GetLens Get Lens

📸 Позволю себе очередной пост сверх редакционного задания, ибо недовольные чистотой света/цвета и неидеальным АвтоББ комментарии под постом, где предлагалось на досуге покрутить RAW с новой Sony A7V, меня несколько обескуражили. Я ещё могу понять споры на тему общей “резиновости Raw, или недостаточной детализации или ширины ДД на сверх высоких значениях ISO, но вот, что касается чистоты цвета… Т.е. мало того, что она, в принципе, не зависит от модели камеры, а только от количества источников, которые смешались между собой в кадре + установки баланса белого по рисующему источнику в Кельвинах. Так ещё и, как правило, выводится при базовой проявке RAW, когда сводишь картинку к двум/трём основным цветам, чтобы весь кадр в целом выглядел гармоничным. Напомню…➡️➡️➡️

📸 Размышления на тему, убивает ли развитие ИИ фотографию, или всё же нет… Лично мне на жизненном пути, как правило, попадают либо “всепропальщики”, которые по каждому удобному и неудобному случаю категорически заявляют, что “...мы все скоро останемся без работы, ибо классическая фотография больше никому не будет нужна…”, либо те, кто занырнули во всевозможные нейросети с головой, забросили съемки и только и делают, что пилят промты, создавая “контент” (как фото, так и видео) разной степени паршивости, который прям-таки кричит о своей неруктворности. А вот здравых людей, которые не стали паниковать, как только нейросети зашли на территорию фотографии, восприняв их, как новый виток эволюции - лично я могу пересчитать на пальцах обеих рук. И вот, их мировоззрение на ИИ в фотографии, как по мне, самое жизнеспособное, ибо рассматривает нейросети не как угрозу индустрии, а как новый алгоритм, во-первых, убивающий рутину, вроде долгой и кропотливой обработки, а во-вторых, открывающий неограниченные возможности по улучшению и доработке финальных изображений. Почему ИИ фотографии не угроза? Потому, что однажды нечто подобное уже случалось…➡️➡️➡️

📸 Редакторским заданием на сегодня стал очень правильный вопрос из заголовка, плавно вытекающий из поста о том, “Чему фотограф может научиться у художников?”, и он гораздо глубже, чем кажется на первый взгляд! Чего уж греха таить - все мы, так или иначе, занимаемся заимствованием, “вдохновляемся”, так сказать, ибо, как писал, Хорхе Луис Борхес - за всю историю человечества придумано всего четыре сюжета, а самое главное качество, определяющее творца - это его насмотренность (это уже не Борхес - это здравый смысл). Купить её нельзя, но можно, как бицуху, натренировать: обучение, мастер-классы, интересные статьи, посещение галерей, просмотр талантливо снятых фильмов и разборы работ того фотографа, на которого равняешься, тренируют наш мозг, заряжают на съемку “шедевров” и, как следствие, позволяют становиться лучше, как в личном, так и профессиональном плане. Но! После прохождения любого из вышеобозначенных мероприятий мы железобетонно перенимаем в своё творчество частичку того, кем в тот или иной момент, “вдохновлялись”. И вот после этой “точки бифуркации” есть два варианта развития событий:➡️➡️➡️

📸 Чувствую, теплее у нас уже не будет, а значит самое время напомнить о том, что и как можно снимать в условиях морозной пасмурной погоды и вечного дефицита света - то бишь зимой. А то ж бытует популярное мнение, что все основные съемки проходят с мая по октябрь, ибо в -10 на фоне грязного снега много не наснимаешь. Поэтому, не успел - жди следующего сезона, желательно где-то неподалеку от Индонезии! Так вот, вся эта сезонность - исключительно в головах, и зимой можно снимать не менее нарядные кадры, чем летом! Просто взяться надо несколько иначе…➡️➡️➡️

