Наталья Романова

Премьера в театре "У Никитских ворот" "Красный уголок" Ох уж эта Саруханова! Никакие методы общественно-воспитательной работы на нее не действуют. Лика, воспитательница рабочего общежития (оказывается были и такие), больше часа пытается пробиться в душу уставшей, пьющей лимитчицы и увлечь ее хоть чем-то. Но, как оказалось в финале, надо спасать не от пьянства и деградации личности, а от классического женского одиночества. Пьесу "Красный уголок" Марк Розовский писал в непростое перестроечное время. Когда в стране вовсю шла горбачевская антиалкогольная компания, пьеса тоже шла, и довольно успешно, и в самом театре "У Никитских ворот" и в сорока театрах России. Сегодняшний премьерный спектакль получил второе рождение, благодаря самостоятельному этюду двух молодых актрис и оказался настолько жизнеспособным, что Марк Григорьевич решил восстановить постановку на старой сцене театра. Камерность старой сцены как нельзя лучше подходит для такой истории. Граница между тем, где заканчивается сценический красный уголок с его узнаваемым антуражем: красным знаменем, вымпелами и, конечно же, портретом самого Горбачева, и где начинается зрительское пространство, весьма условная. Мы все словно присутствуем на дисциплинарном разборе, или товарищеском суде в качестве свидетелей. Правда, судить, и уж тем более осуждать эту усталую женщину с "макаронной фабрикой" на голове, в бесформенном халате, спущенных хлопчатобумажных чулках и тапках (за костюмы спасибо Евгении Шульц) совсем не хочется. Стоит она целый день у станка, выполняет свою совсем не женскую работу, потом с тремя пересадками едет через весь город, и разве ее вина, что уже не хватает сил ни на походы, ни на культмассовые мероприятия, а хватает только на то, чтобы выпить полбутылки водки, и забыться коротким сном до следующей тяжелой смены. Лике Федоровне ее судить тоже не хочется, но ей по должности положено, и, как ответственная отличница, "комсомолка, спортсменка", она непременно хочет достучаться до причин сарухановского равнодушия, пробиться за стенку односложных ответов: "ты же пьешь!" - "пью, но я ж никому не мешаю", понять, чего она хочет. А больше всего она хочет побыстрей закончить разговор по душам и пойти спать. Молодым актрисам удается довольно достоверно передать этот не самый удачный воспитательный опыт, хотя их собственный опыт в этой ситуации им помочь не может. Не мудрено - в то время они обе еще не родились. Но тут начинает действовать актерская харизма, а у зрителей возникает уверенность в их замечательном творческом будущем. Полина Ежова в роли непробиваемой Сарухановой притягательна до невозможности своим невозмутимым, сонным выражением лица, на котором буквально написано, как в той басне Крылова: "а Васька слушает, да ест". А Ирина Шкабара - Лика Федоровна, тоненькая девочка с огромными глазами, которую как-то странно называть по отчеству, скачет вокруг этой статуи козликом, пробуя тысячу разных способов ее переупрямить и вернуть обществу полезную трудовую единицу. Но в процессе выясняется, что между ними гораздо больше общего, чем кажется, что обеим катастрофически не хватает любви, и чтобы растормошить чью-то уснувшую душу, надо просто открыть свою. И тогда взрослая, курящая и пьющая баба вынет из-за пазухи своего безразмерного халата и подарит самое дорогое, что у нее есть - маленького плюшевого щенка Кузю, найденного когда-то на помойке и скажет, уже в дверях, как тот маленький мальчик из детдома, где когда-то работала Лика: "полюбайте меня, мама Лика!", а заводной Кузя будет подпрыгивать у Лики на столе под веселенький мотивчик "Выбери меня, выбери меня, птица счастья завтрашнего дня". Ну вот, опять у Марка Григорьевича Розовского человечный спектакль получился. Может быть кто-то скажет, что он несовременный, что состоит из одного сплошного диалога, что в нем не хватает драйва и динамики, что героини не матерятся и не отплясывают канкан, но за всем этим есть куда пойти, театров в Москве хватает... И, кстати, у Сарухановой есть имя. Ее зовут Надя. Вот иполучается, что это не красный уголок, а маленький уголок НАДЕЖДЫ.

