Zalina Inspiration

Архип Иванович Куинджи родился в 1842 году (по другим данным, в 1841 или 1840) в поселке Карасу под Мариуполем, в греческой семье сапожника. Рано осиротев, он познал нужду и с юных лет вынужден был зарабатывать себе на жизнь. Сменил множество профессий: был пастухом, работал у подрядчика по строительству церкви, служил в торговой лавке. Однако еще с детства Куинджи проявлял исключительную тягу к рисованию, используя для этого любые подручные материалы – обрывки бумаги, стены домов. Не имея систематического художественного образования, он упорно стремился к искусству. В 1860-е годы Куинджи предпринял несколько безуспешных попыток поступить в Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге. Лишь благодаря упорству и помощи известных художников, таких как Иван Крамской, в 1868 году он был принят в Академию в качестве вольнослушателя. В этот период он активно изучал произведения старых мастеров и работал в пленэре, оттачивая свое мастерство. В начале 1870-х годов Куинджи примкнул к Товариществу передвижных художественных выставок (передвижникам), чьи идеи демократизации искусства и приближения его к народу были ему близки. Однако вскоре его творческий путь начал расходиться с традиционными установками передвижников. На раннем этапе Куинджи создавал преимущественно реалистические пейзажи, такие как «На острове Валааме» (1873) и «Забытая деревня» (1874), отличавшиеся драматизмом и вниманием к деталям природы. Однако вскоре он начал экспериментировать с цветом и светом, стремясь передать не просто изображение, а атмосферу, настроение, ощущение. Настоящий прорыв в творчестве Куинджи произошел в конце 1870-х – начале 1880-х годов. Он нашел свой уникальный художественный язык, сосредоточившись на передаче световых эффектов: лунного сияния, закатного солнца, рассветной дымки. В этот период были созданы его самые знаменитые полотна. Куинджи создал целое "представление" вокруг своих картин, привлекая толпы зрителей и вызывая жаркие дискуссии. Он использовал уникальные цветовые сочетания и приемы наложения красок, которые позволяли добиться невероятной светоносности. На пике славы, в 1882 году, Куинджи совершенно неожиданно прекратил публично выставлять свои работы на долгие 20 лет. Он уединился в своей мастерской, продолжая экспериментировать с цветом и светом, но уже не для публики. Причины его "затворничества" до конца не ясны, но, возможно, он не хотел повторяться и стремился к новым открытиям. Илья Репин. «Портрет художника А.И.Куинджи» (1877). Холст, масло. 147.1 x 104.8 см Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия

Даная, написанная Густавом Климтом в 1907-1908 годах, является одной из самых известных и чувственных работ этого австрийского художника, символизирующей тему плодовитости, эротизма и мифологической силы. Картина основана на древнегреческом мифе о Данае, дочери аргосского царя Акрисия. Оракул предсказал Акрисию смерть от руки внука, поэтому он заточил Данаю в башню, чтобы она не могла иметь детей. Однако Зевс, воспылавший страстью к Данае, проник к ней в виде золотого дождя. От этого союза родился герой Персей. В западноевропейском искусстве существует множество версий мифа о Данае, акцентирующих различные аспекты – от религиозного до эротического. Однако Климт предложил совершенно иной взгляд, сконцентрировавшись на самом моменте оплодотворения. Он убрал все отвлекающие детали, чтобы подчеркнуть неземную, трансцендентную природу этой божественной любви.

Мона Лиза? Мона Лиза. Картина Леонардо да Винчи, как известно, находится в Лувре. Что же за подделка изображена на втором полотне и можно ли ее где-то увидеть ? Вторая картина находится в музее Прадо, в Мадриде и появилась она там еще в XIX веке, однако до 2012 года эта работа выглядела немного иначе. При подготовке к выставке, реставраторы заметили что-то под слоем черного плотного фона, в итоге было принято решение «расчистить» картину. После снятия слоя они обнаружили пейзаж. В 2018 году было проведено исследование, которое говорит о том, что эта картина не просто подделка, а самая настоящая «прижизненная копия». То есть, данная картина написана одновременно с Моной Лизой кисти Леонардо, предположительно, учеником самого гения.

В Древний Рим прямо из Царского села! В знаменитой царской резиденции есть постройка невероятной красоты античного образца — я говорю о Камероновой Галерее. Галерея сочетает в себе элементы античной архитектуры – строгие колонны, балюстрады, портики – с элементами пейзажного парка. Императрица Екатерина II, вдохновленная архитектурой древнего Рима, мечтала создать в Царском Селе место для прогулок и размышлений. Камерон блестяще воплотил ее мечту, создав не просто галерею, а настоящее произведение искусства. Внутри галереи можно увидеть бронзовые бюсты, копии античных статуй, а также роскошные интерьеры. Все это создает ощущение погружения в эпоху античности. С галереи открываются захватывающие виды на Большой пруд, Екатерининский парк и другие достопримечательности Царского Села. Говорят, что Екатерина II любила проводить здесь часы, беседуя с придворными и принимая важные решения. Если вы хотите ощутить дух эпохи Екатерины II и насладиться великолепием русского классицизма, то вам сюда!

Революция беспредметности в искусстве Супрематизм – это авангардное направление в искусстве, основанное Казимиром Малевичем около 1915 года. Он стал одним из самых радикальных и влиятельных явлений в абстрактном искусстве XX века, провозгласив абсолютное превосходство (супрематию) чистых геометрических форм над предметным миром. Полный отказ от изображения узнаваемых объектов реального мира. Супрематизм стремился освободить искусство от необходимости копировать действительность, чтобы выразить чистую идею и ощущение. Использование простых геометрических фигур – квадрата, круга, треугольника, креста – как основных элементов художественного языка. Цвет играет важную роль в супрематических композициях, подчеркивая динамику и взаимодействие форм. Малевич использовал ограниченную палитру, часто ограничиваясь основными цветами. Белый цвет рассматривался как символ бесконечности, чистоты и космоса. Белое пространство холста становится активным элементом, подчеркивающим супрематические формы. Супрематизм стремился к выражению высших духовных и метафизических истин. Малевич видел в беспредметном искусстве путь к познанию абсолютной реальности. Художник считал, что супрематическое искусство открывает доступ к четвертому измерению, не доступному для обычного человеческого восприятия. Несмотря на критику, супрематизм остается одним из самых значительных и революционных направлений в искусстве XX века, оказавшим огромное влияние на развитие авангарда и современной культуры. Он заставил художников и зрителей переосмыслить природу искусства и его роль в обществе.