GetLens Get Lens

📸 Раз уж затронули тему автофокуса, предлагаю закрыть все очевидные и невероятные вопросы по фокусировке для только интересующихся фотографией или недавно вступивших в наши стройные ряды - то бишь для новичков.👌 Правда, пока только на примере камер Canon… Ну, почему-почему? Во-первых, так звучит редакционное задание, а во-вторых, я чуть ли не единственный из всей команды, кто для личного использования остался верен именно технике Canon, и, согласитесь, было бы странно, если бы я расписывал всё вышеописанное на примере конкурирующего бренда, с которым знаком, что называется, шапочно. Хотя, могу успокоить тем, что от бренда к бренду меняются только названия тех или иных настроек, а вот физика процесса и основные термины остаются неизменными и справедливыми для всех без исключения камер. Почему решили включить такой пост в редакционный план? А потому, что современные беззеркалки, действительно, неплохо облегчили жизнь фотографам. Но! Только тем, которые понимают физику процесса, разбираются в настройках и, понимают, на что способен их комплект в той или иной ситуации. А вот тем, кто просто “полагается на экран и глаза”, как мне на то указали ещё в одном комментарии в качестве необходимого минимума, сомневаюсь, что даже самая современная и напичканная камера поможет хотя бы(☝️) стабильно выбивать “10 из 10” по фокусу (про художественную составляющую я уж молчу). Итак, как заставить фотоаппарат взять в резкость то, что нужно? Вопрос простой, и ответ будет тоже простым - камере нужно показать куда наводиться. Если вы потратились на супер-умный фотоаппарат с шустрой и интеллектуальной системой фокусировки, которая вас (да и всех остальных) узнаёт в лицо, то вам всё равно необходимо нужное лицо ему предъявить. Иначе, он начнет фокусироваться на том, которое ему более симпатично. А лично у меня с моим фотоаппаратом вкусы совпадают далеко не всегда! Какие у нас варианты?➡️➡️➡️

📸 “Что вы имеете ввиду, когда говорите, что соневский 18-105 f/4  - “не дышит”, и почему вы так этому радуетесь?” Это меня попросили отчитаться после того, как я, предлагая отличный вариант доступного штатника на кроп для Sony, записал отсутствие “эффекта дыхания” в условиях внутренней фокусировки в его неоспоримые преимущества! Не думал, что этой фразой смогу кого-то удивить, но, друзья мои, ваши объективы умеют “дышать”! На практике, это значит, что...➡️➡️➡️

📸 Забавно, что в посте про деструктивные причины, неизбежно приводящие к  выгоранию, мало кто среагировал на пункт “попытка сравнивать себя в интернете с другими фотографами”, предпочитая обсуждать в комментариях “так ли уж необходима дисциплина” и кардинальную смену деятельности в пользу работы на заводе.😏 А ведь этот пункт ввиду своей массовости, доступности и неизбежности чуть ли не самый важный, ибо соцсети - это идеальная территория для того, чтобы подорвать уверенность в собственных силах, и, как следствие, загнаться, что “Все снимают лучше меня!”. Там ведь, как всё происходит:➡️➡️➡️

📸 Не думал, что именно мне достанется редакционное задание про то, как понять, что вот ещё чуть-чуть и физически и эмоционально истощишься на нашем нелегком творческом фотографическом пути (т.е. выгоришь), когда сам на протяжении больше десяти лет, умудряясь совмещать три абсолютно не связанные между собой сферы деятельности, при помощи дисциплины и четко выстроенного рабочего и личного графика успешно от всего вышеописанного уворачиваешься. Но! Потом подумал, что пост, что называется, “от противного”, когда наблюдаешь за основными признаками со стороны и знаешь, как можно попытаться им противостоять, будет более прикладным и жизненным, чем просто перечисление симптомов, которых стоит опасаться. А потому, почему бы и нет… Итак…➡️➡️➡️

