позиция Андре Фелибьена, который в 1667 году сформулировал строгую иерархию жанров живописи. Согласно его теории, изображение неодушевлённых предметов считалось наименее достойным занятием для художника.

Тем не менее именно в этот период голландская и фламандская школы переживали расцвет натюрмортной живописи.

Южная Европа

В испанской живописи XVII века сформировалось особое направление натюрморта — бодегон. Этот термин обозначал картины, изображающие предметы из кладовой или таверны — продукты питания, дичь, напитки, расположенные на простой каменной поверхности. Часто бодегоны включали также фигуры людей в интерьере кухни или таверны.

Испанские натюрморты существенно отличались от голландских. Если северные мастера тяготели к изображению роскошных банкетов с дорогой посудой и тканями, то испанские художники предпочитали более аскетичные композиции. На их полотнах часто появлялись неосвежёванные туши животных, сырые овощи и фрукты на фоне простых деревянных конструкций. Такой подход создавал особую атмосферу, которую искусствоведы связывают с суровым характером испанских равнин и общей строгостью местной культуры.

В Италии натюрморт (natura morta) также обрел популярность, хотя и считался менее престижным жанром по сравнению с историческими, религиозными или мифологическими сюжетами. Примечательно, что этот жанр стал важной областью самореализации для женщин-художниц, таких как Джованна Гарцони, Лаура Бернаскони и Феде Галиция.

Значительный вклад в развитие итальянского натюрморта внёс Караваджо. Его «Корзина с фруктами» (1595–1600) считается одним из первых чистых натюрмортов, выполненных с поразительной точностью и новаторским подходом к композиции. Картина принадлежала кардиналу Федерико Борромео и ценилась как с эстетической, так и с религиозной точек зрения.

Во Франции художники синтезировали северные и южные традиции, сочетая сюжеты нидерландских «ванитас» с лаконичностью испанских композиций. Это позволило создать уникальный национальный стиль натюрморта, который впоследствии оказал значительное влияние на развитие жанра в целом.

Восемнадцатый век

XVIII столетие принесло существенные изменения в развитие натюрморта. Художники продолжали совершенствовать техники предыдущего века, однако общий уровень производства натюрмортов снизился. В этот период изображение цветов и предметов быта становится популярным элементом декора в стиле рококо — их можно было встретить на фарфоре, обоях, тканях и резной мебели.

Значительные перемены произошли в географии натюрморта — французские художники вышли на ведущие позиции в этом жанре. Особого внимания заслуживает творчество Жан-Батиста Шардена, создававшего небольшие, но удивительно тонкие по исполнению натюрморты с предметами быта. Его работы, вдохновлённые голландскими мастерами Золотого века, оказали существенное влияние на развитие жанра в XIX веке.

Охотничьи натюрморты сохраняли популярность, особенно в оформлении охотничьих домиков. Мастером этого направления считался Жан-Батист Удри, разработавший особую технику изображения фактуры меха и перьев на простом белом фоне, напоминающем побеленные стены кладовой.

К концу XVIII века религиозный и аллегорический подтекст натюрмортов практически исчез. На смену ему пришло тщательное изучение форм и цветовых сочетаний, отражающих повседневную жизнь. Французская аристократия активно заказывала роскошные натюрморты для украшения обеденных залов, полностью лишённые назидательного смысла, характерного для их голландских предшественников.

Особого упоминания заслуживает творчество Анн Валайе-Костер, чьи работы отличались смелыми декоративными решениями и мастерским владением техникой иллюзионизма. Художница умело сочетала изображение природных и искусственных объектов, создавая уникальные композиции, высоко ценившиеся Королевской академией и коллекционерами.

Девятнадцатый век

В XIX веке произошли радикальные изменения в восприятии натюрморта. Европейские академии, особенно Французская, активно продвигали доктрину «Иерархии жанров», где натюрморт занимал низшую ступень. Согласно этой системе, наивысшей формой живописи считались картины на исторические, библейские или мифологические сюжеты.

Однако к 1830-м годам, с угасанием неоклассицизма, начали формироваться новые художественные направления — реализм и романтизм. Выдающиеся художники этого периода — Франсиско Гойя, Гюстав Курбе и Эжен Делакруа — обогатили натюрморт эмоциональной глубиной, отходя от традиционной точности изображения в пользу передачи настроения.

Особую роль в развитии жанра сыграли импрессионисты. Клод Моне одним из первых отказался от тёмного фона, характерного для классического натюрморта. Пьер-Огюст Ренуар в своём «Натюрморте с букетом и веером» (1871) использовал яркий оранжевый фон, что было революционным решением для того времени.

Символом эпохи стали «Подсолнухи» Винсента Ван Гога, где художник использовал преимущественно жёлтые тона и плоскостную технику письма. Примечательна его работа «Натюрморт с чертежной доской» (1889), представляющая собой своеобразный автопортрет через предметы повседневной жизни художника.

В США натюрморт развивался особым путём. Чарльз Уилсон Пил основал целую династию художников и создал знаменитый музей естественной истории. Американские мастера, такие как Мартин Джонсон Хид, создали уникальный стиль, размещая цветы и птиц в естественной среде. Особого расцвета достигла техника trompe-l'œil в работах Джона Хаберла, Уильяма Майкла Харнетта и Джона Фредерика Пето.

