Stage ГУРУ

Недавно услышал, как один постановщик описал свой стиль: «У меня, значит, немного Бродвея, чуть-чуть Берлина и шёпот Таганки». Красиво звучит. Но на деле — как в ресторане с тремя шефами: и суши, и молекулярная кухня, борщи и паста. Как на самом деле думают и работают в разных театральных «цивилизациях», и где мы с вами посерединке — с прожекторами в одной руке и балалайкой в другой. Америка. Там спектакль начинается не с идеи — а с бюджета. Потому что идея будет, но сначала — свет, LED-экран, персонал и строчка в Excel. Всё должно быть понятно даже тем, кто случайно зашёл из соседнего бара. Музыка цепляет, артисты улыбаются, зритель хлопает. Глубина? Ну, максимум философская фраза в финале. Впрочем, если надо — включат прожектор с синим фильтром и поддадут пафоса. Европа. А вот тут, простите, шоу не обещали. Зато есть мрак, тень на плетень, актёр, который 40 минут говорит про пустоту, и ты — как зритель — в полном погружении в себя. Освещение? Это дорого... Один фонарь. Сценография? Это накладно, еее надо где-то хранить... Кирпич один вполне подойдет. Звук? Это что, писать новую музыку... Авторские права платить? Остановимся на "Молчании". И при этом ты выходишь с вопросами, с которыми в детстве не ложился спать. Правда, бывает, что зритель — тоже кирпич: пришёл, не понял, ушёл, но потом сказал, что это «очень концептуально». Театр зрелищ там не ищет... А главное, чем чернушнее, тем моднее, ведь что не убивает, делает нас страннее. Россия. А у нас — как у бабушки на кухне: и пироги, и философия, и ток-шоу одновременно. Можем и слёзы, и хороводы, и абстрактную хореографию на фоне дров. Где сюжет — неясно, но зато актёр кричит от души. И главное каждый маг и чародей, учит и знает все. И ведь что удивительно — работает! Зритель в шоке, влюблён, запутан и, кажется, что-то понял. Хотя, возможно, не то, что вы хотели сказать, но это и не важно. Значительное число постановок делается на мифе лёгкого эпатажа и отсутствии вкуса. И вот в этом хаосе и рождается наш стиль. Только часто — без методики. Мы забываем, что даже гениальность должна знать, куда ей светить и в какой момент выйти из кулисы или вовремя уйти со сцены. Вывод? Брать от американцев структуру, а главное — менеджмент, от европейцев — паузу и подтекст, но без лишней дури, а от себя — хребет, наше неустанное желание зацепить за душу, чтобы спектакль был нужен, как хороший кофе утром, и чтобы на него пришли не один раз. И не надо стыдиться понятности, бояться смыслов, которые вкладываете, и упиваться «страданиями художников-постановщиков» с их видением "концептуальноо мира". Если зритель получил то, что искал, и вы в него вонзили крюк с вопросом и растворили в увиденном, он ваш как минимум на 3 последующих выступления, а то и больше. Просто сделай, чтоб работало. А там уже оттачивай детали, где Бродвей встретится с Бергманом, а за кулисами будет стоять Шукшин и что-то тихо припевать и все это не заставит театр разорится и уволить "балласт"... 