📸 У нас тут в шутейном разговоре наметилась тема, что мол “...раньше (в начале десятых и ранее) “ничего не было” - ни трендов, ни рамок, ни жестких правил, ни бешеной конкуренции, ни сформировавшейся верхушки топов, ни даже, избалованного контентом зрителя, а значит и выходить на поле фотографии (особенно коммерческой) было гораздо проще. И вот, с одной стороны - да, поле было, действительно, непаханое, а потому успеха, действительно, мог быстрее добиться тот, кто, во-первых, не боялся экспериментов, а во-вторых, раньше остальных успевал осознать свою цель и свое место в выбранном жанре. Но, это были единичные случаи, и скорее “ошибка выжившего”, потому, как практически все топы в своих интервью (сужу по выпускам “Гость блога”), как правило, в красках рассказывают либо о какой-то знаковой съемке, после публикации которой о них-таки заговорила вся индустрия, либо о судьбоносном знакомстве, после которого карьерный рост резко ускорился. А чтоб не утомить зрителя, которому хочется верить в секретный рецепт или тайную методику, если следовать которой, всё должно обязательно получиться, лишь вскользь упоминают о том, что всему вышеописанному обычно предшествовали несколько лет трудолюбия, дисциплины, самоанализа и творческих мук, без которых, увы, никто и никогда успеха не добивался. Так вот… Разумеется, ни секретных рецептов, ни тайных методик не существует, но есть принципы, справедливые во все времена, которые в совокупности являются средством, способным с большей вероятностью приблизить каждого новичка, вне зависимости от выбранного жанра,  желающего чего-то добиться на поприще фотографии, к тому самому моменту, когда о нём заговорит вся индустрия. И их всего семь (знаете больше - докиньте в комментариях):➡️➡️➡️

📸 Решили вынести одну очень животрепещущую тему на всеобщее обсуждение, касаемо того, как выстроить процессы на съемке, если ты, так скажем, не душа компании, и не умеешь с ходу располагать к себе людей. Давайте по-честному, все мы в той или иной степени интроверты, любим посидеть в тишине за обработкой под сериальчик, помечтать о судьбоносной съемке, благодаря которой станем знаменитыми на весь мир, потерзаться из-за творческого выгорания и посравнивать себя в интернетах с другими фотографами… В общем, всё то, что не подразумевает прямого общение с людьми, особенно того, где инициатива должна исходить от нас. Но! Вот беда, фотографу жизненно необходимо уметь общаться, хотя бы для того, чтобы управлять съемочным процессом, ибо будете на площадке тупо молчать, прикрывшись огромной черной штукой, никаких эмоциональных ярких кадров, даже тех, что вы амбициозно нарисовали себе в голове на этапе подготовки к той самой судьбоносной съемке, вам не видать. Почему? А потому, что главная проблема любого фотографа (за исключением, наверное, пейзажистов и предметников), способная всю съёмку пустить по бороде - это стеснение, страх и  неловкость потенциальных моделей - через одного замирают, когда наводишь на них фотоаппарат, будто это не камера, а ружье! Так вот, единственный способ снять этот искусственный барьер и не совершить насилия над собой, медленно, но верно превращаясь в тамаду - это понять, как себя должен чувствовать человек, пришедший к вам на съемку.  А после того, как поймете, выстроить съемочный процесс так, чтобы:➡️ ➡️➡️

Хочу немного дополнить недавний пост про “Как удержать внимание зрителя?” техническим алгоритмом, объясняющим, при каком именно построении кадры с недосказанностью, силуэтами, тенями, отражениями, и съемками сквозь преграду, будут максимально интересны потенциальному зрителю (по крайней мере, все кадры в карусельке были выстроены именно по нему). Сперва вопрос: “Кто чем руководствуется, выстраивая тот или иной кадр?” Не знаю, как у вас, но у меня в самом начале всё происходило интуитивно, мол “нравится/ не нравится”, потом, послушав умных людей и почитав матчасть, подключились базовые правила композиции (хотя, как правило, дальше правила третей, золотого сечения и ритма дело не шло), а уж после, когда при просмотре фильмов начинаешь интуитивно анализировать кадры, понимаешь, что для того, чтобы фотография выглядела объемной, ко всему прочему неплохо было бы выстраивать кадр так, чтобы тот условно состоял из нескольких слоёв, следуя по которым, зритель, как бы, погружается в фотографию! Т.е. в идеале каждая ваша фотография должна состоять минимум из трёх планов: переднего, среднего и заднего, и главный объект съемки, как это ни странно, в базовом исполнении должен находиться не на переднем плане, а на среднем. На переднем же должен находиться какой-то объект, в идеале, опционально раскрывающий сюжет в кадре, а на заднем - что-то, что обозначит локацию или атмосферу. При таком трехуровневом построении когда есть: - точка входа, в виде (возможно) размытого в бокешке, но всё равно узнаваемого предмета, - четкий объект съёмки, которому уделяется максимальное внимание, -  и фон, позволяющий интуитивно проникнуться атмосферой происходящего, … фотография приобретает визуальную глубину, и из двухмерной превращается почти в трехмерную. Наверняка, эта метода на каких-нибудь операторских или режиссерских курсах преподается в первую очередь, настолько она элементарна и очевидна, но для новичков и самоучек, вроде меня, она была сродни небольшого открытия, которое без особых усилий позволяет прилично повысить качество итоговых снимков. Разумеется, всё должно быть к месту, поэтому не стоит стремиться постоянно выстраивать кадры по вышеописанной схеме - в тех же фэшн или каталожной съемках, она не то, чтобы очень нужна. Но! Если вы занимаетесь художественной фотографией, снимаете предметку или, в принципе, стремитесь придать вашим кадрам кинематографический вид, то стараться собрать в кадре все три слоя - верный путь к успеху!