Двадцатый век

Первая половина XX века ознаменовалась революционными изменениями в искусстве натюрморта. Авангардные течения стремительно сменяли друг друга, каждое привносило новое видение жанра. Поль Гоген в 1901 году создал знаковую работу «Натюрморт с подсолнухами», посвятив её Ван Гогу. Группа художников Les Nabis, включая Пьера Боннара и Эдуарда Вюйара, соединила теории цвета Гогена с влиянием японских гравюр.

Анри Матисс произвёл революцию в жанре, сведя изображение предметов к ярким плоским формам и введя многоцветные фоны. В его «Натюрморте с баклажанами» предметы почти растворяются среди декоративных узоров.

Особую роль в развитии натюрморта сыграл Поль Сезанн, использовавший жанр для экспериментов с геометрической организацией пространства. Его работы проложили путь к кубизму, радикально изменившему представление о натюрморте в начале XX века.

Кубисты, среди которых выделялись Пабло Пикассо, Жорж Брак и Хуан Грис, создали множество новаторских композиций. Они часто включали в натюрморты музыкальные инструменты, экспериментируя с формой и пространством. Знаменитый «Натюрморт с плетёным стулом» Пикассо (1912) стал первым примером синтетического кубистского коллажа.

В середине века появились новые направления:

• Дадаисты создавали трёхмерные «готовые» скульптуры-натюрморты.
• Сюрреалисты помещали обычные предметы в фантастические пейзажи.
• Джорджо Моранди исследовал разнообразные подходы к изображению простых бытовых предметов
• М. К. Эшер переосмыслил традиционный голландский натюрморт в графике.

Американские художники XX века, включая Джорджию О'Кифф, Стюарта Дэвиса и Марсдена Хартли, соединили американский реализм с европейским модернизмом. Особенно известны работы О'Кифф с крупными планами цветов, раскрывающие их структуру и эмоциональную сущность.

XXI век

В современном искусстве натюрморт вышел далеко за пределы традиционной живописи. Сегодня этот жанр существует в различных формах — от классической живописи до мультимедийных инсталляций. Художники XXI века активно экспериментируют с новыми технологиями и материалами, создавая уникальные произведения искусства.

Современный натюрморт отличается следующими особенностями:

• использование видеоарта и трёхмерных форм,
• включение элементов перформанса и инсталляции,
• применение цифровых технологий и компьютерной графики,
• создание интерактивных композиций.

Компьютерные технологии значительно расширили возможности художников. Современные мастера используют как 2D-, так и 3D-графику для создания фотореалистичных натюрмортов. Специальное программное обеспечение позволяет применять различные фильтры и эффекты, создавая уникальные визуальные решения.

Особое направление в современном натюрморте представляют инсталляции, занимающие целые выставочные пространства. Такие работы часто включают найденные предметы, фотографии, видеопроекции и звуковое сопровождение, создавая многомерные художественные произведения.

Цифровое искусство открыло новые горизонты для развития жанра. Художники используют компьютерную 3D-графику и 2D-графику с фотореалистичными эффектами для создания синтетических изображений. Современные технологии позволяют достичь невероятной детализации и создавать сложные визуальные эффекты, недоступные в традиционной живописи.

Натюрморт в русском искусстве

В русском изобразительном искусстве натюрморт прошёл долгий путь становления и развития, прежде чем занять достойное место среди других живописных жанров. Его история берёт начало в первые годы XVIII столетия, когда художники впервые обратились к самостоятельному изображению предметного мира. В тот период натюрморт воспринимался исключительно как способ демонстрации даров природы — морских и земных богатств, а также предметов, окружающих человека в повседневной жизни.

На протяжении почти двух столетий этому жанру отводилась второстепенная роль в иерархии живописи. В отличие от портретов и исторических полотен, натюрморт считался «низшим» жанром и использовался преимущественно в качестве учебных постановок. Художникам дозволялось работать в этом направлении лишь в узких рамках — создавая композиции из цветов и фруктов.

Подлинный расцвет натюрмортной живописи в России пришёлся на начало XX века — именно тогда этот жанр впервые получил признание наравне с другими направлениями изобразительного искусства. В этот период художники активно экспериментировали с новыми средствами художественной выразительности, что привело к значительному обогащению языка живописи. Особенно ярко эти поиски проявились в работе с цветом, формой и композиционными решениями.

Развитие русского натюрморта в первые пятнадцать лет XX века происходило стремительно и динамично. За этот короткий отрезок времени жанр совершил впечатляющую эволюцию — от импрессионистических исканий до экспериментов с абстрактными формами. Художники обогатили натюрморт новыми темами, образами и техническими приёмами, что позволило существенно расширить его выразительные возможности.

В 1930–1940-е годы развитие жанра временно замедлилось, однако с середины 1950-х годов натюрморт вновь обрёл популярность в советской живописи. С этого момента он окончательно утвердился как равноправный жанр изобразительного искусства, заняв достойное место в творчестве многих художников.