Трекеры подсознания Находясь в глубинных процессах съемок, вырвался на 1 час потрясающего перформанса. Знал, куда иду и почему. Из большинства современных российских мастер точно знает гармонию движения, психологизм и драму в паттернах психологии. Действо, представшее в блэк-боксе сценической коробки, балансирует между бегством от повседневности, трансом, бутто и не выявленным трансцендентным. С самого начала завороженно наблюдаешь за собственным сознанием, как оно движется по спирали самовоспоминания. И здесь привычные аллегории, сравнения уже не работают, что превосходно заставляет забыть о времени, тебя сюда приведшем. Идеально сбалансированный и продуманный аспект света, который является здесь 2 игроком, создает пространство, филигранно подчеркивая лишь то, что нужно для понимания образа, который два андрогина-сомнамбулы, сам Мастер и его спутница, рождают здесь и сейчас. 1 игрок — это саунд-дизайн, где минимализм, нойз и дип-индастриал делают свое дело на 200%. Нельзя сказать, что перформанс открывает что-то новое в жанре дуэт-перформанса, но новое переосмысление жанра точно. Такого уровня понимание сцены в России большая редкость. Идея поставить действо на датчиках движения тонко показывает, что движения — это жизнь, его отсутствие — пропасть в бездну. Чем и заставляет воспринимать увиденное где-то на очень глубоком уровне, где нами говорит рептильный мозг. LUMEN, Константин Кейхель.

Как быть или не быть режиссёром. Питер Брук — культовый мастер времени и пространства. Его работы отличаются глубиной мысли и оригинальностью подхода. «Марат/Сад», «Махабхарата», «Сон в летнюю ночь» и мн. др. При создании спектакля уделяет особое внимание интерпретации сценария, не просто следует тексту, а ищет в нём скрытые смыслы и возможности для развития сюжета и героя. Это позволяет создавать яркие и запоминающиеся образы. Брук не поверхностно обращает внимание на актёрскую игру, стремясь к тому, чтобы актёры не просто исполняли свои роли, но и знали весь «скелет» своего персонажа. Это создает на сцене атмосферу, которая захватывает. Меня крайне вдохновляет, насколько большое внимание уделено визуальному оформлению спектакля, и как он работает с художниками по костюмам и декорациям, чтобы создать целостный и гармоничный образ постановки. В этом я вижу его очень близким по подходу к ценимому мной мастеру эпатажа... Режиссёр Дэвид Линч: Тот, у кого черный вигвам, это целый мир, хранящий секреты и шарады... (Кстати, одно из его измерений я воссоздал в своем «Катарсисе Данте») Линч создаёт атмосферные фильмы. Его работа отличается нестандартным подходом и вниманием к деталям. И многослойность, которую постигаешь от раза к разу с новых ракурсов, он разрабатывает как мир внутри мира. (сон внутри сна, совы не то, чем кажутся) При создании фильма, как и Брук, стремится к тому, чтобы сценарий был не просто набором событий, а историей, не линейной и многомерной, которая захватывает тебя до атома. Просто пересказать историю делают все, и также моментально забываются... Изучая его документальные работы, крайне любопытно учиться, как он работает с операторами и художниками по костюмам и декорациям, чтобы создать уникальную атмосферу и визуальный стиль, который будет соответствовать его видению своих измерений. И конечно внимание к музыке! Сам он признается, что Бадаламенти, с кем он снял не один десяток работ, открыл ему вселенную, заставив пересмотреть свое отношение к музыкальному "фону"... Кстати, сам Линч писал-создавал очень глубокую и психоделичную музыку, и она становится самобытным элементом, который помогает создать нужное настроение и усилить эмоциональное воздействие. Что важно учитывать при создании уникального (нового) произведения, особенно если оно ранее не создавалось: 1. Идея и концепция. Определите основную идею и концепт вашего откровения. Что вы хотите сказать зрителям? Какие эмоции и мысли вы хотите вызвать у них? Каким языком образов оно будет соткано? 2. Сценарий или основа для произведения. Тщательно продумайте сценарий или основу для вашего произведения. Уделите внимание развитию сюжета, персонажам и их отношениям. Детализируйте, создавайте анаграммы или "зеркальте". 3. Визуальный стиль. Подумайте о визуальном стиле вашего произведения. Как вы хотите представить его зрителям? Какие цвета, формы и композиции вы будете использовать? Брук и Линч вам в помощь. 4. Музыкальное сопровождение. Музыка может стать отдельным персонажем, который поможет создать нужную атмосферу и усилить эмоциональное воздействие. 5. Актёрская игра или исполнение. Помогите актерам-артистам понять своих персонажей и эмоции, которые они должны передать зрителям. «Сделайте мне красиво...» — не вариант. 6. Эмоциональное воздействие. Находите контрапункты и диссонансы. Это может быть радость, грусть, удивление, гнев или что-то ещё, но как это выразить, ищите! Но оно должно вступать в резонанс со зрителем. Не надо делать траву зелёной, а небо голубое. (вспомните "Сны Акиры Куросавы") 7. Оригинальность. Не бойтесь экспериментировать и искать новые решения. Ваше произведение должно быть уникальным и отличаться от других подобных работ. Брод нужно знать... Создание спектакля, перформанса, шоу — это процесс, который требует времени, вдохновения и знаний, если вы будете учитывать это, вы сможете создать нечто, что запомнится зрителям и оставит у них долгоиграющие и будоражущие впечатления.