📸 Хочу всё-таки финализироваться на тему чистоты цвета и выработки привычки заботиться о нём ещё на этапе съемки, вместо того, чтобы впоследствии надеяться на резиновость Raw, ибо тех, кто прочитал вторничный пост, сделал выводы и сформировал какое-то своё мнение на основе приведенных фактов оказалось несколько меньше тех, кто, решил настойчиво меня переубедить в моём заблуждении, (причём, не только в комментариях, но даже в личных сообщениях). Поэтому, чтоб не закрывать тему на двусмысленной ноте, и не поощрять толки, я решил ответить оппонентам в отдельной публикацией, разобрав по фактам те самые спорные вопросы, которые и вызвали бурное обсуждение. Итак…➡️➡️➡️

📸 Позволю себе очередной пост сверх редакционного задания, ибо недовольные чистотой света/цвета и неидеальным АвтоББ комментарии под постом, где предлагалось на досуге покрутить RAW с новой Sony A7V, меня несколько обескуражили. Я ещё могу понять споры на тему общей “резиновости Raw, или недостаточной детализации или ширины ДД на сверх высоких значениях ISO, но вот, что касается чистоты цвета… Т.е. мало того, что она, в принципе, не зависит от модели камеры, а только от количества источников, которые смешались между собой в кадре + установки баланса белого по рисующему источнику в Кельвинах. Так ещё и, как правило, выводится при базовой проявке RAW, когда сводишь картинку к двум/трём основным цветам, чтобы весь кадр в целом выглядел гармоничным. Напомню…➡️➡️➡️

📸 Размышления на тему, убивает ли развитие ИИ фотографию, или всё же нет… Лично мне на жизненном пути, как правило, попадают либо “всепропальщики”, которые по каждому удобному и неудобному случаю категорически заявляют, что “...мы все скоро останемся без работы, ибо классическая фотография больше никому не будет нужна…”, либо те, кто занырнули во всевозможные нейросети с головой, забросили съемки и только и делают, что пилят промты, создавая “контент” (как фото, так и видео) разной степени паршивости, который прям-таки кричит о своей неруктворности. А вот здравых людей, которые не стали паниковать, как только нейросети зашли на территорию фотографии, восприняв их, как новый виток эволюции - лично я могу пересчитать на пальцах обеих рук. И вот, их мировоззрение на ИИ в фотографии, как по мне, самое жизнеспособное, ибо рассматривает нейросети не как угрозу индустрии, а как новый алгоритм, во-первых, убивающий рутину, вроде долгой и кропотливой обработки, а во-вторых, открывающий неограниченные возможности по улучшению и доработке финальных изображений. Почему ИИ фотографии не угроза? Потому, что однажды нечто подобное уже случалось…➡️➡️➡️

📸 Редакторским заданием на сегодня стал очень правильный вопрос из заголовка, плавно вытекающий из поста о том, “Чему фотограф может научиться у художников?”, и он гораздо глубже, чем кажется на первый взгляд! Чего уж греха таить - все мы, так или иначе, занимаемся заимствованием, “вдохновляемся”, так сказать, ибо, как писал, Хорхе Луис Борхес - за всю историю человечества придумано всего четыре сюжета, а самое главное качество, определяющее творца - это его насмотренность (это уже не Борхес - это здравый смысл). Купить её нельзя, но можно, как бицуху, натренировать: обучение, мастер-классы, интересные статьи, посещение галерей, просмотр талантливо снятых фильмов и разборы работ того фотографа, на которого равняешься, тренируют наш мозг, заряжают на съемку “шедевров” и, как следствие, позволяют становиться лучше, как в личном, так и профессиональном плане. Но! После прохождения любого из вышеобозначенных мероприятий мы железобетонно перенимаем в своё творчество частичку того, кем в тот или иной момент, “вдохновлялись”. И вот после этой “точки бифуркации” есть два варианта развития событий:➡️➡️➡️

📸 Чувствую, теплее у нас уже не будет, а значит самое время напомнить о том, что и как можно снимать в условиях морозной пасмурной погоды и вечного дефицита света - то бишь зимой. А то ж бытует популярное мнение, что все основные съемки проходят с мая по октябрь, ибо в -10 на фоне грязного снега много не наснимаешь. Поэтому, не успел - жди следующего сезона, желательно где-то неподалеку от Индонезии! Так вот, вся эта сезонность - исключительно в головах, и зимой можно снимать не менее нарядные кадры, чем летом! Просто взяться надо несколько иначе…➡️➡️➡️