"Мадам Бовари" Театральное агентство "Арт-партнер XXI" Стиль режиссуры Антона Федорова совершенно специфический, ни на кого не похожий, возможно, вызывающий у кого-то раздражение, возможно даже отторжение, смело прогуливающийся на острие гротеска и сюрреализма, превратил довольно тоскливое произведение Гюстава Флобера в увлекательные скачки по пересеченной местности, когда совершенно не понимаешь, что ждет тебя за следующим поворотом. Что, например, Эммочка и ее незадачливый муженек Шарль (нет, не Азнавур, и не Перро, и даже не де Голль, "берите выше - Бовари") пойдут в середине действия в синематограф, вооружившись ведрами попкорна. И тут, что называется, повезло с местами. Сижу как раз с краю, а эти двое, спустившись в зал со сцены, спрашивают у меня заговорщическим шепотом - "какой ряд?" Таким же шепотом им отвечаю - "третий" и они, каждую секунду извиняясь и разбрасывая по дороге попкорн, начинают пробираться в середину ряда. Посидев немного, и "посмотрев кино", проделывают ту же процедуру в другую сторону. Как вам такое? Не устаю любоваться сценографическими находками спектакля. Бричка с надписью "Joséphine" везет героев по полям, лесам, садам, а то и мимо блочных спальных многоэтажек, периодически нам показывают "мультики" в качестве иллюстраций нелегкой жизни Эммы и подробностей ее адюльтера. Салют, дискотека и суровое грозовое небо - все "смешалось в доме Облонских". Спектакль полностью оправдывает приклеенную к экспериментам Федорова кем-то и когда-то этикетку жанра "экстремальной психологической клоунады". Все его герои немного (или много) клоуны, фрики с непременной чудинкой, а степень чудаковатости напрямую зависит от конкретного персонажа. Зрители на спектакле "Мадам Бовари" на первый взгляд, слишком много смеются, но лишь для того, чтобы в финале режиссер мог наиболее эффектно превратить фарс в трагедию. Эмма Бовари с ее поисками любви и лучшей жизни, которые ни к чему хорошему ее не привели, становится трагической жертвой этих поисков. Далеко не всегда программка спектакля так красноречиво говорит о его главной идее. Эта не говорит, а просто кричит. На ней лишь глаза, которые смотрят на нас сквозь путаницу пересекающихся линий, словно умоляют о спасении. Но спасения ждать не прихрдится и героиня Натальи Рычковой, совершенно запутавшись в жизни, не видит другого выхода, кроме как уйти из нее. Наталья Рычкова проживает жизнь Эммочки Бовари, словно перебегая от замужества к смерти зигзагами на цыпочках. Актрисе очень идет "рваный" ритм неустойчивой психики героини. Она то впадает в уныние, то снова пребывает в воодушевлении от встречи с очередным мужчиной, и тогда амплитуда ее страсти зашкаливает, а потом снова наступает спад. Бесцветный и нелепый муж в виртуозном исполнении Семена Штейнберга не дает ей ни единой возможности почувствовать себя счастливой. Пришел с работы, где нет пациентов, отвернулся к стенке и захрапел. А что делать жене, напичканной любовными романами? Остается потихонечку изменять. Спектакль, наполненный припорошенными чем-то белым завсегдатаями аптеки месье Гомэ (Алексей Черышев), идет на потрясающей смеси "французского с нижегородским", приправленной остреньким словцом (18+, если что). Выглядит и звучит это безумно колоритно и каждый персонаж вносит своюгорстку изюма в этот речевой сумбур. Тут тебе и песни Джо Дассена и краткое "уи" от немногословной и невозмутимой мамаши. Обожаю Ольгу Лапшину, образ у нее спектакле нереально выразительный, несмотря на каменное выражение лица. А чего стоят оба героя-любовника! Первый - долговязый Леон с жеманными манерами и ломаными движениями (Сергей Шайдаков). Второй - Родольф (Артур Бесчастный), пошляк и соблазнитель, гордым павлином вышагивающего по сцене, не забыв при этом про его сходство с Ван Гогом. И оба пасуют в трудный момент жизни Эммы, когда она оказывается в сетях безжалостного Лере (Рустам Ахмадеев). Нормальная практика 90-х: заманить яркими тряпками, а потом терроризировать долгами. И тут французским "Je ne comprends pas" и "vse potom" не отделаешься. Ты же русская, Эмма, говори по-русски! Короче, скоро рассвет, выхода нет!

Театру сатиры 100 лет. Юбилей серьезный. А еще в этом году мы отмечаем 215 лет со Дня Рождения Гоголя. Для постановки спектакля "Игроки" новый художественный руководитель театра Евгений Герасимов привлек молодого режиссера Альберта Хасиева, а тот в свою очередь, пригласил команду отличных актеров и замечательного художника. С него, пожалуй, и начну. Андрей Климов, художник-постановщик и блестящим послужным списком, создал на масштабной сцене Театра сатиры мир идеальной красоты. Вместо трактира провинциального города он поселил персонажей пьесы Гоголя в номер шикарного отеля под свет красных венецианских люстр, с блестящим черным лаком столом, который выкатывается на сцену, мгновенно преображая ее в роскошное казино. При этом карточные шулеры и примкнувший к ним Ихарев вовсе не выглядят респектабельно. Они как будто здесь не на месте в своих мешковатых, пестрых и далеких от классики костюмах. Интересный факт - на рекламных фото спектакля с сайта театра они позируют в современных классических пиджаках и жилетах, и мне показалось, что такой вариант больше подошел бы к цветовой гамме сценического пространства. Но тут уж художнику видней. Начало спектакля совершенно безупречно и сразу посвящает зрителя в самую суть постановки. Из огромного сундука, как тряпичную куклу, достают Ихарева (Сергей Шнырёв). Кукловоды вертят им, как хотят, пытаются двигать его руками и ногами, даже изображать подобие танца, и все это под звуки дрожащего тоненького голоска, поющего "в лунном сиянье". Колокольчик звенит, на видео-панелях, которые становятся огромными окнами, летит метель и все это неимоверно красиво. А еще один приступ красоты случается, когда из того же сундука возникает во всем своем великолепии верная спутница Ихарева, его бесценная карточная колода Аделаида Ивановна (Янина Студилина). В ее образе есть и частички оперной дивы, примы какого-нибудь элитного кабаре, и эффектной ассистентки фокусника, отвлекающей внимание зрителей, когда тот проводит свои манипуляции. Так оно и есть, Ихарев и считает себя заправским фокусником, мастером по перемещению денег из чужих карманов с собственные, только вот находятся, на его беду, более талантливые, способные проделать ту же манипуляцию с ним самим. Их многоходовая комбинация всем известна, Николай Васильевич нам о ней поведал во всех подробностях с финальным нравоучительным посылом о том, что на любого мошенника всегда найдется другой мошенник. Компания карточных шулеров подобралась в спектакле знатная. Внушительный Швохнев (Игорь Лагутин), хитроумный Утешительный (Сергей Климов) и полковник без выправки Кругель (Кирилл Анисимов), почувствовав в Ихареве собрата по шулерству, приглашают его присоединиться к ним и составить "каре на четырех тузах". А уж когда появляется Глов старший (Юрий Васильев), афера приобретает буквально вселенский масштаб. Его значительная фигура и безупречная игра "на дурачка" становится для Ихарева убедительной приманкой. Теперь "попалась птичка, стой!". Осталось только докрутить историю с векселями, гусарскими плясками Глова-младшего (Максим Финогенов), лже-чиновенком Замухрыжкиным (Андрей Анкудинов), и оп, дело в шляпе! Деньги уплыли, мошенники исчезли, и остался Ихарев опять один, без денег, зато с верной Аделаидой Ивановной, которая, поманив несметным богатством и восточными танцами, превращается в героиню комедии дель арте (в сюжетах которой тоже частенько проводят плутов) и запихивает незадачливого шулера в свой гигантский сундук. Фенита ля комедия. Хотя, надо сказать, Ихарев не унывает. Поняв, что его так ловко обманули, он неожиданно смеется и вообще воспринимает случившееся, как определенный жизненный урок. Как говорится у другого известного классика: "на всякого мудреца довольно простоты". Говорят, Гоголь свою трагическую комедию не закончил, может следом за подобной развязкой ожидалась бы вторая серия с "ответочкой" Ихарева своим обидчикам? Кто знает... Но с нас и этого довольно, был бы спектакль хороший. А спектакль Театра сатиры, в лучших традициях этого намоленного места и со всеми красотами современной сценографии, безусловно хорош.