Пока российский истеблишмент российского театрального производства пересоздают и воссоздают «Лебединые озера», «Каменные цветки», «Спящие», «Спартаки» и пр., китайцы в отрыве от стереотипного мышления и вне желания делать очередные «Кукурузы царицы полей» показали в Большом театре свою постановку «Вин Чун: легенда о мастере Кунг-Фу». 👌Шикарнейшая работа, меня сложно удивить и заставить испытывать гордость за коллег по цеху, но здесь я наблюдал в себе ученика, готового идти за учителем. Сцена Большого театра оказалась одновременно камерной, миниатюрной и единомоментно бесконечной пустыней, где этого требовала режиссура. Умения подчеркнуть в большом малое и в малом большое, суть учения, которое предстало в полной его мощи. 😎Умение подчинить себе пространство, драму, светотень, темпоритм, эмоции, символизм, исполнение дорого стоят. Сцена работает на 200%, идеальная световая партитура(без дыма), крайне эффектное использование фрагментарно иногда легкой диффузии (хейзера) и тяжелого дыма. Машинерия трансформируемой сценографии, вращающийся пол и, главное, жизнь, которую проживают актеры-артисты внутри этого совершенного механизма. Сверхидея о философии Кунг-Фу, о величии многовековой мудрости, о чувствах людей, об их взлетах и падениях идет лейтмотивом всего завораживающего действа, где в безукоризненной режиссуре и знании психологии зрителя, а она, признаюсь, на принципиально другом уровне, вы постигаете дзен магии театра.

«Сны» — кинолента Акиры Куросавы, состоящая из восьми историй. По замыслу, каждая из них отражала определённый период его жизни, а весь фильм должен был стать своеобразным прощальным посланием. Лента пронизана печалью и символизмом, ведь на языке символов прощаться творцу легче и проще. Каждая новелла в фильме автобиографична, пронзительна и наполнена бесконечными аллюзиями его периодов жизни и символами его вдохновений. Цитирование Тарковского, Антониони, Феллини, своих более ранних произведений создает ощущение, что смотришь в бездну, в бесконечный мир по ту сторону бытия. "Известно, что Куросава снимал в двух направлениях: дзидайгеки (исторические драмы) и гендайгеки (о современности). Но в этот раз, оправдывая название, следует потоку сознания, которое свободно от временных рамок, может двигаться как угодно и совмещать разные эпохи, даже миры, если потребуется. Поэтому новеллы, отобранные в рамках одного фильма, на первый взгляд, выглядят как не имеющие никакого отношения друг к другу самостоятельные произведения. Однако фильм нисколько не уступает «визитным карточкам» режиссера и как раз своей «непохожестью» заслуживает быть в списке лучших работ мастера." Анастасия АХМАТОВА, «Экран и сцена». Фильм, к которому приходишь, когда готов. Каждая сцена — медитация-транс, где катализатором будет точка преломления ваших образов и желание проснуться во сне внутри сна. Я бы назвал фильм философский артхаус по стилю и притча-мистерия по жанру, где каждая часть по сути это готовый спектакль и отдельное произведение. Для пытливых умов кладезь образов и вдохновений...