Забавный момент! Мы каждую неделю приглашаем на интервью интересных, состоявшихся, успешных фотографов, с большими гонорарами и знаменитыми клиентами, чтобы они поделились частичкой своей истории и каким-то опытом и знаниями, которые могут пригодится тем, кто до всего вышесказанного пока ещё не успел добраться, но очень этого хочет. И вот в каждом подкасте, как по мне, упускается один очень важный психологический момент -  как, в принципе, решиться снимать за деньги! Это ж на первых порах, капец, как страшно! По себе помню, в самом начале я снимал на таких творческих крыльях и энтузиазме, что их не могли приземлить: - ни потраченные на организацию съемок деньги (а я каждый свободный от работы день ехал куда-то кого-то фотографировать), - ни капризы/отказы моделей, - и не всегда совпадающий с ожиданиями финальный результат. Коммерческую же фотографию я воспринимал не иначе, как “Фу, это бомбилы, а нормальный пацаны снимают исключительно во имя искусства и преимущественно (особенно если оглядываться на классиков) не всегда одетых прекрасных дев!”. Такая позиция была ещё и максимально удобной с практической точки зрения, потому, как никто не смог бы ни за что мне предъявить. И вот в какой-то момент тебя спрашивают “Сколько стоит съёмка?”. Если ты целенаправленно не рвался на поле коммерческой фотографии, сперва находит паника вперемешку с зашкаливающим самомнением. Ну, как же, “Мои кадры, равно, как и мою работу оценили настолько, что предлагают за них денег!”. Но одновременно приходит понимание ответственности, и что, если согласиться, главной задачей больше не будет душевная гармония и удовлетворение от того, что удалось снять именно тот кадр, который ты и хотел, а придется придерживаться ТЗ и оглядываться на внутреннее чувство прекрасного потенциального клиента. И вот из этого переломного момента в карьере каждого фотографа есть два пути:➡️➡️➡️

Друзья мои, вам не кажется, что фотография, в том виде, в котором мы привыкли её воспринимать, достигла какого-то своего пика, или, по крайней мере, очень близко к нему подобралась? Причем во всех аспектах: - и в плане техники, - и в плане художественной ценности, - и в плане ценных качеств самого фотографа, ..потому, как сейчас, чтобы всерьёз считаться фотографом уже недостаточно навыка умело и по ситуации жонглировать значениями выдержки, ISO и диафрагмы. Зритель настолько избаловался, что ждёт от нас гораздо больше умения просто получать снимки с правильной экспозицией и резкостью, ибо с внедрением в камеры кучи умной вспомогательной электроники, на это теперь способен даже тот, кто вообще не углублялся в теорию фотосъемки. Сейчас больше выстреливают насмотренность, художественный взгляд, умение видеть и управлять светом, способность снимать всех и вся, подгоняя условия на площадке под свои надобности, и какие-то личные качества, которые ценятся всегда и везде, и которые я бы определил, как “Быть интересным человеком”, т.к. основная работа любого профессионального фотографа - это в первую очередь работа с людьми. Поясню…➡️➡️➡️

“f/1.4 да неплохо, но а вот вам задача - стоит мама и перед собой обнимает дочку - снимите на f/1.4 так чтобы обе были в фокусе?” - это комментарий к той части “мифов об объективах”, где я рассуждаю на тему того, что на f/2.8-4 получить прогнозируемый результат гораздо проще. Я бы может и мимо прошел, но с сожалением заметил, что в ответ автору посоветовали: - “Перейти на ФФ”, мол только там это возможно”, - “Сделать склейку из двух кадров с фокусом и на маму, и на дочку”, - “Прикрыть кадр с расфокусом фразой “Это у меня такой стиль…”. Не могу совсем исключить фактор юмора, ибо сарказм через эпистолярный жанр не так очевидно считывается, но если предположить, что всё вышеописанное написано хоть немного всерьез, то получается, что несмотря на все новые технологии, вроде автофокуса по лицу/глазам и гибридным системам “наведения”, расположенным непосредственно на матрице, которые фактически исключают промахи из-за того, что объектив фокусируется либо спереди, либо сзади объекта, народ, как мазал на “открытой”, так и мажет. Т.е. это прямым текстом говорит о том, что хоть с развитием технологий входной порог в фотографию и снизился, но совсем уж без знания основ обойтись по-прежнему не прокатит. А сколько ещё таких, которые поленились написать в комментарии, и продолжают бояться открывать диафрагму шире двух стопов до максимального значения, предпочитая перестраховываться? Поэтому, сегодня хочу, так сказать, вернуться к азам и обсудить, от чего зависит снайперское попадание на самой широкой диафрагме. Хуже точно не будет! Новички - намотают на ус, профессиональные профессионалы проследят, чтоб я нигде не наврал. В общем, все при деле! ➡️➡️➡️