В спектакле Театра "Мост" по известной пьесе Оскара Уайльда "Как важно быть серьезным" тонкий английский юмор уступает место гротеску и отчаянному хулиганству. Хулиганят все, начиная со сценографа Людмилы Казаковой, обтянувшей ширму, диван, и даже дневники молоденьких героинь, которым они поверяют свои любовные переживания, легко узнаваемой клечатой тканью Burberry, и заканчивая гимном главных музыкальных хулиганов планеты The Rolling Stones - Satisfaction, под которую герои выходят на финальные поклоны. Про актерское хулиганство и говорить нечего. Первенство в этом деле по праву достается развеселому дуэту: беспечному прожигателю жизни Элджернону Монкрифу и его верному слуге и соратнику по розыгрышам Лэйну (Евгений Панферов). Элджи в исполнении Романа Зуева - неутомимый выдумщик всяческих проказ, подвижный, как ртуть, всеми обожаемый чемпион по "бенберизму". Что это такое, спростите вы? Термин возник из имени некоего выдуманного мистера Бенбери, вечно находящегося либо при смерти, либо близко к этому, за которым Элджи непременно надо ехать ухаживать как раз в тот момент, когда его тетушке Леди Брекнелл (Марианна Лемешко) приходит в голову устроить музыкальный вечер. Очень удобная отмазка, надо сказать. С придуманными персонажами в пьесе даже некоторый перебор. Очень запутанная история с именем Эрнест, которое приходится присвоить другу Элджи Джеку Уордингу (Петр Снякин) по прихоти своенравной Гвендолен (Ксения Берелет), в которую он влюблен. А для своей воспитанницы Сесили (Вера Семенова) ему приходится придумать несуществующего беспутного братца Эрнеста. И вот ровно в тот момент, когда Джеку тот стал особенно досаждать и он уже решил отправить несчастного Эрнеста в мир иной где-то в Австралии посредством "острой простуды", и даже череп заготовил, чтобы погрустить над "бедным Йориком", откуда ни возьмись появляется шутник Элджи, представившийся как раз тем самым Эрнестом и успевший влюбиться в Сесили. Головокружительный кульбит! Что же делать друзьям, чтобы угодить любимым? Оба готовы даже креститься и принять имя Эрнест, но тут неожиданно оказывается, что мифический Эрнест действительно существует... Все сюжетные повороты с трагической забывчивостью мисс Призм (Василина Козачук), оставившей ребенка в саквояже в камере хранения, или допросами с пристрастием, которые Леди Брекнелл устраивает потенциальному соискателю руки и сердца дочери или невесте племянника, медленно, но верно приводят героев к счастливому финалу. Кстати, Марианне Лемешко блестяще удалось вылепить из важной леди настолько комический персонаж (шляпка набекрень, губы трубочкой, как у аквариумной рыбки, особая манера говорить), что каждое ее появление вызывает гомерический хохот в зале. Да что уж тут, буквально каждый из героев по задумке режиссера спектакля Георгия Долмазяна обладает той или иной комической черточкой, начиная с нелепого жабо Лейна и заканчивая важными манерами и клоунским видом дворецкого Мерримэна (Леонид Семенов) или излишней любвеобильностью пастера Чезюбла (Дмитрий Волков). Даже очаровательные молодые леди не лишены определенной доли гротеска. Герои вытанцовывают под Beatles, болтают без умолку и начисто лишены утонченности и степенности представителей британского высшего общества и их чопорной прислуги. Ну и спасибо большое режиссеру за это, так нам гораздо веселее. Тем более в День Рождения Оскара Уайльда. Но это уже мне так повезло.