Если вы думаете, что ваша самая бредовая идея никому не нужна, вы сильно ошибаетесь. Можете быть уверены, что чем сильнее ваш бред, тем больше поклонников и восторженных фанатов он сможет привлечь. В истории видим массу примеров, когда сумасброды или гении вели толпы за собой. Но что отличает гения от сумасшедшего? Как говорил создатель «Е ровно МС квадрат», каждый гений сумасшедший, но не каждый сумасшедший — гений… Как ни парадоксально, идея, находящаяся вне рамок моралитета общества, чаще подхватывается невидимой движущей массой, так называемой силой пассионариев, и она проламывает барьеры, которые терпеливые «культурные» мозгоеды обдумывают вечность. Мы творим и существуем в мире, где в основном правят субъективные взгляды и искусства. Где каждое серое называет себя красным. И это не означает, что кто не с нами, тот против нас. Это лишь взгляд на вещи, хотите принимайте, хотите нет. Объективная мораль всегда будет, но процент ее присутствия будет пропорционален не присутствию в ней «сирых, блаженных коллег» (как сказывал великий Высоцкий). На грехи падки тысячи, на добродетель — десятки. Кто больше будет зависеть от шоу уродцев? Тот, кто ищет свет среди тьмы, или ищет тень среди белого дня. На заметку режиссеру... t.me/...152

Смысл режиссера, хореографа, художника-постановщика на сцене или в кадре сейчас иногда теряется, собственно, как и весь симбиоз последующих действий, воплощаемых в спектакле или в кино. Когда в репетиционном зале «чудо», именуемое хореографом, делает умный вид, невнятные движения, а повторите мне последний такт, а давайте так или вот так, при этом имея ноль идей в кармане, пытаясь найти в артистах хоть какой-либо намек на его(ее) проблески озарения. Или режиссер на площадке, делающий указания «хлопушке», чтобы та объяснила, как играть актеру в сцене. Второй вариант, у режиссера: дайте много денег, будет отличное кино. Но это отдельная история. Путешествуя по театрам и киноплощадкам, убеждаюсь, что режиссер виден «издалека», детализация его подхода к «слоям» создаваемого мира трепетна и дотошна. И нет миллиметра непонятной для него материи в создаваемом образе. Беда не то, что какой-нибудь Петров или Васечкин пытаются переплыть реку, не зная ее течения и глубины, проблема в том, кто этих мастеров ставит на позиции демиургов творения. Сейчас наше культурное наследие (сами судите, какое именно) находится даже не в стагнации, было бы неплохо, если бы хотя бы там. Оно где-то заблудилось и заблудилось среди серости и примитивных форм. Не нужны «пятерочники», нужны удобные «троечники». И эта плесень сейчас как никогда в расцвете своих сил. Но уже есть маркеры общественного сознания, что не всё золото, что блестит, и будет на нашей улице праздник.

Всё, что нас окружает, нам кажется естественным и существующим как данность. То, что сегодня создает хореограф, режиссер по пластике, невербальный специалист в кино, театре, на сцене или на танцплощадке, выглядит понятным и читается с первых движений. Нам сразу понятен жанр, стиль, символы и сленг. Современное искусство движения нами подсознательно распознается после 3–6 секунд лицезрения, далее вступают механизмы оценки, сравнения и в лучшем случае классификации. Всё то, что мы не в состоянии понять, идет сразу в категорию смеха, это защитный механизм, предотвращающий отступление от наших привязок и/или отторжение, дабы не подорвать устои индивидуума, оценивающего сие действо, и перемещение исследуемого объекта в класс недостойного для просмотра. Всё зависит от того, что повлияло на подобную оценку: география, этнос, мораль, этикет. Стоит всегда помнить, что любое современное искусство — прежде всего субъективное восприятие как следствие, и субъективная интерпретация ранее виденных и понятых форм в источнике движения как причина. Сейчас всё создаваемое кажется вечным по сути воплощения и переживущим свое время, как минимум. Как будет восприниматься то, что сегодня является суперсовременным, через 100 лет в видео выше. t.me/...141