“Чтобы стать топовым фотографом нужно снимать только на топовую технику!”. “Без диафрагмы f/1.4 просто никуда!”. “Всегда лучше выбирать полнокадровую оптику!”. “Чем дороже стекло, тем дороже с него картинка!”. и моё любимое “Зумы снимают скучнее фиксов!”... Вот, если вы хотя бы в одно их этих утверждений верите, то сегодняшний пост просто обязателен к прочтению, ибо, жить с такими заблуждениями в 2025 веке строго противопоказано! Это ж лютое мракобесие! И я понятия не имею, каким образом оно вообще прижилось в умах стольких интеллигентных и образованных людей, но, как говорится, чем богаты. Значит будем бороться! А ничто так не борит мракобесие, как железная логика и знание физики процесса! Понимаю, ломать устоявшиеся стереотипы трудно, но если вы действительно хотите вырасти, как профессионал, избавиться от предрассудков и начать уже свободно творить, у вас, собственно, и выбора-то нет. Поэтому не поленитесь потратить несколько минут на текст, в котором я аргументированно и популярно, на пальцах, объясняю, как всё обстоит на самом деле. P.S. Знаю, тема попсовая, но по-прежнему невероятно зубастая. Поэтому, на случай гневных сообщений в вашем распоряжении есть комментарии, в которые, не стесняясь, можете лить всё накопившееся возмущение (если таковое появится) без остатка. Хотя, лично я, всё же рассчитываю на слова поддержки! Но это уж на ваше усмотрение!

Сегодняшний пост из цикла “Легендарные фотографы” я решил построить несколько иначе - не с точки зрения значимости или известности моделей, которые доверяли создание своих снимков нашему герою (хотя Дугласу Кирклэнду “любимому фотографу Голливуда”, даже в этом вопросе есть, чем похвастаться, ибо за 60 лет карьеры далеко не каждый может собрать всех звезд первой величины в одно портфолио), а с точки зрения тех стандартов качества и нравственности, которые всего 60 лет назад царили даже в журнальной фотографии, и благодаря которым, фотограф, их придерживающийся, смог построить головокружительную карьеру. Итак, на втором слайде - разворот юбилейного выпуска журнала Look 1961 года, который на то время всерьез считался “самым горячим, который можно представить”. Именно с таким заданием тогда ещё молодой фотограф Дуглас Кирклэнд, а впоследствии автор портретов: - Коко Шанель в ее ателье на Камбон, 31, - Одри Хепберн на съемках "Как украсть миллион", - Леонардо Ди Каприо на площадке "Титаника" , - Чарли Чаплина для Лондонской Национальной портретной галереи, - а также Джека Николсона, Джона Траволты, Бриджит Бардо, Энди Уорхола, Майкла Джексона, Мика Джаггера, Стинга, Бьорк и пр. и т.д., … ехал в студию на встречу с Мэрилин Монро☝️, переживая и кусая ногти, но ещё не подозревая, что это съемка станет точкой отсчёта в его карьере. Журналу в своему 25-летию хотелось произвести фурор, свести всех с ума. Мэрилин хотела доказать, что даже в тридцать пять носит титул секс-символа вполне заслуженно, параллельно утерев нос бывшему мужу, брак с которым, по сути, также распался из-за одной известной фотографии (черканите в комментах, кому нужны подробности). Поэтому концепция съемки с обеих сторон сложилась сама собой. И вот, что лично меня в этой фотосессии зацепило  - я ещё когда говорил, что люблю старые журнальные фотографии за то, что в большинстве случаев они максимально нравственные. Так и тут, насколько высоки тогда были стандарты съемки, что фактически имея на руках карт-бланш на максимально “горячий” снимок, Киркланд снял чувственные и нежные кадры, на которых главный секс-символ Голливуда выглядит максимально сексуально, ничего при этом не показав! А теперь представьте, что при таком ТЗ наснимали бы сейчас. Как думаете, вошла бы эта фотосессия в историю фотографии? Куда делись те стандарты?