Вы знаете, что такое квантовое искусство? Нет? Вот и я тоже пока только пытаюсь найти ответ на этот вопрос ровно с того дня, как посетила мероприятие торжественного закрытия выставки, организованной проектом "Квантовое содружество культуры". Выставка проходила с 8 по 13 октября в Московском геологическом музее им. Вернадского. Попросила известного искусствоведа, академика различных художественных союзов и профессора искусствоведения Григория Гинзбурга популярно объяснить, что же это за зверь такой, квантовое искусство. По его словам, если кратко, то это "новейшее направление XXI века, в котором художники отражают действительность, проникнутую прогрессом". Скажу честно, после его объяснения легче не стало. Приведу еще одно определение от вице-президента движения квантового искусства Натальи Морозовой: "Квантовое искусство" рассматривает тело, ум и сознание, как единое целое, которое становится неотъемлемой частью произведения искусства под двумя взглядами: с точки зрения художника, который создает, и с точки зрения наблюдателя, который пользуется самим произведением искусства." Еще непонятнее... Возможно, чтобы постигнуть глубокую философию проекта, нужно приложить несколько больше усилий. Буду стараться. Перед торжественной частью мероприятия я побродила по выставке, пытаясь понять, чем же объединены работы на ней. Обнаружилось потрясающее разнообразие стилей, техник, и тем произведений. Одни работы казались более реалистичными, другие менее, третьи совершенно футуристическими. Единственный вывод, который я смогла сделать - это то, что абсолютно любое произведение искусства можно назвать квантовым, если в его основе заложена некая первоначальная прогрессивная идея. А более глубокое проникновение в тему оставим академикам Международной Академии квантового искусства ІАМАQ и ее Президенту Роберто Денти. Именно ему принадлежит авторство теории и концепции «Квантового искусства». Итальянский теоретик, академик, архитектор, фотограф, скульптор, дизайнер как раз и создал это направление, в основе философии которого лежит синтез искусства и науки. Меня особенно порадовало, что квантовое искусство находит свое отражение даже в моде. Совершенно особенный и выделяющийся на общем фоне проект, который представила на выставке "Евгений Гусев Студия", продемонстрировал, как одежда и ее трансформация может стать частью квантового направления, как может работать в костюме идея, где в развитии показано использование национального культурного кода. На манекенах и в эскизной части проекта была представлена генерация идеи включения в повседневную одежду элементов, орнаментов, деталей, вдохновленных иллюстрациями Билибина, соединенных со стилистикой casual. На выставке состоялся финал конкурса "Метаморфозы гения в квантовом измерении" в рамках Всероссийского фестиваля к 100-летию Сергея Параджанова "PARAJANOV-FEST". Организатором проекта стал Культурный Центр Посольства Армении в России при поддержке Министерства Культуры РФ. Международная Академия Квантового Искусства IAMAQ выступила официальным партнером проекта. Очень жаль, что не попала на открытие выставки. На нем был представлен квантовый перформанс «Корпускулярная теория художника», авторства Роберто Денти и Натальи Морозовой. Зрителям и гостям впервые была представлена сценография с использованием символических образов из фильма "Цвет граната". Мне, как большому фанату Сергея Параджанова, было бы, несомненно, интересно это увидеть. А на церемонии закрытия Роберто Денти, Наталья Морозова и Григорий Гинзбург вручили всем участникам выставки почетные дипломы, ордена, приняли в состав Академии новых членов, рассмотрели кандидатуры и презентации художников. Сегодня среди участников проекта представители 18 стран и это уже 4-я подобная отчетная выставка Академии в России. От лица гостеприимного Геологического музея, принявшего выставку в своем Белом зале, на церемонии выступил его директор Сергей Черкасов. Похоже, у квантового искусства в Москве появилась постоянная прописка. Успеха его адептам и основателям.

"Не приведи бог видеть русский бунт - бессмысленный и беспощадный". Эти знаменитые пушкинские строки не могли не прозвучать в спектакле "Капитанския дочка" Московского Губернского театра. Очень символично, что произносит их не Гринев, как в романе, а сам Пугачев, что подводит для него определенную черту под содеянным. И в самих словах, и в том, как они звучат, есть и ярость обреченного, но есть и запоздалое раскаяние героя перед неминуемой Спектакль невероятно хорош визуально, и в то же время полон глубины, шарма, атмосферы, прекрасных актерских и режиссерских находок. Просто 11 из 10! Начинается он как расследование и соединяет текст пушкинской прозы с отрывками из монографии поэта "История Пугачева", реальными документами того времени, выдержками из допросов и судебного слушания по делу Пугачева. Спектакль талантливо играет с реальностью произошедшего. Все в нем намеренно не настоящее. И набитые соломой чучела вместо повешенных коменданта и его помощника, и головы в нем не рубят, а разбивают вдребезги капустные кочаны, и в руках бунтовщиков палки вместо ружей, да и сама крепость - лишь игрушечный макет. Но почему при виде всего этого реквизита тебя вдруг охватывает невыразимый ужас? Почему так реально жутко становится от того, как кричит Маша при виде загубленных родителей? Почему разлетающийся на куски кочан красной капусты под ударами сабли так пугает и завораживает одновременно? В этом "ненастоящем" сокрыта самая суровая и страшная правда, и от того, что преподносится она, как элемент игры, скоморошества, театра в театре, воздействие ее гораздо сильнее. Над сценографией спектакля работал один из моих любимых театральных художников Максим Обрезков, замечательные костюмы создала Тамара Эшба. Визуальная красота спектакля - просто таки наслаждение для глаз. Мощный наклонный дощатый помост и деревянные балки, столы следователей и табуреты - все грубо сбитое, простое, без изысков на фоне совершенно черного задника, а во втором действии история пугачевского восстания преподносится уже как народная прибаутка, лубочная картинка, карнавал, столь любимый матушкой-императрицей Екатериной II. И сама она в роскошной маске предстает перед Машей, словно солнце восходит. И снова мы слышим ту же историю, только под иным углом. От смелой, тоненькой рыжеволосой девочки, которая не побоялась добраться до самой императрицы, чтобы защитить и оправдать любимого. Актерские работы в спектакле восхитительны. Молодые актеры Александра Лукьянова и Олег Савостюк очень естественно проносят через весь спектакль и трепетность, и восторги первой любви, юношеский максимализм, но и твердость характеров, честность и бескомпромиссность. Без утайки рассказать про встречу с Пугачевым на зимней дороге и тот самый заячий тулупчик и не побояться прослыть заговорщиком, или честно сказать Пугачеву в лицо, что не будет ему служить - всего лишь два проявления этой стоической твердости, верности долгу и преданности в любви. Сам Пугачев, прорисованный Дмитрием Карташовым ярко, мощно, словно крупными мазками, со всей заносчивостью и мужицкой грубостью, окруженный ватагой бунтовщиков, которые вихрем проносятся по сцене и по залу, к финалу спектакля подходит к наивысшей точке своего раскаяния, стоя на коленях перед маленькой, хрупкой Машей, которая готова после всего им содеянного молиться о спасении его грешной души. Сцена невероятно сильная по глубине и восприятию. Мы плакали. Есть еще один герой, чье раскаяние и даже возможное оправдание его действий пытаются найти создатели спектакля. Любовь Швабрина к Маше, возможно, не менее сильна, чем у Петра Гринева, но полна бессильной ярости от того, что она безответна, и это толкает его к краю, заставляя совершить предательство. Спектакль "Капитанская дочка" просто невозможно описывать по частям, это целостное зрелое высказывание, захватывающее, яркое и яростное, иногда печальное, как протяжная, заунывная русская песня, иногда залихватское, как удалая пляска злодеев-бунтовщиков. Все, как в нашей жизни, только лучше. И это как раз то самое, ради чего стоит любить театр и идти в него.