10 признаков, которые говорят, что вам не следует быть режиссером 1 - Если для вас написание сценария по пьесе из 10 страниц вызывает панику и желание позвать на помощь. 2 - При выборе команды на проект вы верите каждому новому специалисту и готовы с ним уже отмечать выпуск премьеры. Даже если у него сомнительная репутация. 3 - Когда при обсуждении проекта вы начинаете со слов «ну давайте начнем с вас...» и далее, в надежде, что решение придет во время обсуждения, слово берете последним. 4 - Когда при планировании проекта вы не понимаете, из чего он состоит, а при слове «график» или «дедлайн» ерзаете на стуле меняете тему. 5 - При работе с композитором у вас потеют руки и/или хочется спать. 6 - В работе с новым художником по костюмам вам всё нравится, и это лучший дизайнер, с кем вы когда-либо встречались. 7 - Когда технический директор сыплет терминами, которые вы не понимаете, а вы с умным видом киваете, чтобы выглядеть как настоящий профессионал. 8 - Когда вам звонит ведущая мероприятия и говорит, какое платье ей брать на сцену, а вы даже не понимаете, о чем она говорит. 9 - Когда для того, чтобы поставить шоу, вам нужно 10 помощников, каждый из которых занимается чем-то определенным, и без одного любого из них все пропало. 10 - Когда при форс-мажорных обстоятельствах перед мероприятием вы не можете решить, что делать, у вас бегают глаза, и вы ищете спасения у окружающих. Все события вымышлены. Любое сходство с реальными событиями случайно🤓

У каждого произведения есть свое сердце, то, что являет собой всю полноту откровений и страданий, будь то «Дон Кихот», «Чайка», «Сильфида», «Спартак», «Над пропастью во ржи» или «Маленький принц». Это некий код, который в себе содержит набор символов и образов, несущих в себе всю картину внутреннего мира. Чем мощнее дух автора, создающего полотно: фильм, драму, танцтеатр и пр., тем больше сердец находится внутри одного повествования. Когда мы вспоминаем или переживаем это произведение, мы всегда держим в уме определенный фрагмент, часть, которая нам содержит образ, который нитями окутывает все его события. В фильме Федерико Феллини «Ночи Кабирии» есть одна сцена, по признанию самого автора, она стала чем-то вроде откровения внутри откровения, фильм внутри фильма, балет внутри балета. Кончаловский (Андрон) в своем интервью делал анализ этого фильма и сказал, что в годы образования во ВГИКе они пытались понять, в чем успех этого фильма, изучили все планы и переходы. Но даже поняв, как это сделать, они не поняли, что заставляет плакать над ним. А заставляет не понимание, как это сделано, а о чем. Как только вы сможете собрать квинтэссенцию своих образов одного большого произведения и создать внутри него самобытное действо, ваше детище создаст большее воздействие и будет жить со зрителем долгие мгновения. Этот фильм заставил плакать Боба Фосса, который после этого фильма пришел к Феллини и получил разрешение снять свою версию этой прекрасной драмы. t.me/...132 «Ночи Кабирии», Федерико Феллини, 1957.