Размышления на тему “Что лучше: накамерная вспышка или студийный моноблок?”, но сперва предыстория: Звонит на днях товарищ, раз в год стабильно “стреляющий” у меня вспышки под съемку конференций, и радостно сообщает: “Поздравь, говорит, обзавелся студийными моноблоками! Решил в этом году повысить планку качества, и не заморачиваться с точечным освещением на масштабных сценах и общих портретах!” Я искренне поздравил, попросил похвастаться результатом - действительно, очень плотный, обволакивающий получился свет (причем не только в вышеупомянутых сценариях, а вообще везде) и, как следствие, итоговые снимки, от которых все участники оказались в полном восторге -  и при всём при этом стал подозрительно коситься на свой комплект света: “ А может тоже обновить?”. Слава Богу, рациональный скряга внутри меня победил, и слегка поразмыслив, я пришел к выводу, что основные преимущества моноблока при моих съемках совсем не раскроются, ибо моноблок покупают в трёх случаях: - когда на съемках не хватает мощности простой вспышки, - когда требуется короткое время перезарядки, - и когда необходимо осветить что-то большое, для чего малых и средних модификаторов недостаточно. А для того, чтобы, как я, снимать портреты, пусть даже в процессе мероприятий - в 90% случаев хватит функционала простых накамерных вспышек. Потому, как вспышки, ввиду своего строения, проигрывают моноблокам только в этих трех вышеназванных моментах, зато преимуществ аж целых пять:➡️➡️➡️

Знаете, что я забыл? Когда расписывал “5 советов начинающему свадебному фотографу”, не записал, что делать, если вы всю свадьбу старались-старались, а в итоге клиенту не понравились фотографии. И в этой прискорбной ситуации прямого ответа нет, есть алгоритм, успешность которого напрямую зависит от того: - насколько хорошо вы умеете работать с возражениями, - как быстро решаете конфликтные ситуации, - и насколько тщательно продуман ваш договор. Во-первых, надо четко понять, почему вообще кому-то что-то не понравилось:➡️➡️➡️ P.S. Фото для поста любезно предоставила: Жанна Самуйлова.

Друзья мои, мне кажется, мы стали забывать, чем фотография является по своей сути. Упаднические комментарии под нашими постами и роликами в духе “Фотография теперь никому не нужна!”, “Профессия фотографа больше не актуальна!”, как бы недвусмысленно намекают, что с развитием технологий, ИИ, доминацией видео формата в медиа и засильем фотокамер в любом электронном гаджете, фотоаппарат и вся фотография в целом стали восприниматься, как что-то несерьезное, почти игрушки и баловство. И раз уж у нас сегодня по плану рубрика “Легендарные фотографы”, то вот на историческом примере предлагаю развеять все подобные не жизнеутверждающие мысли, немного подбодрить тех коллег, кто успел опустить руки и ещё раз напомнить, что всего сто лет назад, благодаря фотографии писались законы и создавались современные условия труда и правила общественных взаимоотношений. Кто-нибудь знает, кто такой Льюис Уикс Хайн? Чтобы как-то заполнить эту неловкую паузу, сразу обозначу, что это американский социолог и фотограф, основоположник социальной фотографии, который вошел в историю потому, что благодаря его снимкам в Америке был принят закон в защиту детского труда. До этого детский труд на производстве считался абсолютно нормальным явлением, и никем, и ничем не регулировался. Хайн сам в детстве долгие часы работал на фабрике, поэтому добившись должности штатного фотографа американского Национального Комитета Детского Труда, который начал первую в истории США кампанию против эксплуатации детей на производстве, проявил к этой проблеме недюжий интерес, и  взялся за работу со всем энтузиазмом и рвением, на которые был способен. Десять лет по всей территории США он всеми правдами и неправдами проникал на заводы и фабрики, где использовался детский труд, прикидываясь страховым агентом, торговцем или священником, и тайком фотографировал работающих детей для комитета, а те в свою очередь использовали их для лоббирования закона против детского труда. Я думаю, понятно, что в итоге они-таки вместе с комитетом своего добились, и вскоре закон был принят. И вот, в свете даже одного примера Льюиса Хайна (а их было гораздо больше), не верю я, что всего за сто лет, фотография из самого настоящего инструмента социальных реформ превратилась исключительно в способ кому-то что-то продать, и что без соцсетей и “лайков” в ней уже нет никакого смысла.