Когда Юрий Грымов объявляет проведение открытой репетиции нового спектакля, бегу на нее буквально со всех ног, "теряя тапки". Пропустить такое я никак не могу. Во-первых, это явление в театральной жизни невероятно редкое, далеко не каждый режиссер согласится показать зрителям тонкости репетиционного процесса, а во-вторых, и это главное, обожаю моменты живого общения Грымова с актерами, когда на твоих глазах рождается рисунок спектакля, когда в многократном повторении одной и той же фразы появляется именно та, самая правильная интонация, когда можно увидеть филигранную работу со светом, когда даже нет еще готовых костюмов, но по поведению актеров на сцене можно угадать особенности характеров героев. Репетируют "Скотный двор". Да, да, того самого, великого и могучего Оруэлла, которого так боятся ставить многие режиссеры, столько иносказаний, вторых и третьих смыслов заложено в его произведениях. Грымов не боится. Для него главное, чтобы то, что он ставит, находило отклик в его собственной душе, а его сплоченный коллектив идет за режиссером и в огонь и в воду. Сколько уже было подобных примеров, начиная с 2016 года, когда Грымов возглавил театр. Теперь он ответственен здесь за все и со свойственной ему прямолинейностью утвреждает, что театр может быть только режиссрским. Или это будет уже другой театр. Да вот взять хотя бы одну из недавних великолепных работ театра "Цветы нам не нужны". Находились "доброжелатели", которые отговаривали Грымова вести разговор на подобную тему. Фашизм, Шпандау... Но в упрямстве Грымов - чемпион. Раз тема волнует, она должна быть воплощена. Так же и с Оруэллом. В книге британского писателя на примере отдельно взятого скотного двора показаны принципы сталинского правления, но то, что ставит Грымов, гораздо шире, глобальнее и современнее. У книги, написанной в 1945 году, нашлось достойное продолжение в виде пьесы, созданной для "Модерна" драматургом Мариной Сулчани. В постановке задействованы практически все ведущие актеры театра, которые самым волшебным образом перевоплощаются на сцене в обитателей скотного двора. На открытой репетиции своеобразным элементом игры было угадать, кто из актеров какое животное изображает. Практически всех угадала, ощиблась только в парочке пернатых, пришлось к стыду своему, подходить к актерам и уточнять. Интересно же. А характеры животных, вообще-то, замечательно переданы и без костюмов. Только "человеческие" персонажи выглядели на репетиции так, как это будет в спектакле. С остальными - большой вопрос. Пока загадочная униформа свиней, лошадей, кур и прочих копытных и пернатых, задуманная художником Катей Никитиной, шьется в Петербурге, режиссер все еще в раздумьях, а надо ли? Но пока не попробуешь, не поймешь. И этим тоже интересна открытая репетиция - посмотреть ее, увидеть потом готовый спектакль и сравнить свои ощущения. Поверьте бывалому зрителю "Модерна", готовый спектакль - всегда сюрприз. Пока же можно насладиться тем, как Юрий Грымов и актеры углубляются в процесс, как будто мы, зрители, люди-невидимки. Зато потом, когда актеры уходят со сцены, режиссер готов ответить на любые вопросы из зала. А их всегда бесконечное количество. Разных, всяких, обо всем. По факту ясно одно - на спектакль непременно надо идти, чтобы не пропустить в жизни что-то очень важное. А пока копим в себе массу эмоций, полученных на репетиции, запоминаем принципы "скотократии", размышляем о превращении животных в людей и наоборот и вылавливаем билеты. Если они еще остались. Премьера спектакля 5 октября, а для тех, кого вдохновил мой сумбурный текст, есть еще одна эксклюзивная возможность увидеть творческий процесс. Вторая открытая репетиция состоится 29 сентября. Опять же ловим билеты. Не реклама, от души.