Зашел разговор о жанровости и как можно разделить их на виды, при условии, что сама задача — уйти от конкретики привязок и сделать кроссовер между понятным для зрителя языком и непредсказуемым исходом. Тень на плетень, но очень образно и доходчиво. Итак, *режиссеру на заметку*. Жанр — это род произведений в области какого-либо искусства, характеризующийся теми или иными сюжетными и стилистическими признаками. Жанр в литературе — это определенный вид литературных произведений, принадлежащих одному и тому же роду. Три рода литературы. Эпос — это произведение объективно-повествовательного характера. Лирика включает в себя произведения, которые находят воплощение переживания автора как личности по отношению к себе, обществу и миру в целом. Драма — это род произведений, написанных в форме диалога без авторской речи и предназначенных для исполнения на сцене. А вот дальше понеслось: Агитка — обращение к злободневной общественно-политической теме, в которой все изобразительные средства направлены к одной цели — максимально агитационному воздействию на человека. Балаган — шутовское изображение действительности. Баллада — лирико-эпический сюжетный рассказ исторического или бытового характера. Басня — нравоучительная сатира, в которой аллегорически изображаются человеческие поступки и социальные отношения. Бурлеск — снижение высокого и возвышение низкого. Буфф — наличие смешных положений, характерное возникновение комических ситуаций. Водевиль — незатейливая комедия с куплетами. Гимн — возвышенная похвала кому или чему-либо, могущая быть и сатирической, и иронической при сохранении возвышенной стилистики. Гротеск — смещение норм действительности и совмещение контрастов: реальности и фантастики, трагедии и комедии, сарказма и безобидного юмора. Идиллия — полная безмятежность, покой, блаженство. Коляда — рождественское приветствие, народное по форме, светское либо духовное по содержанию. Мистерия — библейская драма, система культовых обрядов. Памфлет — высмеивание кого-либо, общественно-политического явления или изобличение кого-либо с высоким политическим положением в художественно-политической форме. Пародия — комическое воспроизведение и утрирование характерных черт с целью осмеяния последних. Плач — оплакивание смерти человека и т. д. Притча — поучение или сатира нравственно-назидательного толка. Раек — сатирическое либо юмористическое обыгрывание злободневной темы, изобилующее народными идеалами. Сказ — повествование, выдержанное в форме русского фольклора и стилизованное под бытовой народный говор. Сказка — нравоучение или развлечение в форме фантастического повествования. Трагифарс — облечение трагического в комическую форму. Фарс — легкая комедия дивертисментного характера, где дивертисмент — ряд отдельных номеров в контексте театрализованного действа. Частушка — отображение самых разнообразных сторон жизни в форме народной поэтической миниатюры. Эксцентрика — необычный, из ряда вон выходящие приемы и контрасты в изображении действительности. Пытливый режиссер всегда точно знает, каким языком говорить со зрителем, чтобы быть услышанным. Вопрос в том, нужно ли это зрителю. И здесь начинается уже другой вопрос, как найти своего зрителя. Об этом позже. 😎

Что объединяет Майкла Джексона, Мадонну, Бритни Спирс, Бейонсе, мюзиклы «Чикаго», «Мама Миа», режиссеров Квентина Тарантино, Гая Риччи, Ким Ки Дука? ... Все они с большим чувством цитировали и вдохновлялись перфекционистом и революционером кинотанца Бобом Фоссом. Отточенные движения, пойманный психологизм времени и характеров героев, блестящее чувство ритма и проблематики образов. Когда в разговоре с одним студентом, разбирая его постановку, мы затронули «язык образов», я спросил, как можно данную работу структурировать глазами Боба Фосса. К моему удивлению, имя было незнакомо. Отсюда, собственно, и вытекает корень бед. Как можно создавать в современном мире «как бы новаторские произведения», не зная классиков жанра, в котором они работают? Плоское восприятие среза сегодняшнего дня, кроме как дорогой в никуда, я назвать не могу. Как минимум, чтобы написать небольшое стихотворение, следует почитать Пушкина, если собираетесь написать повесть, желательно знать Достоевского, Шолохова, Довлатова. ... Но если ваш путь — это сцена, Боб Фосс — это та икона, которую нужно изучить вдоль и поперек. ... К слову сказать, сам Боб Фосс учился и вдохновлялся работами Феллини, так что Джексон, Бейонсе, Тарантино имеют в своих работах под почерком Боба Фосса тень Федерико Феллини.