Истина на горизонте

Проблема восприятия цвета человеком и обществом волнует научное сообщество на протяжении длительного времени как в аспекте физического, так и психологического, культурного и социального. Немецкий физик Генрих Густав Магнус считал, что при рождении мы не видим всех цветов и выделил 5 стадий развития цветовых ощущений[1]: 1. Монохроматическая. 2. Различение красного от ахроматических цветов. 3. Выделение зеленого. 4. Выделение синего. 5. Четкое разграничение 4-х цветов. Хоть эта точка зрения и объясняет...

Психологи Мими Купер и Арлин Мэтьюз в книге «Как понимать язык цвета» упоминают одну мексиканскую сказку: Когда-то давным-давно весь мир был черно-белым и только на закате и рассвете, когда белый день сменялся на черную ночь и, наоборот, на границе перехода появлялся серый. Но людям тяжело было так жить, они были грустными, подавленными. И, видя это, боги решили сделать мир более радостным и создали цвета[1]. Мы не знаем, был ли знаком с этой сказкой Д. Рескин, но в труде «Искусство и действительность»...

Помимо рисунка и цвета, часть исследователей обращала внимание на формат поверхности, на которой размещено изображение и расположение этого изображения. В частности, Б.Р. Виппер утверждал, что формат поверхности обладает эмоциональным тоном, который определенным образом воздействует на зрителя. Так горизонтальный формат давит, принижает, вносит оттенок грусти, пессимизма, может быть, даже отчаяния, создает атмосферу одиночества, бедности, тяжелого физического труда. Вертикальный формат настраивает на бодрость и радость, внушает зрителю чувство духовного освобождения и возвышенных устремлений...

Интерпретируя созданный в ходе арт-терапии рисунок, специалисты зачастую сталкиваются с тем, что используемые цвета указывают на одно, а расположение и форма объектов на другое, подчас противоположное по смыслу. Например, ребенок изображает счастливую семью, где каждый занимает «правильное место», но в черном цвете, либо яркими жизнеутверждающими цветами рисует сцены насилия. На что же следует обращать внимание в первую очередь? Что в приоритете и раскрывает суть, а что - нюансы? Дилемма о том,...

Впервые данный тест предложил К. Аппель в 1931 г. В качестве техники для детской психиатрической клиники он просил детей нарисовать дом, отца, мать, братьев и сестер, учителей и друзей. Французский психиатр Ф. Минковска-Брокман в 1947 году сократила перечень объектов, которых нужно изобразить на рисунке до «я, моя семья и мой дом». Другой французский психиатр А. Порот в 1950 году еще сократил перечень до «нарисуй свою семью». Он исключил физическую сферу и дал ребенку возможность включать или не включать себя в рисунок...

В самых общих чертах можно выделить два представления о сути детского рисунка: 1) дети рисуют, то, что видят и 2) дети рисуют то, что знают. Большинство исследователей придерживается второй точки зрения. Так, Корради Риччи в 1887 г. проанализировав сотни детских рисунков, пришел к выводу, что ребенок описывает людей и вещи, вместо того, чтоб передавать их художественно; он старается передать их во всей полноте, а не только видимое[1]. Виктор Ловенфельд полагал, что любое художественное выражение невозможно без самоотождествления с выражаемым опытом...

Самые ранние из известных детских рисунков датируются 13 в. Это рисунки 7-летнего новгородского мальчика Онфима, выполненные на бересте[1]. Однако для научной общественности детские рисунки начинают представлять интерес лишь с 19 века. Одним из первых обратил внимание на детское творчество женевский писатель и рисовальщик Родольф Тепфер. В своем труде «Размышления и мелкие замечания женевского художника» он писал, что, хотя многие детские рисунки неумелы и плохо нарисованы, они выражают намерение, мысли[2]...

Американский художник Говард Икемото вспоминает один случай: «Когда моей дочери было семь, она спросила меня однажды, где я работаю. Я ответил, что работаю в колледже: учу людей рисовать. Она уставилась на меня недоверчиво и сказала: «Ты хочешь сказать, они забыли?»[1]. Советский социолог Ю. Перов в статье «Проблема ценностно-нормативного согласия в художественной культуре» отмечал, что исторически изначально не было разделения на художников и не художников, рисовали все. Изобразительная деятельность вообще не считалась родом деятельности...

В 1906 г. Брейль на конгрессе в Монако подробно изложил последовательность появления первобытных рисунков. Первая и древнейшая фаза – простое воспроизведение очертаний. К ней относятся силуэты животных в виде самых примитивных профилей. Очертания большей частью неправильные, пропорции не соблюдены, отсутствуют детали, преобладают толстые штрихи (живопись в пещерах Пэр-нон-Пэр, Ла-Грез, Шабо, отдельные изображения в Альтамире, Ла-Калери, Портель и Кастильо)[1]. Вторая фаза. Изображения более точные, появляются детали и перспектива...

Является ли способность рисовать врожденной или приобретенной? Часть исследователей и широкой общественности сходятся во мнении: это врожденная способность. Дети с самого раннего возраста не упускают возможности использовать краски, карандаши… варенье, все то, что оставляет след на поверхности, включая собственное тело, чтобы поставить метку, изобразить каракуль. Н.Н. Николаенко считает, что рисование генетически заложено в жизнь и деятельность ребенка, является частью его эмоционального, духовного, интеллектуального развития...

На этот вопрос также нет однозначного ответа. Клод Моне в беседе с Ф. Фельсом говорил: «все рассуждают и претендуют на понимание живописи, как будто нужно понимать, когда надо попросту любить. Торговцы, выбирая мои полотна, всегда проходят мимо лучших, не замечая их»[1]. Пабло Пикассо тоже коснулся этой проблемы в беседе с Зервосом в 1935 г.: «всякий хочет понимать искусство. Почему не пробуют понять пение птиц? Почему любят ночь, цветы, все, что окружает человека, не доискиваясь до их смысла. А живопись хотят понимать...

Жан Мари Гюйо, французский философ 19 века, одним из первых начал рассматривать искусство с социологической точки зрения. Философ пришел к выводу, искусство есть функция социального организма, имеющая очень важное значение для его благосостояния и развития[1] и что внутренний закон искусства – это создание эстетической эмоции социального характера. Французский социолог 20 века, А. Лефевр также считал искусство общественным явлением. Он настаивал, что искусство должно контролироваться политическим руководством, «т...