В Театре поставили "Даму с камелиями". Трагическая история куртизанки Маргариты Готье в произведении Александра Дюма(сына) настолько вдохновила Джузеппе Верди, что уже в 1853 году венецианские зрители увидели премьеру "Травиаты". Волшебная музыка Верди звучит и в спектакле Театра на Трубной. Как еще можно так эффектно показать брызги в бокалах шампанского в развеселом Париже, подчеркнуть глубину переживаний влюбленной женщины или трагизм ее неминуемого ухода, если не с помощью этой великой музыки? Помните сцену из "Красотки"? Не случайно любовь Вивиан к оперному искусству начинается именно с этой истории. Она чувствует в рассказе о падшей женщине, сохранившей способность беззаветно любить созвучность собственной судьбе. Премьера спектакля состоялась 6 сентября и режиссер Дмитрий Астрахан, по его словам, хотел максимально сохранить классическую красоту истории Дюма с антуражем светского Парижа XIX века на фоне которого расцветает любовь Маргариты и Армана Дюваля. В роли знаменитой парижской куртизанки Валерия Ланская более чем органична. В ней есть и уверенность красивой женщины, которая привыкла покорять мужчин и потрошить их кошельки, и неожиданная для нее самой способность к такой сильной и всепоглощающей любви, ради которой она готова бросить свою безбедную жизнь, и в то же время жертвенность самого высшего порядка. Она знает, что это приведет ее к гибели, но все равно совершает этот шаг. Роль Армана исполнил молодой актер Сухраб Хайлобеков. Пылкая влюбленность его героя и упорство в завоевании объекта любви со всем свойственным юности максимализмом отлично гармонирует с фактурой актера. Как раз на такую пылкую страсть и могла ответить пресыщенная женщина, в жизни которой есть все, кроме настоящей любви. Ее существование до Армана - жизнь без чувств, так же как камелии - цветы без запаха. Внезапно возникший бывший любовник Маргариты, барон Анри Тюрен (Иван Мамонов) становится той противостоящей Арману силой, которая со всеми возможностями богатства тянет Маргариту снова на дно. Возможно, он даже любит ее, но его любовь - это желание заполучить, присвоить, обладать и кроме такого эгоистичного собственнического подхода, другого способа любить он не знает. Спектакль практически не отходит от сюжетной составляющей романа, центральная линия главных персонажей четко ведется от начала и до конца, остальные герои ее только сопровождают и поддерживают: подруга Маргариты Прюданс (Джульетта Шабанова), готовая ее поддержать во всем, хотя и не понимает, как ради чувства можно все бросить, ее преданная служанка Нанина (Елизавета Карякина), мечтающая о собственном женском счастье и в результате его получающая в лице горячего армянского парня, а также многочисленные светские персонажи, окружающие Маргариту, ее бывшие любовники и легкомысленные дамочки полусвета. Появление отца Армана (Вадим Андреев) становится внезапной грозой посреди безоблачной жизни Маргариты и началом ее гибели. Драматичный сюжет спектакля развивается буквально в трех плоскостях. Для большей динамики повествования режиссер использует не только саму сцену, с будуаром Маргариты, роскошной кроватью и романтичным флером полупрозрачных занавесок, но и боковые пространства, где зеркала в изящных рамах красиво отражают страдания куртизанки или метания молодого Армана, куда выходят пропеть куплеты о развеселом Париже и где Маргариту переодевают из одного изысканного наряда в другой. Платья главной героини особенно удались художнику по костюму, известному дизайнеру Дмитрию Логинову, хотя есть к нему некоторые вопросы по части обуви героев. Бог, как известно, в мелочах, и если на сцене фрак, то к нему уж никак не повседневные ботин. Тут мне хотелось, как Станиславский, крикнуть - не верю! Но в целом спектакль получился ярким и атмосферным. Особенно удачной стала для меня его последняя сцена. Тихий уход Маргариты на фоне, казалось бы, снова вернувернувшегося в ее жизнь счастья, кажется еще более трагичным именно от этой мирной тишины, единственными звуками в которой остается великая музыка Верди.

За что современники ненавидели Мольера? Угадать несложно: за то, что в его пьесах они видели самих себя, как в беспощадном зеркале, которое без прикрас отражало все их пороки. За что современники обожали Мольера? Да за то же самое, с той только разницей, что им нравилось, как те же самые пороки он подмечает и гениально высмеивает в других. Пресловутые "маркизы" и "мещане во дворянстве" которые в глазах современников великого драматурга становились всеобщим посмешищем, дошли до нас из XVII века практически в неизменном виде. Костюмчики другие, а суть примерно та же: лицемерие, разврат, трусость, ханжество, алчность... Все это никуда не делось, цветет махровым цветом. Мольеров на них не напасешься! Хотя зачем новые Мольеры, когда вот он, перед нами, покрикивает на несобранных актеров и тщетно пытается призвать свою труппу начать репетицию. Спектакль театра "Школа драматического искусства" (ШДИ) как раз с такой сцены и начинается. Вот-вот прибудет король, а Мольеру никак не удается придумать новый сюжет и тогда он призывает на помощь главную музу тех, кто вовремя не подготовился - импровизацию. Так начинается экспромт. Режиссер спектакля "Мольер. Экспромт" Олег Малахов, он же Жан-Батист Поклен, на заре своей актерской карьеры придумавший себе псевдоним Мольер, виртуозно перемещает актеров из одной пьесы в другую, пытаясь придумать очередную новинку для развлечения монарха. То в "Версальском экспромте" он разыгрывает ссору с женой (Мария Киселева) и обучает актера правильной интонации, с которой должен являться Юпитер. Получается, правда, почему-то немного похоже на рэкетира из 90-х. Пусть так, зато смешно. Любовную сцену репетируют прямиком из "Тартюфа" и тут весь зал просто умирает от смеха при виде того безумного антуража, который окружает объяснение влюбленных. Мольер при этом вытаскивает из зала первых попавшихся зрителей (каких-то подозрительно артистичных) превращает их в луну, звезды, лося или змею (Какой лось? Какая змея?) При этом дело происходит в полночь, когда влюбленные вдруг решили отправиться по грибы. Ха-ха. Все это настолько же абсурдно, насколько уморительно смешно. Просто сцена века! Затем на режиссерский суд по очереди являются "Господин де Пурсоньяк" и сатирические персонажи кулинарно-кондитерского свойства: Жульен(Константин Сакович), Оливье(Андрей Лушников) и Круассьен(Кирилл Селиверстов), затем их место занимают "Смешные жеманницы", попутно Мольер ловит мух и танцует в стиле брейк-данс (это надо видеть!), ну а на закуску критики пьес Мольера с одной стороны и его защитники с другой, сражаются в полемических баталиях в "Критике "Школы жен", а антагонист Мольера, напыщенный Господин Досталь (Иван Товмасян) всячески старается уколоть драматурга в прямом и переносном смысле. Едва не доходит до дуэли, но, слава богу не доходит. И без балета не обходится. С балетом в пьесах Мольера, как известно, всегда было все в порядке. Оказывается, гротескные персонажи с выбеленными лицами гораздо ближе нам, чем кажется на первый взгляд. В их костюмах, лишенных избыточной яркости, почти черно-белых, если не считать нескольких золотых и алых акцентов, присутствует талантливая незавершенность и небрежность, как и в интерьере. Назвать место действия "декорацией" было бы преувеличением, ее попросту нет. Это тоже приближает спектакль к зрителю, а временами он вообще перемещается в зрительские ряды, приближая к нам тот действительно важный посыл, который вдруг прорывается из многочисленных почти цирковых реприз, беготни, мелькания, яростной сатиры, фехтования и салонных танцев. Это ничего, что пара суровых зрительниц быстро сломавшись, сбежали из зала, зато остальные получили в награду прекрасный серьезный монолог Мольера и повод еще раз задуматься о природе сатиры как таковой. Ну а новый спектакль для короля подготовить так и не успели. Се-ля-ви. Ничего, сыграют в следующий раз.

С 22 августа в Доме-музее К.С. Станиславского работает выставка, посвященная Леониду Андрееву. Называется она "Леонид Андреев. Не будь Художественного театра..." Признаюсь честно, для меня Андреев - белое пятно на писательской карте России. Знала лишь о его дружбе с Горьким и о том, что его пьесы ставились во МХАТе. Вернисаж выставки стал приятным подарком и раскрыл для меня литератора начала XX века с нескольких совершенно неожиданных сторон. Андреев - писатель, ну с этим все понятно, хотя тут тоже не все так однозначно. Стилистика его пьес оказалась для своего времени настолько революционной и сложной в постановке, что сотрудничество с театром оказалось недолгим. Зато язык его произведений необычайно кинематографичен, и сегодня они могли бы запросто стать основой артхаусного кино. Пример такого литературного артхауса нам продемонстрировал замечательный актер мхатовской школы, ученик Олега Ефремова, Андрей Финягин, прочитав рассказ "Иностранец", хотя слово "прочитав", тут совсем не годится. Мы увидели мини-спектакль, где каждый из героев небольшого рассказа представлен зримо, выпукло, выразительно. Фактура Андрея Финягина необычайно органична для таких образцов психологической прозы конца XIX, начала XX веков. Не так давно видела его в чеховском "Черном монахе", где он просто блестяще исполнил роль Коврина. Так же легко мне представить его и героем фильма, поставленного по прозе или драматургии Андреева. Надеюсь, такой скоро появится. Выставка стала плодом совместного творческого проекта Музея МХАТ, Орловского объединенного государственного литературного музея И.С. Тургенева и Музея Леонида Андреева в Бутове. Во время интереснейшей кураторской экскурсии мы узнали о детских и юношеских годах писателя в Орле, где сохранился дом, построенный отцом Андреева. Директор Орловского музея Вера Ефремова не только рассказала о детстве писателя и отношениях в семье, но и представила Андреева, как талантливого художника, работы которого хвалили такие великие мастера, как Репин и Серов, и как не менее талантливого фотографа, одного из пионеров цветной фотографии в России. Всего сохранилось 400 автохромов авторства Андреева, в коллекции Орловского музея их 56. Первые автохромы появились как раз, когда семья Андреева снимала дачу в Бутово. Героями фото становились и сам писатель и члены его семьи и окружающие пейзажи. Удивительно современно эти фото смотрятся и сегодня, а путь их реставрации был для музея долгим и непростым. Об отношениях Андреева и Художественного театра рассказала директор Музея МХАТ Софья Грачева. Целый зал на выставке посвящен четырем пьесам Андреева "Жизнь Человека", "Анатэма", "Екатерина Ивановна" и "Мысль", постановки которых однозначно составляют неотъемлемую часть истории Художественного театра. Хотя сотрудничество с театром было сложным, у произведений Андреева были в театре свои поклонники. Большая дружба, например, связывала писателя с Ольгой Леонардовной Книппер-Чеховой. Новая экспозиция в Музее Станиславского буквально раскрыла для меня Андреева, как разностороннюю личность, обладателя множества талантов и при этом человека с непростой судьбой. И задача, которую ставят перед собой авторы экспозиции и целого исследования о писателе очень важная и благородная - вернуть из забвения целый пласт того многогранного культурного наследия, которым является Леонид Андреев и заинтересовать зрителей более подробно присмотреться к его многоранной личности. В отношении меня у них точно получилось. Если что, продлится выставка до 13 октября.

6 августа в Театре у Никитских ворот состоялось открытие 42-го театрального сезона. У гостей, таких как я, должно было возникнуть ощущение присутствия на долгожданной встрече близких людей, которые вернулись из отпуска, рады встрече и шутливо друг над другом подтрунивают. Чего-то подобного от Розовского я и ожидала. "Марк и его команда" не подвели. Одно только первое появление на сцене художественного руководителя театра и народного артиста РФ чего стоило! Под кружевным зонтиком, в самой настоящей венецианской маске и с бутылкой розового шампанского он вышел к микрофону и провозгласил 42 сезон открытым, а затем отбросил атрибуты летнего отдыха и призвал настроиться в новом сезоне на большую и серьезную работу. Но сначала каждому члену труппы по традиции досталось по глотку игристого из огромного бокала. И это не последняя традиция церемонии открытия сезона, кстати. Начал при этом Марк Григорьевич свою речь с серьезных вещей, а именно с поздравительного письма Театру от Союза театральных деятелей, подписанного его Председателем Владимиром Львовичем Машковым. Ну а затем он познакомил коллег и гостей с премьерами грядущего сезона, который обещает быть как для актеров, так и для нас, зрителей необычайно "насыщенным, ярким интересным и запоминающимся" (это я уже Машкова цитирую). Буквально через несколько недель, в сентябре нас ждет премьера спектакля "Я - Майя". Постановку спектакля Марк Григорьевич доверил одному из ведущих актеров театра. Да, да, поклонницы, готовьтесь, нас ждет режиссерский дебют Игоря Скрипко! Дальше зрителей ожидает триумф чеховской драматургии. Сначала будет "Душечка" с музыкой прославленного Максима Дунаевского. Продолжит чеховскую серию спектакль "Попрыгунья", а завершит триптих "Анна на шее". Одно перечисление грядущих в течение года премьер уже вызывает желание встать в очередь за билетами: "Скамейка" Александра Гельмана, новая версия пьесы Розовского "Красный уголок", восстановление спектакля "Носороги" по пьесе Эжена Ионеско, "Костюмер" по пьесе Рональда Харвуда, "По ком звонит колокол" по великому роману Эрнеста Хемингуэя, совместный проект театра с Институтом театрального искусства имени Иосифа Кобзона. Студенты первого курса мастерской Розовского станут участниками спектакля "Всегда ты будешь", а его литературная основа - дневники партизанки Нины Костериной. А завершит сезон знаменитый "Чонкин". Вангую - озорная народная комедия Войновича будет иметь грандиозный успех. Как говорится, доживем до конца сезона! Радостное оживление в зале несколько успокоила директор театра Татьяна Ревзина, затем приветствовала и поблагодарила прессу руководитель пресс-службы театра Марина Хилькевич, поздравил Театр депутат Мосгордумы Степан Орлов, Марк Григорьевич остановился на проблемах театра (которых нашлось немало, но о них в такой радостный день не хочется) и путях их преодоления, поделился планами предстоящих гастролей, а потом наступил момент представить новичков труппы. Их в новом сезоне оказалось девять, не считая виртуоза-балалаечника Михаила Кандаурова, который будет участвовать в спектакле "Душечка". А что касается лучших из лучших прошедшего сезона, опять же по традиции, общим голосованием труппы был выбран обладатель Приза Сезона. Переходящий приз в виде расписного коня в нелегкой борьбе достался Александру Чернявскому за роль в спектакле "Голос отца". И сам спектакль, и игра Александра, признаюсь, произвели на меня глубочайшее впечатление. Чернявский немного опередил Анастасию Добрынину и Станислава Федорчука. Искрометная, яркая актриса Яна Прыжанкова помогала Маэстро в проведении голосования. А пока считали голоса, мы увидели тех самых эффектных студенток Марка Григорьевича. Они произвели самый настоящий фурор с музыкальным номером из мюзикла Nine. Ну а кульминацией вечера и самым трогательным моментом стала финальная песня. Абсолютно все члены труппы поднялись на сцену и пели все вместе, Марк Григорьевич пританцовывал и мне тоже вместе со всеми хотелось бесконечно повторять знаковые слова припева и одновременно девиз Театра у Никитских ворот - "Вечно то, что человечно!"

Самые яркие воспоминания о спектакле "Ханума" у меня связаны с телевизионной версией БДТ 1978 года (премьера спектакля в театре состоялась в 1972 году). При любой возможности ее пересматриваю, и от времени она, по-моему, только хорошеет. Каждый раз нахожу в спектакле новые нюансы, которые не замечала раньше. Но сейчас речь не о нем, а об одноименном спектакле Пермского театра "У Моста". Его июньские гастроли на сцене Театра имени Гоголя прошли с ожидаемыми аншлагами. Очень люблю этот театр за его ирландский юмор, а когда посмотрела "Мачеху Саманишвили", проверила на себе заявление основателя театра и бессменного Главного режиссера Сергея Федотова, что если ирландские комедии они играют лучше самих ирландцев, то грузинские, по словам жителей Грузии, лучше самих грузин. Меня восхитила тогда идея вести весь спектакль с колоритным грузинским акцентом, я тут же представила, что такое же ощущение у меня будет на "Хануме". Я не ошиблась, но эффект "Мачехи", к сожалению, сработал для меня не в полной мере. Вроде бы все то же самое - веселый водевиль в основе, аутентичный грузинский антураж на сцене, задорная лезгинка и волшебная музыка Гии Канчели, прекрасные костюмы и отличная идея разделить сценическое пространство, где справа дом авлабарского купца Микича Котрянца, а слева - князя Вано Пантиашвили, но почему-то весь спектакль меня не покидало ощущение, что мне катастрофически не хватает легкости и даже легкомысленности что ли. Возможно дело в моей слишком большой любви к версии БДТ, где акценты расставлены настолько талантливо, что повторять их надо или абсолютно точно, или придумать что-то уже совершенно другое. В данном случае получилось нечто среднее, вроде смешно, но не хватает той тонкости юмора, которая отличает, например, фильмы Данелии, нет того воздуха, который есть в его "Не горюй", где показан как раз тот временной промежуток, что и в пьесе Авксентия Цагарели. Возможно, я излишне придираюсь, но я же знаю как они круто могут. Может просто устали немного? Конец сезона, всё такое...Но отдельные плюсы все же могу спектаклю поставить. Во-первых, мой любимый Илья Бабошин опять не подкачал. Его старый князь Вано Пантиашвили получился, пожалуй, самым ярким и гротескным персонажем спектакля. Отмечу еще прекрасную Регину Шнигирь в роли Кабато, но она всегда хороша. Микич Котрянц (Владимир Ильин) с накладным животом и маниакальным упорством выдать дочку за князя и получить на карету княжеский герб тоже был весьма неплох, а у его доченьки Соны(Милена Хмылова) и племянника князя, и по совместительству учителя Коте(Василий Скиданов) получился замечательный дуэт "по-французски". Парочкой удачных реплик выделился слуга князя Тимоте(Виталий Швец), но наверное к главной героине Хануме(Татьяна Улановская), как и к влюбленному в нее Акопу (Александр Шаманов) у меня оказались слишком завышенные требования. Мне захотелось от этой парочки еще большей искрометности и игры на нюансах, зато от души повеселили актеры-аниматоры в фойе. Великаны в бурках и папахах с огромными дубинами и улыбчивые кавказские красавицы создавали идеальную живую фотозону. Очередь из желающих с ними сфотографироваться не уменьшалась весь антракт. Короче, несмотря на мою маленькую субъективную ложку дегтя, для посещения театра в приятный, теплый летний вечер спектакль "Ханума" - самое то!